Top 100 ban nhạc rock hay nhất mọi thời đại của Rolling Stone năm 2022

Rock - âm nhạc vĩnh cửu. các nhóm tôn giáo, vẫn còn là một huyền thoại trong trái tim của nhân dân - đó là một ban nhạc rock, người sáng tác kiệt những tiếng riff guitar chạm vào dây của linh hồn, chơi trên các dây thần kinh, về cảm xúc, về cảm xúc. Sang với nỗi thống khổ của vĩnh cửu - tình yêu bất diệt về, về tình bạn, về việc tìm kiếm chính mình, nơi bạn trên thế giới, mà cuối cùng, không bao giờ từ bỏ là cần thiết, và chương trình .. Chương trình phải tiếp tục!

Tuy nhiên, ban nhạc rock hay nhất mọi thời đại là gì? Và nó rất dễ dàng để tìm hiểu? tạp chí âm nhạc và các phương tiện khác không chỉ cần thực hiện lập danh sách của họ trong 10 ban nhạc rock hàng đầu của mọi thời đại. Trong đó có một số lượng hạn chế của các nghệ sĩ. Vì vậy, họ sau đó được mở rộng và biến thành 100 ban nhạc rock hay nhất mọi thời đại. Nhưng đôi khi có vẻ như điều này là không đủ.

Tại sao nó rất thú vị?

nhạc rock - một audioiskusstva hồ tuyệt vời. Vì vậy, nhiều lời nói đã được nói về các loại tự do nó sanh ra trong tâm hồn của người nghe, những gì một cơn bão cảm xúc có thể được trải nghiệm khi nghe một hit. Bên cạnh đó, nhạc sĩ nhạc rock bản thân tính cách khá thú vị - tiểu sử của họ có đầy đủ những huyền thoại và truyền thuyết, những người kể lại đầy những thăng trầm của thiên tài. Elis Kuper, ví dụ, anh tự hỏi như thế nào dẫn đầu một rocker cuộc sống khá hoang dã có thể viết một cái gì đó rất thảm hại? Vụ bê bối liên quan đến họ - bạn tên nó. Và đại diện của các thể loại nghiêm trọng nhất về cơ bản hù dọa một số người, sau đó xuất hiện của họ, những trò hề.

Có một thứ hạng khá?

Câu hỏi về người là tốt hơn, tất nhiên, luôn đặt một cạnh, nhưng tại thời điểm này nó có giá trị, nó phải được nói, khá mạnh. Lịch sử có không phải là một hoặc hai đội mà xứng đáng với danh hiệu "ban nhạc rock hay nhất mọi thời đại." Bởi những gì tiêu chí để lựa chọn? Tôi không biết bao nhiêu nỗ lực đã được chi cho nó, nhưng vào thời điểm đó Rolling Stone là một vài danh sách như vậy. Đã đạt được sự thịnh hành và phổ biến của các tạp chí đầu tiên đến với tâm khi cuộc trò chuyện bắt đầu về tất cả các loại bảng xếp hạng âm nhạc quy mô lớn. Từ đó và bắt đầu.

Theo ấn phẩm tạp chí Rolling Stone

Tạp chí âm nhạc nổi tiếng thích làm hài lòng các fan của tất cả các loại xếp hạng. Để tín dụng của mình không chỉ là một danh sách các ban nhạc rock hay nhất mọi thời đại, nhưng những nghệ sĩ guitar rock hay nhất (bằng cách này, nó đã được lãnh đạo bởi Dzhimmi Hendriks), và 500 của các bài hát hay nhất là Rolling Stone danh sách những bộ phim ban nhạc chuyên nghiệp và rock hàng đầu. Và, tất nhiên, tạp chí xuất bản một danh sách hàng năm của tốt nhất, theo ý kiến, album của mình. Xếp hạng khác trên toàn cầu (một số trong đó được liệt kê ở trên) thường được xếp hạng là một số ngày quan trọng, kỷ niệm, sinh nhật. Chúng có thể chứa 10-500 vị trí.

Vì vậy, ban nhạc rock hay nhất mọi thời đại theo tạp chí Rolling Stone - một không hai của The Beatles. Và ai là để nói rằng những thiên tài của nhạc rock không xứng đáng một cấp bậc cao? Có gì đúng là đúng - tạp chí không chỉ là một danh sách các ban nhạc rock, mà còn các nghệ sĩ, về nguyên tắc, đó, tình cờ, cũng được tiết lộ - một lần ở nơi đầu tiên được âm nhạc của phong cách đặc biệt này. Người Anh đã có một ảnh hưởng sâu sắc đến sự phát triển của rock và mãi mãi vẫn là những người tiên phong của thể loại này.

Bất cứ điều gì khác?

By the way, lựa chọn tốt nhất trong số các nhóm progressive rock, Rolling Stone được đặc biệt lưu ý Rush, bộ ba từ Canada, và các nghệ sĩ bass tốt nhất theo ý kiến của mình, là John Estvil (bầu cử được tiến hành trong những độc giả của tạp chí). Liệt kê các vị trí hàng đầu khác trong bảng xếp hạng của tạp chí có thể là vô hạn - rất nhiều người trong các danh sách này được phát hành.

Theo tạp chí Hit Parader

Làm một danh sách hàng trăm trong những ban nhạc rock hay nhất, Hit Parader tạp chí chuyên về hardrock và kim loại nặng, đã thông báo rằng ban nhạc rock hay nhất mọi thời đại - KISS. rocker Glam dường như rất ấn tượng với các biên tập viên tài năng của họ, và cùng với quan điểm đáng nhớ Ext.

Con tem ba cũng bao gồm Van Halen và Guns`n`Roses, thứ hai và vị trí thứ ba tương ứng.

Led Zeppelin và Queen - những nơi thứ tư và thứ năm. AC / DC và Metallica có thể được nhìn thấy trên thứ bảy và thứ tám - để làm họ ngạc nhiên ở vị trí thứ sáu trước Slipknot.

Danh sách đầy dẫy như chúng ta đã trở thành nhóm huyền thoại cũng như ngày khét tiếng - do đó, một vị trí 52 là Evanescense, mà ca sĩ chính Emi Li không thể nhớ giọng hát tuyệt vời.

Điều gì là đáng ngạc nhiên?

Evanescense mắt Hit Parader là tốt như vậy mà vượt qua Dzhona Bon Jovi bởi một vị trí. quyết định gây tranh cãi - đều đủ tài năng và có một lượng fan rất lớn, nhưng sớm hơn nhiều được biết đến John, như chúng ta thấy, không giúp anh ta nhận được một lợi thế hơn Amy.

ban nhạc rock Marilyn Manson, đến lượt nó, mất vị trí thứ 10 nhờ vào tính chất đa chiều về những ca sĩ sáng tạo. Các nhạc sĩ được biết đến không chỉ như là một thành viên của một nhóm đầy màu sắc cùng tên, mà còn là một họa sĩ màu nước tuyệt đẹp. Giải trí đạt Merlin ca ngợi Hit Parader, cho phép Manson tại nhiều vị trí phía trước của Ozzy Osbourne và Deep Purple. Rõ ràng, glam do tạp chí Marilyn Manson đã gây ấn tượng hơn so với tập phim tai tiếng liên quan đến Ozzy và ballad hồn của mình. Tuy nhiên, thực tế là sau này là trong một danh sách độc tấu, làm cho nó một vinh dự lớn.

Theo Classic Rock

Classic Rock tiếp cận câu hỏi sáng tạo hơn những người tiền nhiệm của họ, và trong năm 2009 công bố danh sách các ca sĩ hay nhất của ban nhạc rock. Giá bao gồm năm mươi dòng trên đó để đặt các tốt nhất trong những tốt nhất. Dẫn đầu ông huyền thoại Freddi Merkyuri, cho phép Nữ hoàng danh hiệu "ban nhạc rock hay nhất mọi thời đại" để gọi cô ấy ở bên phải.

Ý kiến Classic Rock

Các guitarist tốt nhất của một ban nhạc rock, trong số những thứ khác, Classic Rock tên Angus Young (AC \ DC).

drummer tốt nhất tên Dzhon Bonem của Led Zeppelin.

Theo VH1

VH1 kênh âm nhạc không thể vượt qua như một hồ chứa khổng lồ của tài năng, khả năng và những kiệt tác, và do đó ngay lập tức trình bày với độc giả và người hâm mộ của đánh giá. Tiêu đề của "ban nhạc rock hay nhất mọi thời đại" đã nhận Led Zeppelin.

đầu danh sách, về nguyên tắc, khá cũ-học: Black Sabbath ở vị trí thứ hai, Jimy Hendrix trên thứ ba, và AC / DC, Metallica và Nirvana chiếm ba vị trí tiếp theo.

Cách xếp hạng trung thực?

Tất nhiên, tất cả các fan hâm mộ sẽ lập luận cho nghệ sĩ yêu thích của họ. Với điều này không có ai tranh chấp.

Nó rất dễ dàng để nhận thấy rằng một số nhóm theo một thứ tự khác nhau luôn ở đầu danh sách. Họ là một cái gì đó, và được gọi là "ban nhạc rock hay nhất mọi thời đại." Trong số đó được đảm bảo để trình bày Beatles, Queen, AC / DC, Led Zeppelin, Metallica. Nhưng nói về trường cũ, mà đã là âm nhạc rất dài hạnh phúc, và, nhiều khả năng, sẽ làm hài lòng từ lâu đã phát hành album cùng một lượng thời gian (cho rằng một số các "oldies" vẫn còn trong hình dạng tuyệt vời, và chỉ vừa mới phát hành hit một vài chi tiết) nó là đáng nói là những bản rock ballad cổ điển Scorpions và không công bằng xuống hạng đến vị trí xa xôi xếp hạng Bon Jovi. Trong số dễ nhận biết bởi chỉ có một tên: Sex Pistols, Ramones, Pink Floyd và Red Hot Chilli Peppers.

Và The Doors và Steppenwolf sản xuất hit mà khi nghe ngay cả những quy bật đài phát thanh và không fan Hardrock.

Còn hiện tại?

Bạn có thể nhận thấy rằng một số các tạp chí âm nhạc, làm cho xếp hạng của họ đã ủng hộ rock, là thời gian thử nghiệm, và một số đã được hạnh phúc để bao gồm các dự án mới và trong một số trường hợp thậm chí đánh dấu lợi thế của mình so với "ngày xưa tốt". Hiện tại, một số nhóm nhạc nổi tiếng khuyến khích âm nhạc chất lượng và dám nộp hy vọng sẽ vẫn nằm trong trái tim của người hâm mộ trong một thời gian dài, và có lẽ trở thành huyền thoại giống như người tiền nhiệm của họ. Sau khi tất cả, các fan phải, trong đó bao gồm đến ba thế hệ, không thể không ngưỡng mộ những thần tượng.

Ai biết được, có lẽ trong năm mươi năm, vẫn sẽ được đánh giá 30 Seconds To Mars, Chemical Romance của tôi, Green Day, The Pretty Reckless, The Rasmus, Linkin Park. Một số trong số họ đã tổ chức kỷ niệm lần thứ 15, trong khi những người khác - đã không còn tồn tại, trong khi những người khác - rất xanh, họ không quá năm năm. Tất cả đều liên quan đến những anh hùng nhạc rock của thời hiện đại, xu hướng mới, những ý tưởng và giải pháp mới. Có lẽ họ là đáng nói nếu chỉ vì họ phải cạnh tranh với truyền thuyết.

Hãy đối mặt với một: không có xếp hạng không giúp xác định tình yêu của nhạc rock đến từ trái tim.

Từ Beach Boys đến The Beatles, từ Stones đến Ramones, đây là 25 ban nhạc rock vĩ đại nhất mọi thời đại. Nếu bạn mới ở đây, hãy chắc chắn kiểm tra loạt giới thiệu trong đó tôi đặt ra những gì đủ điều kiện để đưa vào danh sách này (là một ban nhạc; hãy xuất sắc; thành công; hoặc có ảnh hưởng!). Tôi cũng mô tả phương pháp xếp hạng cá nhân không thể tránh khỏi của tôi và giải thích lý do tại sao tôi bao gồm các nhóm rap, linh hồn và giọng hát trong một danh sách các ban nhạc rock.

Trong bài viết này:

• Rock là gì?
• Trình độ chuyên môn để đưa vào
• Xếp hạng
• Các ban nhạc rock tốt nhất mọi thời đại: 25-1

Rock là gì?

Trình độ chuyên môn để đưa vào

Xếp hạng

Các ban nhạc rock tốt nhất mọi thời đại: 25-1

Nói một cách đơn giản, nhạc rock đã hình thành DNA cơ bản của âm nhạc phổ biến từ khoảng năm 1960 đến 2000.

Những năm 1950 được nhớ đến như thời kỳ hoàng kim của nhạc rock and roll. Phần lớn những gì chúng ta sẽ gọi là Rock and Roll, ông Berry Berry, Elvis Presley, Little Richard, v.v. Nhưng khi những âm thanh này được hợp nhất, và quan trọng nhất, khi dòng phân tách âm nhạc đen và trắng mờ đi, hiện tượng văn hóa được gọi là Rock and Roll nhấn chìm tuổi trẻ của Mỹ.

Sau đó, vào năm 1959, một loạt các sự kiện không may báo hiệu chấm dứt thời đại này, bao gồm dự thảo của Elvis Presley vào nghĩa vụ quân sự, Little Richard rời khỏi chức tư tế và vụ tai nạn máy bay bi thảm đã tuyên bố cuộc sống của Buddy Holly, Ritchie Valens và The Bopper lớn.

Rock and Roll đã đạt đến mức thấp đầu tiên của mình, để lại âm nhạc nổi tiếng trong tay những thần tượng tuổi teen Treacly như Frankie Avalon và Fabian. Rock and Roll đã có nhiều nhà phê bình, bao gồm một đội ngũ thẳng thắn của những người theo chủ nghĩa phân biệt đã giải quyết sự lan truyền của cái gọi là nhạc Jungle Jungle. Những người nghĩ về rock and roll là thô, thô tục, và ít hơn một mốt do tuổi teen được minh oan. Rock and Roll đã chết.

Sau đó, The Beatles and Stones đã rửa lên bờ vào năm 1964. Một năm sau, Bob Dylan đã cắm cây đàn guitar của mình vào một amp tại Lễ hội dân gian Newport năm 1965; Motown cười rạng rỡ âm thanh Detroit vào mọi điệu nhảy ở Mỹ; Brian Wilson đưa các chàng trai bãi biển vào vùng nước không thông minh; The Grateful Dead đã thử LSD lần đầu tiên; Và mẹ Bruce Spingteen, đã vay một khoản vay để mua cho con mình cây đàn guitar đầu tiên của mình.

Trình độ chuyên môn để đưa vào

• Xếp hạng

Nói một cách đơn giản, nhạc rock đã hình thành DNA cơ bản của âm nhạc phổ biến từ khoảng năm 1960 đến 2000.

• Những năm 1950 được nhớ đến như thời kỳ hoàng kim của nhạc rock and roll. Phần lớn những gì chúng ta sẽ gọi là Rock and Roll, ông Berry Berry, Elvis Presley, Little Richard, v.v. Nhưng khi những âm thanh này được hợp nhất, và quan trọng nhất, khi dòng phân tách âm nhạc đen và trắng mờ đi, hiện tượng văn hóa được gọi là Rock and Roll nhấn chìm tuổi trẻ của Mỹ.

Sau đó, vào năm 1959, một loạt các sự kiện không may báo hiệu chấm dứt thời đại này, bao gồm dự thảo của Elvis Presley vào nghĩa vụ quân sự, Little Richard rời khỏi chức tư tế và vụ tai nạn máy bay bi thảm đã tuyên bố cuộc sống của Buddy Holly, Ritchie Valens và The Bopper lớn.

• Rock and Roll đã đạt đến mức thấp đầu tiên của mình, để lại âm nhạc nổi tiếng trong tay những thần tượng tuổi teen Treacly như Frankie Avalon và Fabian. Rock and Roll đã có nhiều nhà phê bình, bao gồm một đội ngũ thẳng thắn của những người theo chủ nghĩa phân biệt đã giải quyết sự lan truyền của cái gọi là nhạc Jungle Jungle. Những người nghĩ về rock and roll là thô, thô tục, và ít hơn một mốt do tuổi teen được minh oan. Rock and Roll đã chết.

Tất nhiên, tất cả mọi thứ tôi chỉ nói không có gì để ngăn chặn Hootie & The Blowfish lập danh sách. Đây là lý do tại sao trình độ tiếp theo của chúng tôi là rất quan trọng. Trình độ hàng đầu để đưa vào đây là âm nhạc, nhạc cụ và/hoặc sự xuất sắc nghệ thuật. Các ban nhạc bao gồm ở đây đã giúp nâng cao các tiêu chuẩn của Songcraft, biểu diễn trực tiếp, sự khéo léo của studio hoặc điêu luyện. Đôi khi, sự xuất sắc nghệ thuật là đủ phổ biến để vượt qua tính chủ quan. Chẳng hạn, nếu bạn lập danh sách 100 top không bao gồm Pink Floyd, thì đó phải là do Roger Waters chạy qua con chó của bạn. Nếu không, sự đồng thuận là họ khá tuyệt vời. Điều tương tự cũng đúng với gần như tất cả các nghệ sĩ bao gồm ở đây.

• Hoặc thành công;

Tôi thừa nhận rằng không phải mọi ban nhạc trong danh sách này vốn đã xuất sắc. Nhưng một số ban nhạc chỉ đơn giản là quá thành công để bỏ lỡ việc cắt giảm. Một số ban nhạc đã bán rất nhiều hồ sơ đến nỗi, bất kể bạn hoặc tôi nghĩ gì về họ, cả hai chúng tôi đều không thể phủ nhận tác động của họ đối với văn hóa đại chúng. Vâng, Đại bàng nằm trong danh sách này. Vâng, tôi nhận ra rằng họ có thể tự mãn. Nhưng thực sự, ở đó, không có cách nào một ban nhạc có thể bán 150 triệu bản mà không làm nhiều việc thực sự đúng.

• Hoặc có ảnh hưởng

Tôi thừa nhận rằng không phải mọi ban nhạc trong danh sách này vốn đã xuất sắc. Nhưng một số ban nhạc chỉ đơn giản là quá thành công để bỏ lỡ việc cắt giảm. Một số ban nhạc đã bán rất nhiều hồ sơ đến nỗi, bất kể bạn hoặc tôi nghĩ gì về họ, cả hai chúng tôi đều không thể phủ nhận tác động của họ đối với văn hóa đại chúng. Vâng, Đại bàng nằm trong danh sách này. Vâng, tôi nhận ra rằng họ có thể tự mãn. Nhưng thực sự, ở đó, không có cách nào một ban nhạc có thể bán 150 triệu bản mà không làm nhiều việc thực sự đúng.

Hoặc có ảnh hưởng

Một số nghệ sĩ trong danh sách có thể bất chấp bất kỳ định nghĩa thông thường về sự xuất sắc hoặc thành công, nhưng phải được xếp hạng cho tác động văn hóa của công việc của họ. Sid Vicy là một nhạc sĩ khủng khiếp đến nỗi súng lục sex đồng nghiệp của anh ấy sẽ nổi tiếng từ chối tập trên amp của anh ấy trong các buổi biểu diễn trực tiếp. Nhưng tay bass đồi trụy cũng thể hiện hoàn hảo chủ nghĩa hư vô và cơn thịnh nộ khiến ban nhạc của anh có ảnh hưởng lớn. Để được đưa vào danh sách này, giúp đỡ tuyệt vời. Nhưng nếu bạn không có điều đó, thì tạo ấn tượng tan vỡ trái đất trong quá trình lịch sử là điều tốt nhất tiếp theo.

Tôi thừa nhận rằng không phải mọi ban nhạc trong danh sách này vốn đã xuất sắc. Nhưng một số ban nhạc chỉ đơn giản là quá thành công để bỏ lỡ việc cắt giảm. Một số ban nhạc đã bán rất nhiều hồ sơ đến nỗi, bất kể bạn hoặc tôi nghĩ gì về họ, cả hai chúng tôi đều không thể phủ nhận tác động của họ đối với văn hóa đại chúng. Vâng, Đại bàng nằm trong danh sách này. Vâng, tôi nhận ra rằng họ có thể tự mãn. Nhưng thực sự, ở đó, không có cách nào một ban nhạc có thể bán 150 triệu bản mà không làm nhiều việc thực sự đúng.

Hoặc có ảnh hưởng

Một số nghệ sĩ trong danh sách có thể bất chấp bất kỳ định nghĩa thông thường về sự xuất sắc hoặc thành công, nhưng phải được xếp hạng cho tác động văn hóa của công việc của họ. Sid Vicy là một nhạc sĩ khủng khiếp đến nỗi súng lục sex đồng nghiệp của anh ấy sẽ nổi tiếng từ chối tập trên amp của anh ấy trong các buổi biểu diễn trực tiếp. Nhưng tay bass đồi trụy cũng thể hiện hoàn hảo chủ nghĩa hư vô và cơn thịnh nộ khiến ban nhạc của anh có ảnh hưởng lớn. Để được đưa vào danh sách này, giúp đỡ tuyệt vời. Nhưng nếu bạn không có điều đó, thì tạo ấn tượng tan vỡ trái đất trong quá trình lịch sử là điều tốt nhất tiếp theo.

Xếp hạng

Quy trình xếp hạng của chúng tôi là vô cùng khoa học ở chỗ tôi đeo một chiếc áo khoác phòng thí nghiệm và kính bảo hộ an toàn.

Phù hợp với nhiệm vụ rộng lớn hơn của chúng tôi ở đây tại ảnh hưởng âm nhạc, mục tiêu là xếp hạng các nghệ sĩ bằng ảnh hưởng. Khi chúng tôi xếp hạng một nghệ sĩ lên trên một nghệ sĩ khác, chúng tôi không đưa ra lập luận rằng các nghệ sĩ cũ tốt hơn so với người sau. Thay vào đó, chúng tôi lập luận rằng nghệ sĩ cấp cao có ảnh hưởng hơn. Do đó, khi chúng ta đặt những người tiên phong hip hop chạy D.M.C. Trước các bố già của Radio R.E.M., chúng tôi không tranh luận rằng Run D.M.C. tốt hơn. Thay vào đó, chúng tôi đang tuyên bố rằng Hollis, Queens Trio đã làm nhiều hơn một chút để thay đổi bộ mặt của âm nhạc phổ biến so với bộ tứ ra khỏi Athens, Georgia.

Điều đó nói rằng, không giống như các bảng xếp hạng khác trên trang web của chúng tôi, danh sách này không được cung cấp bởi thuật toán của chúng tôi. Thay vào đó, ảnh hưởng được thông báo bởi một tập hợp các biến số không trọng số bao gồm thành công thương mại, tầm quan trọng nghệ thuật, liên quan đến văn hóa và sở thích cá nhân. Vâng, đúng vậy, có một số thiên vị ở đây. Nếu bạn không thích nó, hãy viết danh sách của riêng bạn. Nghiêm túc. Tôi không phải là người. Đó là một bài tập thực sự thú vị và tôi chúc bạn những điều tốt nhất.

Nhưng đây là danh sách của tôi để bạn có thể không đồng ý với một số lựa chọn của tôi. Bạn có thể nghĩ rằng tôi điên khi xếp hạng ban nhạc này trong ban nhạc đó. Bạn có thể nghĩ rằng tôi là một thằng ngốc vì đã xếp hạng một ban nhạc mà bạn ghét mười điểm trên một ban nhạc mà bạn đã bán một quả thận (thậm chí có thể là của riêng bạn) để xem trực tiếp. Bạn có thể muốn gửi cho tôi thư ghét vì đã không tìm thấy không gian trong 100 mục và hơn 50.000 từ để thậm chí đề cập đến ban nhạc mà bạn đã dành cuộc sống trưởng thành của mình để thờ phượng. .

Vâng, đó là vẻ đẹp của một danh sách như thế này. Không có cách nào mà nó sẽ đúng 100% nhưng bạn có thể chứng minh điều đó sai. Điều này có nghĩa là chúng ta có được một cuộc tranh luận tuyệt vời và không thể thực hiện được về nhạc rock, về những gì nó là, nó đã ở đâu, và nó sẽ đi đâu.

Trên Freak Out! .

Đằng sau Zappa, các bà mẹ phát minh đã chịu đựng ba thay đổi kịch tính trong đội hình của họ trong một thập kỷ tồn tại. Tại mọi thời điểm, Zappa, một người nghiện công việc nổi tiếng, bao quanh mình với sự kết hợp của các nhạc sĩ hàng đầu và những kẻ lập dị hạng nhất. Trong số những cá nhân nổi tiếng nhất rơi vào hạng mục thứ hai là Ca sĩ Captain Beefheart, người sau đó sẽ tiếp tục thu âm một số album nhạc rock có ảnh hưởng sâu sắc với ban nhạc ma thuật của mình.

Các bà mẹ nổi tiếng khác bao gồm Roy Estrada và Lowell George, người sẽ tiếp tục tìm thấy Dixie Oddballs, Little Feat; Mark Volman và Howard Kaylan, trước đây thuộc The Rùa và sau đó, Hiệu trưởng của Flo & Eddie; Fusion Master George Duke; nghệ sĩ violin điện độc tấu được ghi nhận Jean Luc-Ponty; Henry Vestine, sau đó của nhiệt đóng hộp; và tay trống nhạc jazz-rock Extrumordinaire, Terry Bozzio.

Những hóa thân khác nhau đã làm một điều đặc biệt khó xảy ra đối với một ban nhạc như là trường ngoài tường, trong khuôn mặt của bạn và ngoài trái như các bà mẹ. Họ đã có lượt truy cập, loại. Sau gần một thập kỷ là một trong những nhóm được đánh giá cao và bị hiểu lầm thương mại nhất thế giới, các phong cách prog-rock của Zappa đã mang lại một bản hit không thể xảy ra với một lần nữa với Ap Ap T ăn tuyết màu vàng.

Năm sau, Zappa đã giải tán các bà mẹ nhưng tiếp tục khám phá và giới thiệu các nhạc sĩ trẻ xuất sắc như Brecker Brothers và Steve Vai. Tác phẩm của anh ấy đã xử lý cùng một con mắt châm biếm man rợ và sự khéo léo âm nhạc khó hiểu đối với các thí nghiệm trong nhạc rock cứng, hợp nhất, sóng mới và âm nhạc cổ điển, dần dần xây dựng một trường hợp cho Zappa là một trong những nghệ sĩ sâu sắc nhất, tục tĩu và sung mãn nhất thế giới. Danh tiếng của ông với tư cách là một đại diện được nói rõ ràng trong ngành công nghiệp của ông đã được củng cố bởi sự xuất hiện của quốc hội năm 1987, cùng với John Denver và Dee Snider của Twisted Sister, đối lập với những nỗ lực của chính phủ trong việc kiểm duyệt âm nhạc.

Ngay cả khi Zappa chỉ trích mạnh mẽ sự dư thừa và sự hời hợt âm nhạc của các đồng nghiệp nhạc rock and roll của mình, anh ta đã bảo vệ quyền của họ như vậy. Zappa qua đời vì ung thư năm 1993 và bước vào Đại sảnh Danh vọng Rock and Roll hai năm sau đó.

Ảnh của: Ron Kroon / ANEFO - Archief Nationaal, CC0

24. Ban nhạc

Ban nhạc bắt đầu sự tồn tại của nó như là một đơn vị ủng hộ Canada thô và kết thúc hoạt động như một tổ chức của Mỹ. Đối với một nhóm các anh chàng từ phía trên biên giới phía bắc, anh ta, người chơi tay trống sinh ra ở Arkansas-ban nhạc dường như chỉ huy một sự nắm bắt vô song về nước bí ẩn nông thôn Mỹ.

Helm gia nhập Rick Danko (bass), Garth Hudson (bàn phím), Richard Manuel (piano) và Robbie Robertson (guitar) vào cuối thập niên 50 để hỗ trợ người điên Rockabilly Ronnie Hawkins. Do đó, họ được mệnh danh là Hawks, tham quan khung cảnh quán bar lặn Canada và nổi tiếng là một trong những combo rock and roll chính xác nhất, rõ rệt nhất và chân thực nhất trong trò chơi.

Năm 1964, xác định rằng họ đã tốt nghiệp dịch vụ ủng hộ, nhóm bước ra từ phía sau Ronnie Hawkins, lần đầu tiên tự thanh toán là Levon và Hawks, sau đó là các đội tuyển Canada. Tham quan Hoa Kỳ về sức mạnh của một danh tiếng ngầm cao cả, Hawks đã gặp gỡ Greenwich Village Bard, Bob Dylan.

Trong hai năm tiếp theo, Bob Dylan đã điện khí hóa thế giới âm nhạc (theo nghĩa đen), bằng cách cắm vào amp của mình và veering từ dân gian biểu tình vào chủ nghĩa siêu thực bằng đá chạy bằng tốc độ. Khi Dylan mở rộng tiết mục của mình, khán giả của anh ấy và bảng nhạc rock nhạc trữ tình, anh ấy đã đốt cháy sự giận dữ giữa những người theo chủ nghĩa thuần túy dân gian, người đã dán nhãn cho anh ấy một người bán hết và là kẻ phản bội phong trào phản kháng. Khi khán giả buổi hòa nhạc không liên tục cổ vũ hoặc la ó Dylan, các thành viên của nhóm ủng hộ của anh ta đứng bên cạnh anh ta và tiếp thu sự lạm dụng.

Ngày nay, lịch sử coi giai đoạn này là một cột mốc quan trọng trong cả sự nghiệp của Dylan, và quỹ đạo rộng hơn của nhạc rock. Lịch sử, do đó, cũng mỉm cười với ban nhạc ủng hộ của anh ấy vì những đóng góp táo bạo của họ. Các cựu Hawks đã giành được cái tên ban nhạc cho sự kỳ dị của họ trong cuộc đua du lịch Dylan. Sau hai năm vững chắc, đối mặt với khán giả thù địch và giải thích sai quan trọng, Dylan và ban nhạc đã nghỉ hưu đến một ngôi nhà ở Saugerties, New York được mệnh danh là Big Pink. Bên trong, các nhạc sĩ đã tham gia vào thời kỳ sinh sản vô song, ngẫu hứng và thu âm một loạt các bài hát dường như vô tận lấy cảm hứng từ lịch sử đã mất và cuộc sống tuyệt chủng của người Mỹ. Tính xác thực của các bản ghi âm của họ đã được nhấn mạnh bởi thực tế là họ không bao giờ mong đợi bất kỳ ai trong số họ được nghe. Đây chỉ là một bài tập bền vững trong trao đổi sáng tạo.

Trong năm tới, một khán giả tuyệt vọng cho một bản tiếp theo của Dylan Blonde on Blonde, Hồi đã ngấu nghiến các bản sao Bootleg (được biết đến với cái tên là The The The Basement Tapes, với sự hung dữ đến nỗi các phiên của nó cuối cùng đã được tuyển dụng bằng cách phát hành chính thức một bản phát hành chính thức một bản phát hành chính thức là một bản phát hành chính thức một bản phát hành chính thức thập kỷ sau. Đối với ban nhạc, cuối cùng họ đã có cơ hội tự mình tấn công vào năm 1968. Ra mắt của họ, Music From Big Pink, đã thiết lập hình ảnh của họ như một diễn viên của các cựu chiến binh Nội chiến bị di dời. Bắt nguồn từ những người đàn ông mệt mỏi trên đường, và được làm tròn bởi một bộ ba kiệt tác của Dylan, Big Pink nổi tiếng Americana với sự uy nghi của Bucolic.

Năm 1969, ban nhạc xuất hiện tại Lễ hội âm nhạc Woodstock, một chuyến đi dễ dàng cho rằng nó thực sự được tổ chức ở sân sau của họ. Cùng năm đó là The Band Band đã làm sâu sắc thêm hình ảnh mục vụ của họ với một loạt các bài hát ướt đẫm trong thần thoại Backwoods và được cư trú bởi các quý ông đồng quê, đáng chú ý nhất là The Trân trọng The Night họ đã lái chiếc Dixie Old Down Down và The Buyant Up Up trên Cripple Creek, Sau này đã hạ cánh ban nhạc ngoài thời gian ở vị trí số 25 trên bảng xếp hạng.

Ban nhạc đã giành được đoạn văn cuối cùng của mình vào Hội trường danh vọng Rock and Roll trong suốt thập kỷ tiếp theo với một dòng kỷ lục ổn định của Sở sợ hãi (1970), Cahoots (1971) và Northern Lights - Southern Cross (1976) Danh tiếng kiếm được nhiều tiền như một con ngựa chiến được thử nghiệm trên đường. Danh tiếng này được nuôi dưỡng tốt trong bản phát hành hai lần sống trong năm 1972, Rock of Ages.

Tuy nhiên, ảnh hưởng rộng lớn hơn của họ có lẽ được tôn vinh tốt nhất, cũng như sự dư thừa của thời đại nói chung, trong Waltz cuối cùng, một bộ phim tài liệu được chỉ đạo của Martin Scorsese giới thiệu buổi biểu diễn chia tay ban nhạc. Được quay vào năm 1976 và phát hành hai năm sau đó, Waltz cuối cùng sẽ xuất hiện bởi Bob Dylan, Neil Young, Van Morrison và thậm chí là Ronnie Hawkins cũ. Đến nay, nó vẫn là một người mang tiêu chuẩn trong số các bản phát hành buổi hòa nhạc trực tiếp.

Mặc dù ban nhạc sẽ tái hợp ở nhiều điểm khác nhau, nhưng hôm nay chỉ có Robbie Robertson và Garth Hudson vẫn ở với chúng tôi.

Ảnh của: Capitol Records - Billboard, trang 19, 28 tháng 11 năm 1970, phạm vi công cộng

23. Talking Heads

Những người nói chuyện là những người biết chữ nhất, thông minh và vui tươi của bộ CBGB. Được dẫn dắt bởi ca sĩ, nhạc sĩ, và người phục vụ khổng lồ, David Byrne, The Talking Heads có thể là một trong những ảnh hưởng lớn nhất của người ta thông qua ý thức phát thanh rock ngày nay, đại diện tốt nhất và sự hookless của các ban nhạc hipster Beardly. Tất cả nợ một khoản nợ cho những người nói chuyện vì quyền của họ trở nên kỳ lạ và thành công cùng một lúc.

The Talking Heads được thành lập vào năm 1975, tham gia cùng với giọng hát ngoài kilter của Byrne, và sáng tác bài hát kỳ quặc với bàn phím Layered của Jerry Harrison, Tina Weymouth, Funky Bass, và chữ ký thời gian Staccato của Chris Frantz. Nhóm đã vươn lên để công nhận là một phần của bối cảnh nhạc punk New York đã sinh ra những huyền thoại như Ramones, truyền hình và Blondie. Trong số đó, những cái đầu nói chuyện nổi bật vì trí thông minh và sự nghệ thuật có ý thức của họ. Vào năm 1977, cuộc tấn công đột phá của họ, Kẻ giết người tâm lý, đã đốt cháy các bảng xếp hạng trong khi con trai của Sam khủng bố New York.

Trong suốt tám album, David Byrne đã chịu trách nhiệm về việc chia sẻ văn bản của sư tử cũng như cho ban nhạc của anh ấy. Những album như Fear of Music (1979) và nói tiếng lạ. .

Những người đứng đầu có lẽ là người theo dõi thiết yếu nhất trong một thể loại hậu punk đã bắn cảnh sát, Duran Duran và những chiếc xe đến Megastardom. Những đóng góp của Byrne, cho thời đại MTV có thể được ghi lại tốt nhất trong ban nhạc Stop Surreeting Stop Make Sense (1984), một bộ phim tài liệu hòa nhạc khéo léo (không đề cập đến album) của Jonathan Demme. Hình ảnh và tính thẩm mỹ hiệu suất của nó làm cho nó trở thành một tài liệu thiết lập mẫu trong phương tiện video âm nhạc.

Mặc dù những người đứng đầu nói chuyện đã tan rã ở cuối thập niên 80, nhưng sự nghiệp solo của Byrne, vẫn tiếp tục phân biệt anh ta. Bắt đầu với kỷ lục môi trường xung quanh có ảnh hưởng lớn năm 1981, My Life in the Bush of Ghosts (1981), Byrne đã cho mượn tên của mình cho một loạt các tác phẩm solo chạm vào tất cả các cách thức của thế giới, điện tử và thậm chí là nhạc khiêu vũ. Những cái đầu nói chuyện được giới thiệu vào Đại sảnh Danh vọng Rock and Roll năm 2002.

Ảnh của: bởi Plismo - Công việc riêng, CC bởi 3.0

22. Iggy Pop và Stooges

Các stooges là đứa con tinh thần của đứa trẻ hoang dã Rock and Roll, Iggy Pop. Combo Ann Arbor đã chơi một thương hiệu đặc biệt của Rock Garage Apocalyptic, được định hình trước thái độ nhạc punk và thẩm mỹ trong một thập kỷ. Hôm nay, công việc của họ cung cấp cho chúng ta một nghiên cứu khéo léo trong sự hỗn loạn có kiểm soát.

Tham gia cùng bạn bè và anh em địa phương, Ron và Scott Asheton, và tay bass Dave Alexander, Iggy đã thành lập các stooges ảo giác vào năm 1967 (cuối cùng họ đã bỏ ’psychedelic khỏi tay cầm của họ). Các stooges kéo theo các yếu tố của psychedelia, blues điện và đá lướt sóng, tạo ra các thành phần của chúng trong một máy xay sinh tố và bắn tung tóe chúng trên những đám đông không nghi ngờ.

Iggy Pop đã chứng minh một nhà đổi mới tự nhiên trong lĩnh vực nghệ thuật biểu diễn, lấy một gợi ý từ Jim Morrison và bắt tay vào một số âm nhạc tích cực và đối đầu nhất từng bị đẩy trước khán giả.

Trong khi Stooges làm mờ người nghe với cuộc tấn công công cụ man rợ của họ và sắp xếp to lớn, Iggy sẽ phá vỡ chai và tự cắt bằng kính vỡ, lột xuống không có gì và lao vào đám đông. Trên thực tế, huyền thoại kể rằng ông Pop đã phát minh ra giai đoạn lặn và do đó, đám đông lướt sóng, cả hai mặt hàng chủ lực cuối cùng của kinh nghiệm hòa nhạc punk, grunge và thay thế.

Quan trọng hơn, ban nhạc đã nghiên cứu chủ nghĩa nguyên thủy, chủ nghĩa tối giản âm nhạc và sự điên rồ của Show-Stopping đã viết cuốn sách về Punk Rock khoảng một thập kỷ trước khi thuật ngữ này bước vào từ vựng nổi tiếng. Ngang tầm với khóa học punk, Stooges đã ghi lại hai album mang tính bước ngoặt mà không ai mua trước khi nổ tung hoàn toàn. Nhưng với Stooges (1969) và Fun House (1970), Iggy và ban nhạc của anh ấy đã viết nguệch ngoạc lời mở đầu cho cuộc cách mạng punk trong tương lai.

Mặc dù cả hai hồ sơ này đều không đạt được khán giả chính thống, huyền thoại của Iggy, với tư cách là một người biểu diễn đáng sợ và phấn khởi đã phát triển. Nghiện heroin của anh ấy cũng vậy, một sự thật dẫn đến sự sụp đổ của nhóm vào năm 1971. Trong cùng năm đó, Iggy đã gặp David Bowie, người vừa mới đi trên con đường thành công lớn. Bowie đề nghị chia sẻ thành công này với người bạn mới của mình và tạo ra một cuộc hội ngộ của Iggy và Stooges, trừ Dave Alexander. Năm 1973, sức mạnh thô là kết quả. Một lần nữa, Iggy đã tăng cường ante, sản xuất một album gritty, cường độ hú đã bán rất ít bản sao nhưng có ảnh hưởng nghề nghiệp đối với những người đã mua nó.

Đây cũng là khởi đầu của một mối liên hệ vô cùng có giá trị với David Bowie. Iggy và Stooges đã phá vỡ lần thứ hai, một lần nữa do nghiện heroin Pop. Do đó, anh ta đã tìm cách điều trị tại một tổ chức tâm thần, một thời gian mà Bowie là một trong số ít những vị khách liên tục của anh ta. Sự hợp tác trong tương lai với Bowie sẽ tạo ra tác phẩm solo tốt nhất của Iggy, khi vào năm 1977, ông đã phát hành cả thằng ngốc và ham muốn cuộc sống.

Iggy cũng có cơ hội đoàn tụ với những người bạn cũ của mình từ Stooges, bắt đầu một chuyến lưu diễn đoàn tụ chiến thắng vào đầu và giữa những năm 20 Một thế hệ người nghe hoàn toàn mới. Mặc dù đang diễn ra với 60 tuổi vào thời điểm đó, các màn trình diễn của Iggy, có sức tàn phá nghệ thuật và đối đầu hơn bao giờ hết, bằng chứng sống cho thấy anh ta là đứa trẻ hoang dã đầu tiên của Punk.

Vào năm 2010, Iggy Pop và Stooges đã được giới thiệu tập thể vào Đại sảnh Danh vọng Rock and Roll.

Ảnh của: Michael Markos, CC BY-SA 2.0

21. Các Supreme

Họ là người đầu tiên. Tiêu đề đó thuộc về Shirelles. Và họ không nhất thiết phải là người giỏi nhất. Người ta có thể lập luận rằng những người phụ nữ phía trước như Gladys Knight và Martha Reeves có thể hát các vòng tròn quanh Diana Ross. Nhưng các Supreme luôn luôn là thành công nhất trong các nhóm nữ, được trang bị vật liệu tốt nhất, và cuối cùng, được định sẵn cho ngôi sao sáng nhất. Ngoài ra, Supreme là nhóm hòa âm giọng hát thành công nhất trong lịch sử.

Lịch sử của họ trùng với lịch sử của nhóm hòa âm giọng hát thành công nhất khác. Khi người bản địa Detroit, Paul Williams và Eddie Kendricks bắt đầu hát trong một nhóm có tên The Primes (một ngày để trở thành cám dỗ), bạn bè Florence Ballard, Mary Wilson và Diana Ross đã thành lập Primetttes vào năm 1959. Robinson, yêu cầu anh ta vượt qua bản demo cho ông trùm Motown Berry Gordy. Mặc dù Gordy thích các cô gái, anh cảm thấy họ còn quá trẻ so với nhãn hiệu của mình.

Trong khi Stooges làm mờ người nghe với cuộc tấn công công cụ man rợ của họ và sắp xếp to lớn, Iggy sẽ phá vỡ chai và tự cắt bằng kính vỡ, lột xuống không có gì và lao vào đám đông. Trên thực tế, huyền thoại kể rằng ông Pop đã phát minh ra giai đoạn lặn và do đó, đám đông lướt sóng, cả hai mặt hàng chủ lực cuối cùng của kinh nghiệm hòa nhạc punk, grunge và thay thế.

Bốn lượt truy cập số 1 liên tiếp theo sau với tình yêu trẻ em, Hãy đến xem về tôi, thì Stop Stop! Nhân danh tình yêu "và" trở lại trong vòng tay của tôi. " Các Supreme đã nhanh chóng trở thành hành động nổi bật nhất của Motown, với hình ảnh thanh lịch và bóng bẩy của họ nhấn mạnh chiến lược Motown, để thu hút khán giả tích hợp. Khi The Beatles nhân rộng các bảng xếp hạng, Supreme nổi lên như một trong số ít các hành vi của Mỹ có khả năng không chỉ sống sót mà còn thực sự cạnh tranh với cuộc xâm lược của Anh.

Khi những người đứng đầu bảng xếp hạng tiếp tục vào giữa những năm 1960, với những bản hit như Bạn không thể vội vàng tình yêu và bạn giữ tôi lại trên tất cả, nhưng xác định âm thanh Motown, các Supreme là những ngôi sao toàn cầu vốn đã tháo dỡ các rào cản chủng tộc bằng cách của sự xuất hiện truyền hình nguyên thủy và hợp đồng biểu diễn quốc tế. Chính thành công của họ cuối cùng sẽ giúp nhạc phim Motown trong thập kỷ bằng những siêu sao tương lai như The Temptations và Jackson 5.

Tuy nhiên, rắc rối bắt đầu ủ trong nhóm, phần lớn là do Diana Ross, sự nổi tiếng ngày càng tăng. Khi Gordy lặng lẽ lên kế hoạch để thúc đẩy sự nghiệp solo của nhà lãnh đạo, sự ghen tị trong. Florence Ballard, cảm thấy vai trò của cô ngày càng bị thiệt thòi, rơi vào chứng nghiện rượu trước khi cuối cùng được thay thế bởi cựu ca sĩ Patti Labelle & The Blue Notes, Cindy Birdsong. Đó cũng là vào thời điểm này, vào năm 1967, nhóm chính thức bắt đầu nhận hóa đơn với tư cách là Diana Ross & The Supreme.

Ngay cả trong cộng đồng Motown lớn hơn, các nghệ sĩ đã càu nhàu rằng sự thiên vị của Gordy, đối với các Supreme yêu dấu của anh ta thường mang lại cho nhóm sản phẩm sáng tác bài hát rất hay nhất. Việc ghép đôi của họ với một số bài hát pop vĩ đại nhất từng được sáng tác có nhiều nếu không liên quan nhiều đến thành công của Supreme, hơn là tài năng của chính họ. Thật vậy, là bằng chứng của thực tế này, tranh chấp hợp đồng với và sự ra đi của Holland-Dozier-Holland từ Motown sẽ ảnh hưởng trực tiếp đến các Supreme.

Khi các tác phẩm pop hoàn hảo khô cạn, sự liên quan của các Supreme trong thời đại mà nhạc đen ngày càng trở nên cực đoan, cách mạng và rõ ràng về mặt chính trị. Vào năm 1969, nhóm đã có số 1 cuối cùng của thập kỷ với một ngày nào đó, một ngày nào đó, chúng tôi sẽ ở bên nhau. Vào đầu năm tới, họ không còn nữa.

Diana Ross khởi hành cho một sự nghiệp solo cực kỳ thành công và Supreme đã đạt được thành công biểu đồ về sự công nhận tên trong phần lớn thập kỷ còn lại, cuối cùng đã tan rã vào năm 1977. Được giới thiệu vào Hội trường danh vọng Rock and Roll năm 1988, Supreme dễ dàng đứng đầu tất cả các kết hợp giọng hát khác khác Hành vi với các bản ghi biểu đồ pop 12 #1.

Ảnh của: Truyền hình CBS - Ebay Itemphoto Frontphoto trở lại, miền công cộng

20. Những cám dỗ

Đầu những năm 1960, các combo thanh nhạc nam là một tá, đặc biệt là ở Detroit. Nhưng các thành viên của hai nhóm đối thủ, các số nguyên tố và những người ở xa, sẽ kết hợp để đạt được sự nổi tiếng và thành công vô song.

Tất nhiên, những cám dỗ đã trải qua thành công gần như bất kể các ca sĩ biểu diễn dưới cái tên được đi du lịch tốt. Tuy nhiên, năm người đàn ông đã nhìn thấy nhóm qua các bản hit cổ điển giữa thập niên 60, và đội hình được điều chỉnh một chút sẽ chuyển họ sang những năm 1970, sở hữu trong số những tiếng nói tương thích kỳ diệu nhất trong doanh nghiệp.

Năm 1961, Eddie Kendricks và Paul Williams gia nhập Otis Williams, Elbridge Bryant và Melvin Franklin trong Motown Stable. Họ đã ghi lại và biểu diễn không mệt mỏi trong hai năm sau đó nhưng thấy rất ít sự trở lại cho những nỗ lực của họ.

Thất vọng vì sự đi lên chậm chạp của họ, Bryant trở nên vỡ mộng và, sau một cuộc xung đột trong đó anh ta đã làm mờ Paul Williams bằng một chai bia, đã bị loại bỏ trong kỳ nghỉ Giáng sinh năm 1963. Đó là với sự thay thế của anh ấy, David Ruffin, rằng những cám dỗ đã phá vỡ một cách rất lớn.

Đội hình này phần lớn được coi là những cám dỗ quan trọng nhất. Hợp tác với nhạc sĩ và nhà sản xuất Smokey Robinson, Temps ngày càng xử lý các chất liệu tương thích với phong cách giọng hát thô sơ nhưng nhẹ nhàng nhưng nhẹ nhàng. Do đó, nhóm có Top 20 đầu tiên với Đá quý Pop khó hiểu, cách bạn làm những việc bạn làm. Robinson và Company đã lặp lại công thức trên Girl My Girl vào tháng 12 năm 1964. Vào mùa xuân năm sau, nó đã trở thành người đứng đầu bảng xếp hạng đầu tiên của Temptations.

Khi những cám dỗ xuất hiện từ những ẩn số để dẫn ngựa trong Motown ổn định, nhãn hiệu này kết hợp chúng với nhạc sĩ Norman Whitfield, giúp Temps chuyển từ các hội nghị pop của tác phẩm trước đây của họ thành vật liệu phức tạp và dày đặc hơn như tôi ước gì trời sẽ mưa . ” Sự khởi đầu của mối quan hệ đối tác này cũng sẽ trùng với sự kết thúc của Ruffin, Run. Một sự kết hợp của cocaine và Ego đã dẫn đến sự khó chịu của Ruffin. Dennis Edwards của các đường viền đã được thuê làm người thay thế, mặc dù điều này không ngăn được Ruffin rình rập nhóm thông qua chuyến lưu diễn năm 1968 và xuất hiện trên sân khấu mà không cần mời ngày.

Tuy nhiên, Ruffin đã mờ dần trong sự nghiệp solo trong khi Edwards đảm nhận nhiệm vụ chính cho một ban nhạc thăm dò lãnh thổ mới. Ngày càng bị ảnh hưởng bởi sự thay đổi ảo giác của Sly và Family Stone, và sự đa dạng của linh hồn phát ra từ Stax Records ở Memphis, Motown đã xem Temps là một lối thoát hoàn hảo cho các sản phẩm nặng nề của nó. Với Whitfield tại cây bút, Temps rất thích các bản hit với Cloud Cloud Nine, thì Psychedelic Shack, và quan trọng nhất là năm 1972, Pap Papa là một viên đá lăn.

Giống như những cám dỗ đã có nhạc phim một kỷ nguyên ngây thơ hơn với những bài hát tình yêu hoàn hảo, tài liệu mới của nhóm này rất phù hợp với đầu những năm 1970 và hỗn loạn. Trọng tâm của họ ngày càng chuyển sang các bài hát giải quyết thực tế rắc rối của cuộc sống đô thị đen, khác xa với những bộ đồ phù hợp và các điệu nhảy được biên đạo trong những ngày đầu của họ. Thật khác biệt là tài liệu mà Eddie Kendricks, ngày càng không thoải mái với sự thay đổi tập trung, khởi hành cho một sự nghiệp solo thành công trong những năm đầu thập niên 70.

Đến năm 1974, những cám dỗ còn lại đã chia tay với Whitfield, di chuyển vào một âm thanh vũ trường hiện đại hơn. Điều này sẽ đánh dấu sự kết thúc của những ngày của họ là một trong những âm nhạc nổi tiếng nhất của các hoạt động hit không thể thay đổi nhất, với một vài ngoại lệ biểu đồ trong thập niên 80 và thập niên 90. Giống như hầu hết các kết hợp giọng hát khác, tên của họ cuối cùng trở nên quan trọng hơn nhiều so với các thành viên của nhóm, với các hành động hồi sinh và oldies lưu diễn gần như liên tục trong 40 năm qua. Ngày nay, nhóm tự gọi mình là Temptations tự hào có một thành viên ban đầu duy nhất trong Otis Williams.

Cả đội hình Ruffin cổ điển và Dennis Edwards đều được giới thiệu vào Đại sảnh Danh vọng Rock and Roll vào năm 1989, với bốn đĩa đơn pop số 1 và 14 đĩa đơn R & B cho tín dụng của họ.

Ảnh của: James J. Kriegsmann - lần đầu tiên được xuất bản dưới dạng ảnh công khai của Gordy Records/Motown. Quét qua hồi tưởng radio Motor City. Bị cắt và chỉnh sửa bởi người tải lên; Xem Lịch sử tải lên bên dưới để biết bản gốc chưa được khám phá., Miền công cộng

19. Kinh nghiệm Jimi Hendrix

Nói một cách đơn giản, trải nghiệm Jimi Hendrix là nền tảng cho một tay guitar vĩ đại nhất trong lịch sử nhạc rock. Ban nhạc thực sự tồn tại không quá bốn năm nhưng tác động của họ là rất lớn. Trải nghiệm này là khi một tay guitar sinh ra ở Seattle trẻ tuổi hotshot, mới ra khỏi những người ủng hộ anh em Isley và Little Richard, đã đến London để tìm kiếm sự nổi tiếng. Để nói rằng ít nhất, anh tìm thấy nó ở đó. Với Chas Chandler của các động vật đảm nhận nhiệm vụ quản lý vào năm 1966, Hendrix đã được ghép đôi với hai nhạc sĩ đáng hoan nghênh và sự nhạy cảm thời trang kỳ dị tương thích trong tay bass Noel Redding và tay trống Mitch Mitchell.

Nổi bật như một bộ ba sức mạnh trong tĩnh mạch của kem, trải nghiệm Jimi Hendrix đã kịp thời chinh phục Vương quốc Anh chỉ trong vài tháng ngắn ngủi, ca sĩ chính, nhạc sĩ và guitarist đã đặt London trở nên khó chịu với hạm đội và sự băm nhỏ của anh. Hendrix cho thấy một xu hướng không phổ biến cho sự đổi mới của công cụ, thực sự mở rộng những quan niệm thường được chấp nhận về những gì một cây đàn guitar rock có thể hoặc nên được thực hiện.

Bữa tiệc sắp ra mắt của anh đến đầu năm 1967 tại một câu lạc bộ ở London có tên The Bag O hèNails. Tham dự là khá nhiều nhạc sĩ người Anh có ảnh hưởng tương đối vào thời điểm đó, bao gồm John Lennon, Mick Jagger, Eric Clapton, Pete Townshend và Jeff Beck. Clapton nổi tiếng dựa vào Townshend khi Hendrix thể hiện những tiếng rít trên thế giới khác và những cú đánh băn khoăn từ cây đàn guitar của mình và dự đoán rằng người đàn ông sẽ sớm đưa những người còn lại ra khỏi công việc.

Phát hành album đầu tay của họ, bạn có kinh nghiệm không? Vào mùa xuân năm 1967, trải nghiệm này đã tận dụng sự nổi tiếng của nó bằng cách ghi được ba bản hit của Vương quốc Anh trong Hồi Purple Haze Hồi, The Wind Wind Cries Mary, và sự điện khí hóa rõ ràng, rõ ràng của Billy Roberts đã phủ đầy của Hey Joe. " Với thành công của lần ra mắt của họ, đã đến lúc trải nghiệm vượt qua Đại Tây Dương. Mặc dù tận hưởng sự gia tăng thiên thạch ở Anh, Hendrix vẫn còn tương đối xa lạ ở Hoa Kỳ.

Lễ hội Pop Monterey vào mùa hè của6767 đã thay đổi tất cả. Màn trình diễn của anh ấy vẫn được xem xét rộng rãi trong số những khoảnh khắc mang tính biểu tượng nhất trong lịch sử nhạc rock. Ở cuối một bộ âm thanh vỡ tan trong một dòng thác do thiên thần gây ra, ảnh hưởng đến bàn đạp, và sự độc tấu của sao Hỏa, Hendrix quỳ xuống, đốt cháy cây đàn của mình và triệu tập tinh thần rực lửa của nó như một pháp sư sở hữu. Buổi biểu diễn sẽ trở thành một khoảnh khắc xác định trong một kỷ nguyên của sự đổi mới không bị kiểm soát, với Hendrix nhanh chóng vươn lên đỉnh cao của hàng ngũ ảo giác.

Hai kỷ lục tiếp theo của ông với kinh nghiệm, Axis: Bold As Love (1967) và Electric Ladyland (1968), bơi sâu hơn vào vùng nước ảo giác. Các bản hit giống như bản chuyển thể không bao giờ được cân bằng của Bob Dylan, tất cả cùng với Tháp Canh và Đốt cháy Đèn nửa đêm đã biến phần sau của những người này là một kỷ lục số 1 này. Trong một thời gian ngắn, Hendrix là người biểu diễn được trả lương cao nhất trong doanh nghiệp, với mỗi cuộc giao chiến trực tiếp của anh ấy nâng tầm cho việc thăm dò công cụ chóng mặt. Những bản nhạc jazz xa hoa của Mitchell, và các dòng bass ngoài phía trước của Redding đã được chứng minh bằng với nhiệm vụ và giúp thấm nhuần công việc của chính Jimi Jimi với một sự nhạy cảm ôn hòa. Bộ ba cũng tạo ra một cảnh tượng trực quan với Afros trêu chọc của họ, áo khoác quét và áo dài nhiều màu, giúp mô hình hóa phong trào hippie nhất.

Không bị bỏ qua trong bối cảnh phong trào nói trên là văn hóa ma túy quan trọng, mà chính Hendrix đã trở nên gắn bó chặt chẽ. Tình yêu của anh dành cho LSD và sự thay đổi tâm trạng bạo lực mà anh thường trải qua trong khi uống rượu bắt đầu gây ra rạn nứt trong trải nghiệm, dẫn đến sự chia rẽ của họ vào năm 1969. Hendrix tập hợp các ban nhạc gypsies của anh cho một màn trình diễn khác, lần này tại Woodstock.

Sau khi thu âm một album trực tiếp với các gypsies, tin đồn và thông cáo báo chí xoay quanh với một cuộc hội ngộ kinh nghiệm. Điều này đã không xảy ra. Vào tháng 9 năm 1970, Hendrix, kiệt sức vì lưu diễn, đã chia sẻ một chai rượu với bạn gái trước khi dùng thuốc ngủ quá liều và ngất xỉu trong giấc ngủ. Ở tuổi 27, nhạc cụ vĩ đại nhất nhạc rock đã biến mất. Redding và Mitchell cũng đã được truyền lại, mặc dù tất cả đều được bất tử bởi một ngôi đền trong Đại sảnh Danh vọng Rock and Roll.

Ảnh của: Nhiếp ảnh gia gốc Không xác định - E24.SE, được quy cho ScanPixTrelleborgsallehanda.se, miền công cộng

18. anh em Funk

Anh em nhà Funk đã chơi trên nhiều lượt truy cập số 1 hơn The Beatles, Elvis Presley và The Rolling Stones kết hợp và nó hoàn toàn có thể bạn chưa bao giờ nghe nói về họ. Đó là số phận của ban nhạc nhà thành công nhất mà âm nhạc nổi tiếng từng được biết đến.

Bộ sưu tập các nhạc sĩ phòng thu đã tổ chức tòa án tại các hồ sơ Detroit Mot Motown từ năm 1959 đến năm 1972 đã mang lại sự sống cho nhãn hiệu của các hit silo vô song. Smokey Robinson, The Temptations, Marvin Gaye, The Jackson Five, The Supreme, Martha và The Vandellas, Four Tops; Tất cả đều là những người thụ hưởng của ban nhạc ủng hộ chặt chẽ nhất, tautest, trang nhã nhất trong trò chơi.

Nếu Booker T. và M.G.S thể hiện linh hồn nghiệt ngã của miền Nam, anh em Funk đã định nghĩa Ba Lan Bắc với sự sáng chói, sáng chói. Đáng chú ý, công việc của họ đã không được công nhận trong suốt thập niên 60, ngay cả khi họ cung cấp nền tảng kiến ​​trúc để đánh vào các bài hát như My My Girl (The Temptations), Mountain High đủ, (Marvin Gaye & Tammi Terrell). Kết quả là, 13 nhạc sĩ chính thức được coi là anh em funk của Viện Hàn lâm Khoa học và Nghệ thuật Ghi âm Quốc gia không ở tất cả các tên hộ gia đình.

Nổi tiếng nhất trong số đó có khả năng là cặp song sinh kỳ dị của Motown Backbeat, tay trống Benny Benjamin và tay bass James Jamerson. Những người đáng chú ý khác bao gồm người chơi piano Earl Van Dyke, tay guitar Eddie Hồi Chank, Willis và tay guitar Dennis Coffey, người sau đó đã cung cấp một số đoạn riff đáng sợ nhất của nhãn hiệu tâm thần muộn. Bằng cách mở rộng, danh sách thực sự của người chơi trong nhà Motown dài hơn nhiều. Và tổng số thành tựu của nó là khá đáng kinh ngạc, với đầu ra âm nhạc của nó, nhưng xác định linh hồn Mỹ, R & B, và rock trong thập kỷ phát triển nghệ thuật lớn nhất của họ. Các bài hát và nghệ sĩ của Motown, nhiều hơn bất kỳ tác phẩm nào khác, nhạc nền cho những năm 1960.

Từ những điều thú vị của những cám dỗ ban đầu cho đến lời kêu gọi xã hội đến hành động của Marvin Gaye, những gì mà Go Goin, trên? . Mặc dù Benny Benjamin và James Jamerson đều đã chết, nhưng mỗi người đều được đưa ra một cách sau đó được giới thiệu vào Đại sảnh Danh vọng Rock and Roll. Core 13 Funk Brothers cũng đã được vinh danh với một ngôi sao trên The Hollywood Walk of Fame.

Những đóng góp của họ cho từ vựng âm thanh và âm nhạc của bài hát nổi tiếng là hoàn toàn không thể chối cãi.

17. Booker T. & The M.G.S

Khi bạn nghĩ về linh hồn miền Nam, có lẽ bạn nghĩ về những người như Wilson Pickett, Sam & Dave và Otis Redding. Bạn có quyền nghĩ rằng. Nhưng tất cả những người này đều có điểm chung. Tất cả họ được ghi lại với ban nhạc nhà khó nhất trên thế giới. Là nhóm ủng hộ cho danh sách tài năng đáng chú ý lang thang trong các hội trường của Soulsville (Stax Records ở Memphis), Booker T. Jones (Organ), Al Jackson, Jr. Tiết Dunn (bass) không làm gì khác hơn là xây dựng âm thanh của linh hồn miền Nam.

Được thành lập vào năm 1962, đội hình gốc có Lewie Steinberg, thay vì Dunn, trên bass. Chính đội hình này đã tập trung lần đầu tiên cùng nhau tại Stax để trở lại người đàn ông hoang dã Rockabilly Billy Lee Riley. Ở giữa, với băng vẫn còn cuộn, họ đã ứng biến một nhạc cụ chậm, rãnh được gọi là hành lá xanh.

Được phát hành dưới dạng duy nhất, hành lá xanh. Đã cho ban nhạc một mục nhập bảng quảng cáo pop R & B/ #3. Booker T. một cách hiệu quả và liên tục theo công thức của Million-Sell với một thập kỷ trị giá của các công cụ điều khiển cơ quan, điều khiển cơ quan.

Thành công của họ như một hành động biểu đồ chỉ là đóng băng trên chiếc bánh. Trong thực tế, những đóng góp của họ cho âm nhạc phổ biến trong giai đoạn giữa và cuối thập niên 60 có rất ít. Làm việc ở phía đen của các đường ray ở Memphis, Booker T. và Stax trên toàn bộ, đại diện cho một hòn đảo hòa hợp chủng tộc trong thời kỳ hỗn loạn. Bản thân ban nhạc đã được tích hợp, một thực tế đã khiến Stax đến với âm nhạc tâm hồn táo bạo, sáng tạo và ranh giới. Đặc biệt là với sự ra đi của Steinberg và bắt đầu nhiệm kỳ của Dunn vào năm 1965, M.G.S đã trở thành động cơ đằng sau Máy linh hồn Memphis.

Ngoài những người đàn ông linh hồn nói trên, Booker T. đã thực hiện trên hàng trăm bản thu âm của các nghệ sĩ bao gồm Johnny Taylor, Albert King, William Bell và Rufus Thomas. Tương lai Badass Isaac Hayes cũng thường xuyên biểu diễn với M.G.S. Tác phẩm của họ nổi bật trên các bản thu âm cổ điển như Sam & Dave trong Soul Soul Man, Rufus Thomas, trong cuộc đi bộ của chú chó, và Redding, Breathless, hãy thử một chút dịu dàng. Vai trò của họ cũng mang lại cho họ một vị trí là ban nhạc hỗ trợ Redding, trong lần xuất hiện nổi tiếng năm 1967 của anh ấy tại Lễ hội Pop Monterey.

Khi Stax sụp đổ nội bộ vào đầu thập kỷ, ban nhạc gia đình bắt đầu chia tay. Tuy nhiên, M.G.S đã tiếp tục phát hành các hồ sơ dưới tên riêng của họ, bao gồm Tribute Stellar Abbey Road, McLemore Avenue (1970) và Melting Pot (1971), một tác phẩm kinh điển tâm hồn nhỏ với ý nghĩa tương lai nặng đối với các bộ lấy mẫu hip hop.

Năm 1975, khi ban nhạc chuẩn bị cho một bản phát hành khác, tay trống vĩ đại Al Jackson, Jr. đã bị bắn chết tại nhà riêng của mình. Đồng nghiệp M.G.S của anh ấy đã lưu diễn và thu âm cứ sau vài năm với một loạt các tay trống. Tác phẩm đáng chú ý nhất của họ trong thập kỷ tới là ban nhạc ủng hộ cho John Belushi và Dan Akroyd. Trên thực tế, Dunn và Cropper là Brothers chính thức của Blues và đã thể hiện sự diễn xuất của họ trong bộ phim đình đám năm 1980.

Trên thực tế, danh tiếng được ca ngợi của nó sẽ kiếm được Booker T. & The M.G.S vai trò thực tế là ban nhạc nhà cho nhiều lễ kỷ niệm lịch sử vĩ đại nhất của Rock and Roll, bao gồm Lễ kỷ niệm kỷ niệm 40 năm của Atlantic Records (1986), buổi hòa nhạc kỷ niệm 30 năm của Bob Dylan (1992), và các buổi khai mạc cho Bảo tàng Danh vọng Rock and Roll của Cleveland (1995). Bản thân họ đã được đưa vào bảo tàng thực hiện công việc chỉ ba năm trước đó.

Ảnh của: Stax - Billboard, trang 9, ngày 11 tháng 3 năm 1967, phạm vi công cộng

16. Ramones

Tất cả các Ramones cần thiết để thay đổi thế giới là ba hợp âm và một thái độ thực sự tồi tệ. Của họ là đơn giản nhất và thỏa mãn nhất về các cuộc cách mạng, ngay cả khi bản thân ban nhạc không bao giờ thực sự tận hưởng thành công thương mại với sự ngưỡng mộ với nó và ảnh hưởng lan rộng ra trước nó.

Mặc dù danh sách các ban nhạc của chúng tôi nhất thiết phải bao gồm các ảnh hưởng của proto-punk như Stooges và New York Doll, Ramones là ban nhạc punk thực sự đầu tiên. Bộ tứ nữ hoàng được thành lập vào năm 1974 và từ bỏ tên họ tương ứng của họ để ủng hộ ban nhạc (mặc dù một câu chuyện tuyệt vời và khải huyền kể rằng bốn thành viên gốc thực sự gặp nhau trong một thang máy, nhận ra tất cả họ đều có cùng tên, và quyết định bắt đầu một ban nhạc) .

Thành công của họ như một hành động biểu đồ chỉ là đóng băng trên chiếc bánh. Trong thực tế, những đóng góp của họ cho âm nhạc phổ biến trong giai đoạn giữa và cuối thập niên 60 có rất ít. Làm việc ở phía đen của các đường ray ở Memphis, Booker T. và Stax trên toàn bộ, đại diện cho một hòn đảo hòa hợp chủng tộc trong thời kỳ hỗn loạn. Bản thân ban nhạc đã được tích hợp, một thực tế đã khiến Stax đến với âm nhạc tâm hồn táo bạo, sáng tạo và ranh giới. Đặc biệt là với sự ra đi của Steinberg và bắt đầu nhiệm kỳ của Dunn vào năm 1965, M.G.S đã trở thành động cơ đằng sau Máy linh hồn Memphis.

Ngoài những người đàn ông linh hồn nói trên, Booker T. đã thực hiện trên hàng trăm bản thu âm của các nghệ sĩ bao gồm Johnny Taylor, Albert King, William Bell và Rufus Thomas. Tương lai Badass Isaac Hayes cũng thường xuyên biểu diễn với M.G.S. Tác phẩm của họ nổi bật trên các bản thu âm cổ điển như Sam & Dave trong Soul Soul Man, Rufus Thomas, trong cuộc đi bộ của chú chó, và Redding, Breathless, hãy thử một chút dịu dàng. Vai trò của họ cũng mang lại cho họ một vị trí là ban nhạc hỗ trợ Redding, trong lần xuất hiện nổi tiếng năm 1967 của anh ấy tại Lễ hội Pop Monterey.

Đó là cho đến khi một tour du lịch ở Anh vào năm sau, Ramones biết được tác động lớn như thế nào khi kỷ lục đầu tiên của họ và hình ảnh tiếp viên của họ đã được thực hiện. Trong một chương trình ở London có sự tham gia của các thành viên trẻ và ấn tượng của súng lục tình dục, cuộc đụng độ, người bị nguyền rủa và Jam, Ramones đều được đặt tên cho vụ nổ punk của Hoa Kỳ trong năm tới. Hai hồ sơ tiếp theo đã chứng kiến ​​hồ sơ Ramones, tăng ở Hoa Kỳ, mặc dù vẫn có rất ít tiền để hiển thị cho nó.

Thường được coi là kỷ lục cổ điển nhất của họ, Rocket to Russia sẽ đánh dấu thành công cao nhất của họ đến thời điểm đó, đạt #49 và mang lại bản hit lớn nhất của đội tuyển Hoa Kỳ, Bãi biển Rockaway. Nga có lẽ thể hiện tốt nhất sự năng động khiến Ramones trở thành đơn vị punk hoàn hảo, cung cấp một bộ sưu tập các bài hát nhanh chóng kết hợp cường độ tối giản với sự lảng vảng truyền nhiễm. Thay thế tay trống Tommy bằng Marky Ramone, nhóm đã vào phòng thu bằng huyền thoại, nhưng sau đó, nhà sản xuất ngày càng không ổn định Phil Spector để tận dụng thành công mới nổi của họ.

Được phát hành vào năm 1980, End of the Century sẽ được xếp hạng là thành công lớn nhất của ban nhạc, đạt #44, nhưng sản xuất dày đặc của SPECT0ER, rất phù hợp với ban nhạc. Đóng góp cho ấn tượng tiêu cực này có lẽ là thực tế là Phil Spector đã rút súng vào Johnny Ramone trong các phiên, điều mà nhà sản xuất không được biết đến trong dịp này.

Mặc dù Ramones sẽ tiếp tục ghi lại, và để tận hưởng sự nổi tiếng của một thế hệ nhạc sĩ mới trong sự bùng nổ thay thế của nhạc punk, họ không bao giờ lấy lại được sự kỳ diệu của những ngày của họ tại CBGB cũng như không bao giờ đạt được thành công thương mại mà dường như không thể tránh khỏi là người mới sinh của họ. Đáng buồn thay, vì các ban nhạc khác của ilk của họ đã tận hưởng các tour du lịch đoàn tụ sinh lợi trong những năm hoàng kim của họ, Ramones sẽ không có năm vàng. Joey qua đời vì ung thư hạch vào năm 1999. Bốn Ramones còn sống đều xuất hiện cùng nhau sau khi cảm ứng năm 2002 của họ trong Đại sảnh Danh vọng Rock and Roll nhưng Dee Dee sẽ chết vì quá liều heroin hai tháng sau đó, Johnny đã bị ung thư tuyến tiền liệt hai năm, và sau đó Tommy từ ung thư ống mật vừa mới năm ngoái.

Tuy nhiên, có lẽ di sản vĩ đại nhất của họ với tư cách là hành động hàng đầu của Punk, là bằng chứng sống cho thấy bất kỳ đứa trẻ nào cũng có thể bắt đầu một cuộc cách mạng với một cây đàn guitar và ba hợp âm.

Ảnh của: Plismo-Công việc riêng, CC By-SA 3.0

15. Sly and the Family Stone

Vào cuối những năm 1960, phong trào hippie mơ ước một sự không tưởng của sự bình đẳng về chủng tộc và giới tính được thúc đẩy bởi hòa bình, tình yêu và âm nhạc mà không có ranh giới. Nếu bao giờ một ban nhạc thể hiện những lý tưởng này, thì đó là Sly và Đá gia đình.

Đa chủng tộc, đa hướng và đa phương trong thử nghiệm âm nhạc của nó, Sly và Stone Stone là một trong những bản hòa tấu táo bạo, thú vị và hết sức của thời đại. Pha trộn funk, linh hồn, rock và thử nghiệm ảo giác vào một gói sức mạnh hoa duy nhất, Sly đã nuôi dưỡng những rung cảm tốt mà chúng ta liên kết với phong trào hippie ở mức tốt nhất.

Được thành lập vào năm 1967, Sly và Family Stone là sản phẩm trí tuệ của Bay Area DJ và nhà sản xuất (của Lite-Psych Fare như The Beau Brummels và Mojo Men), Sly Stone. Hợp tác với anh trai Freddie (guitar), chị Rose (Keys), Cynthia Robinson (kèn), Gregg Enrico (trống), Ronnie Crawford (Sax) và Larry Graham (bass), Stone đã thành lập một ban nhạc, giống như chương trình phát thanh của anh ấy , Blended White Rock và Psychedelia với Tin Mừng, Funk và Soul. Kết quả là một âm thanh và thông điệp hoàn toàn nguyên bản đã biến âm nhạc phổ biến trên tai nó.

Mặc dù ra mắt năm 1967 của họ, một điều hoàn toàn mới, đã thu hút được sự khen ngợi đáng kể từ các nhà báo và nhạc sĩ đồng nghiệp, nhưng phải đến năm 1968, Dance Dance to the Music, ban nhạc đã phá vỡ sự chú ý của quốc gia. Bài hát đạt #8 trên bảng xếp hạng và mặc dù đó chỉ là bản hit đầu tiên của họ, nhưng nó đã chạm đến một sự chuyển đổi đáng kể của nhạc đen. Ngay cả đối với các nhà máy thành công như Motown và Stax, Sly và Đá gia đình đã báo hiệu một sự phân rã mới và tiến bộ của các ranh giới âm nhạc. Các nhãn hiệu nổi tiếng về sự đổi mới hàng đầu theo bước chân của Sly Stone, các nghệ sĩ ghép đôi như The Temptations (trong trường hợp của Motown) và Isaac Hayes (trong trường hợp của Stax), với những cây đàn guitar mờ nhạt. Linh hồn ảo giác đã được phát minh, cuối cùng xóa một con đường cho funkadelic và tất cả những gì sẽ đến sau đó.

Năm 1969, Sly đạt đến độ cao lớn hơn với giá trị kỷ lục! và đi cùng những người duy nhất hàng ngày. Thông điệp bình đẳng của nó được nắm bắt một cách ngắn gọn như bất cứ điều gì tâm trạng của hòa bình và sự thống nhất thấm vào văn hóa phản đối. Điểm nổi tiếng của nó trên sân khấu tại Woodstock đã nhấn mạnh thông điệp này. Đội hình gia đình Stone Stone tích hợp và coed được tạo ra cho một hình ảnh nổi bật tại lễ hội đầu nguồn. Những giai điệu như Hồi Tôi muốn đưa bạn lên cao hơn, nổi bật như những khoảnh khắc âm nhạc quan trọng cả tại lễ hội và trong thời kỳ rộng lớn hơn.

Khi những ngày vinh quang của thập niên 60 đã chuyển sang những năm 70, ban nhạc di chuyển về phía một âm thanh gay gắt hơn và được điều khiển nhiều hơn. Mặc dù âm thanh này gợi ý về việc sử dụng ma túy đang phát triển trong ban nhạc, nhưng nó cũng tạo ra một cơ thể của công việc hậu hippie được đánh giá cao, phần lớn trong số đó thường được lấy mẫu trong các vòng tròn hip hop. Có một cuộc bạo loạn Goin, đã trao đổi sự lạc quan của thời kỳ trước với một sự báo trước tối tăm và bluesier, nhưng dù sao cũng đã ra mắt ở đầu bảng xếp hạng khi phát hành năm 1971. Nghiện cocaine Sly Stone, đã dẫn đến sự căng thẳng ngày càng tăng trong ban nhạc, lên đến đỉnh điểm trong sự ra đi của nhạc bass có ảnh hưởng và có ảnh hưởng của ban nhạc. Larry Graham rời đi để tạo thành bộ trang phục funk, nhà ga trung tâm Graham.

Sau hai album nữa, lạm dụng ma túy đã phá vỡ sự thống nhất của ban nhạc, tính nhất quán về hiệu suất và tham dự buổi hòa nhạc. Đến năm 1975, The Sly and the Family Stone đã kết thúc, với nhiều thành viên của nó tiếp tục làm việc đều đặn như các nhạc sĩ phiên và lưu diễn. Đối với nhà lãnh đạo có tầm nhìn của họ, cuộc sống của anh ấy kể từ khi nổi tiếng là một câu chuyện dài về vận mệnh và nghiện ma túy, mặc dù anh ấy đã xuất hiện bất ngờ trước khi các thành viên khán giả và bạn cùng nhóm choáng váng tại ban nhạc Rock 1993 Rock and Roll Hall of Fame.

14. Simon & Garfunkel

Simon & Garfunkel là những người nổi tiếng và văn hóa nhất trong số nhiều combo dân gian xuất hiện từ làng Greenwich vào giữa những năm 60. Bên cạnh Bob Dylan, Paul Simon sinh ra ở North Jersey và Art Art Garfunkel đã tạo ra một cơ thể của âm nhạc vẫn là đại diện tượng trưng của những năm 1960 như Tie-Dey và cần sa. Những tiếng nói tuyệt vời của họ và những quan sát được khớp nối gọn gàng của họ thường vượt qua những lời mời chính trị được bán hàng bởi những cảnh quan đồng bào của họ để ủng hộ một tảng đá dân gian phổ quát hơn.

Simon và Garfunkel lớn lên chỉ các khối từ nhau và theo học cùng một trường trung học cơ sở. Trên thực tế, màn trình diễn đầu tiên của họ cùng nhau về mặt kỹ thuật trong vai trò tương ứng của họ trong buổi biểu diễn lớp sáu của Alice in Wonderland. Tuy nhiên, đó là bộ đôi cảm hứng từ Everly Brothers, Tom & Jerry, lần đầu tiên họ bắt đầu viết và ghi âm cùng nhau vào năm 1956. Mặc dù có một hit nhỏ trong khu vực với Hồi Hey Schoolgirl, các bản ghi âm tiếp theo mang lại sức hút nhỏ. Bộ đôi này đã chia rẽ và theo đuổi các cơ hội solo, với Simon dành một chút thời gian để học việc như một nhạc sĩ dưới sự dạy dỗ của Carole King và Gerry Goffin.

Năm 1963, với phong trào dân gian hiện là một lực lượng thống trị ở New York, hai người đã tái hợp và ghi lại lần ra mắt của họ cho Columbia Records. 1964 Fared kém cũng như cặp chương trình trực tiếp đầu tiên của cặp đôi dưới cái tên Simon & Garfunkel. Họ một lần nữa chia tay và Simon đi đến Anh để giao tiếp với các nhà lãnh đạo cảnh dân gian Anh như Bert Jansch và các thành viên tương lai của Hội nghị Fairport. Trong khi Simon đi vắng, một DJ Hoa Kỳ đã rút ra âm thanh hoành tráng của sự im lặng từ sáng thứ Tư và giới thiệu nó trong chương trình của anh ấy. Các đài phát thanh FM khác đã sớm theo sau, khiến nhà sản xuất Tom Wilson phải làm quá mức một phiên bản poppier của giai điệu mà không có sự cho phép từ các nghệ sĩ.

Vào đầu năm 1966, phiên bản được phối lại của The The Sound of Silence, đứng đầu các bảng xếp hạng. Một lần nữa, nó đã đương nhiệm với Simon & Garfunkel để tái hợp. Lần này, khán giả ngay lập tức nắm bắt các cách sắp xếp âm thanh và đạt được sự hài hòa trên rau mùi tây, sage, hương thảo và húng tây (1966), với những bài hát như Hồi Homeward Bound, thành lập Paul Simon như một trong những người viết lời cảm xúc nhất thời kỳ. Năm 1967, Simon & Garfunkel đã cung cấp âm nhạc cho bộ phim thế hệ của Mike Nichols, The Grad, dẫn đến một cấu hình thậm chí cao hơn cho các ngôi sao đang lên.

Điều này đã giúp thúc đẩy năm 1968, những người nổi tiếng vào vị trí hàng đầu trên bảng xếp hạng khi nó được phát hành, vào cùng một tuần tháng 4 năm 1968 rằng Martin Luther King, Jr. đã bị ám sát. Trong bối cảnh của các cuộc bạo loạn trên đường phố và các cuộc biểu tình, Bookends đã trở thành bản hit lớn nhất của bộ đôi, được neo bởi Bà Bà. Robinson ,, America America, và một bóng râm mơ hồ của mùa đông. Mặc dù những người bạn suốt đời hiện đang ở đỉnh điểm thành công của họ, cả hai bắt đầu căng thẳng trước sự hợp tác của họ. Tuyên bố cuối cùng của Simon & Garfunkel, có lẽ cũng có lẽ là tham vọng nhất về mặt âm nhạc của họ, với cây cầu trên mặt nước gặp khó khăn. Với sự kết hợp sản xuất hoành tráng của ca khúc chủ đề và The Score The Boxer. Cầu sẽ tiếp tục bán khoảng 25 triệu bản, mặc dù bộ đôi này sẽ không còn nữa.

Simon & Garfunkel đã tái hợp trong nhiều dịp kể từ khi chia tay, nổi tiếng nhất với màn trình diễn công viên trung tâm miễn phí vào năm 1981 đã thu hút 500.000 khán giả.

Hey cũng được giới thiệu vào Đại sảnh Danh vọng Rock and Roll vào năm 1990. Quan hệ đối tác của họ thường bị lu mờ bởi đầu ra solo quan trọng và quan trọng của Paul Simon trong những thập kỷ kể từ đó, nhưng có rất ít hành động gợi lên những năm 1960 được lưu trữ với sự ân sủng và khao khát như Simon & Garfunkel.

Ảnh của: Archief quốc gia, den haag, rijksfotoarchief: fotocollectie algemeen nederlands fotopersburau (ANEFO), 1945-1989-

13. Creedence Clearwater Revival

Nếu bạn từng gặp ai đó không thích sự hồi sinh của Creedence Clearwater, hãy cảnh giác. Người này cũng có thể là một cyborg được gửi từ tương lai để tiêu diệt nhân loại. Có thực sự không có lời giải thích nào khác. Mọi người đều thích tín ngưỡng.

John Fogerty, Stu Cook và Doug Clifford đã gặp nhau ở trường trung học Vịnh Vùng của họ khi còn là thanh thiếu niên và bắt đầu gây nhiễu với nhau sau giờ học cũng như ủng hộ anh trai John John Tom trong các hợp đồng biểu diễn địa phương.

Ban đầu biểu diễn dưới cái tên The Blue Velvets và bán hàng theo tiêu chuẩn Rock and Roll, họ đã ghi một hợp đồng với một nhãn hiệu nhạc jazz có tên Fantasy vào năm 1964. Ngay sau đó, John đã phát hiện ra giọng hát Chia Rock mà điều này dường như phù hợp.

Năm 1966, với Chiến tranh Việt Nam trong toàn bộ, John và Doug Clifford đã được soạn thảo để phục vụ. Cả hai đã tham gia vào các đơn vị dự bị nhưng sự gián đoạn đã kết thúc một cách hiệu quả năng suất của họ cho đến năm 1968. Đoàn tụ, họ đã áp dụng tên mới của họ, với sự hồi sinh của họ ngụ ý cam kết tăng cường của họ đối với tương lai của ban nhạc. Tác phẩm đầu tay cùng tên của họ đã cho họ thành công ngay lập tức vào năm 1968 với bản cover của Dale Hawkins trong thời gian Suzie Q.

Nó cũng sẽ bắt đầu một cuộc chạy đua xuất sắc ba năm trong một chuỗi các bản thu âm đầy đủ hoàn hảo và hậu quả của các tác phẩm kinh điển của FM. Creedence đã tạo ra một âm thanh Backwood Bayou hoàn toàn nguyên bản, dù sao cũng rất xuất sắc để lập biểu đồ thành công. Họ cũng rất sung mãn trong suốt vòng đời ngắn ngủi của họ, phát hành không dưới ba kỷ lục vào năm 1969 (Bayou Country; Green River; Willy và The Poor Boys) và dẫn đầu Woodstock vào mùa hè năm đó.

Tất cả đều là những bản hit, mang lại một số bài hát hay nhất để tham gia vào các tiêu chuẩn của Sách Đá phổ quát, bao gồm một trong những bài hát phản đối đáng chú ý hơn của ERA trong Hồi may mắn là Son Son, The Engrish Band Shuffle of Down on the Corner, và,,, và,,, và,, Trong Hồi Proud Mary, một trong những tác phẩm quan trọng nhất của Mỹ trong thế kỷ 20. Sau khi lập kỷ lục cho hầu hết các hồ sơ biểu đồ số 2 trên Billboard Hot 100, Creedence đã hạ cánh số 1 đầu tiên của họ với nhà máy sản xuất 1970 1970 Cosmo.

Tuy nhiên, vào thời điểm này, căng thẳng giữa John Fogerty và các bạn cùng nhóm của anh ta đã đến đầu. Fogerty là tài năng đơn lẻ của ban nhạc, và làm cho nó được biết đến với những người khác bằng cách cai trị bằng một nắm đấm sắt. Điều này, và các điều khoản ngày càng khó khăn trong thỏa thuận với tưởng tượng, đã dẫn đến sự ra đi của Tom vào năm 1970 và, sau hai album hậu quả, sự giải thể của ban nhạc năm 1972. Mặc dù Tom Fogerty đã qua đời vào năm 1990, Cook và Clifford đã lưu diễn dưới cái tên Creedence Clearwater được xem xét lại trong khi John tiếp tục tận hưởng thành công như một nhạc sĩ solo.

Rock and Roll Hall of Fame giới thiệu, các nhà cung cấp của khoảng 26 triệu hồ sơ ở Hoa Kỳ, và các nhà phát minh của thể loại đá đầm lầy, CCR đã tạo ra một dấu ấn hùng mạnh trong bốn năm trên trái đất này.

Ảnh của: Fantasy Records - Ebay itemphoto frontphoto trở lại, miền công cộng

12. Sabbath đen

Thật khó để nghĩ về một ban nhạc bị chế giễu nghiêm trọng hơn trong thời đại của nó và đồng thời có ảnh hưởng hơn trong thời đại chúng ta. Nếu tầm nhìn trong tương lai của thế giới như được mô tả trong cuộc phiêu lưu tuyệt vời của Bill và Ted, là đúng, và Heavy Metal thực sự dẫn đường đến sự giác ngộ của nền văn minh, chúng ta sẽ có Black Sabbath để cảm ơn.

Mặc dù đội hình đã chứng kiến ​​rất nhiều sự thay đổi trong ban nhạc hơn 40 năm hoạt động, nhưng bốn thành viên sáng lập của nó là lý do cho sự bao gồm của nó ở đây. Birmingham, nhạc sĩ người Anh Tommy Iommi (guitar), Bill Ward (trống), Geezer Butler (bass) và Ozzy Osbourne (giọng hát), đã thành lập ban nhạc polka blues polka blues năm 1968.

Mặc dù ban nhạc bắt đầu như một combo rock blues nặng tiêu chuẩn, nhưng họ đã rẽ trái vào năm 1969 sau khi quan sát rằng một buổi chiếu phim kinh dị trên đường phố đã thu hút một đám đông lớn hơn là buổi biểu diễn của họ. Sử dụng một tritone âm nhạc được gọi là khoảng thời gian của Devil Devil, vì sự cộng hưởng tối tăm và đáng ngại của nó, ban nhạc đã đổi tên thành tương ứng với tác phẩm có nhiều thứ đầu tiên của nó, Black Black Sabbath.

Ban nhạc chấp nhận sự tự phụ kinh phí có ngân sách thấp trong âm nhạc và hình ảnh của mình, đặc biệt nhất là Ozzy Osbourne, người mà câu thần chú hú lên đã đưa ra một tầm nhìn quyết định. Chơi buổi biểu diễn đầu tiên của họ theo cách tiếp cận mới này vào mùa hè của6969, họ đã có một thỏa thuận kỷ lục với Philips vào mùa thu đó. Lần đầu tiên có tựa đề của họ đã giảm đủ thích hợp, vào thứ Sáu ngày 13, vào tháng 2 năm 1970. Những đoạn riff ảm đạm và dồn dập thấm đẫm hoàn toàn trái ngược với tình yêu hippie-thống trị nhạc rock trong những năm trước.

Các nhà phê bình hoàn toàn ghét album nhưng nó nhanh chóng bán được một triệu bản và dành hơn một năm cho các bảng xếp hạng của America America Billboard. Thật vậy, đó là một thành công bất ngờ đến nỗi ban nhạc đã trì hoãn việc phát hành phần tiếp theo của mình, Paranoid (1971) để không làm mất đi doanh số tiếp tục đầu tiên. Với hoang tưởng, Sabbath đã thiết lập công thức sẽ đưa nó phần lớn thông qua Osbourne, thời gian, các rocker riff chặt chẽ như ca khúc chủ đề (ban nhạc chỉ có mười hit), với ùn tắc dài, nặng, pháo hoa. Giống như người tiền nhiệm của nó và những người sẽ đến ngay sau đó, hoang tưởng đã bị các nhà phê bình chửi rủa và ngấu nghiến bởi một nền văn hóa đầu tư kim loại đang phát triển.

Giữa những năm 7070 đã chứng kiến ​​việc phát hành thêm bốn người quản lý LPS cổ điển của thực tế (1971), Vol. 4 (1972), Sabbath Bloody Sabbath (1973) và Sabotage (1975). Tất cả nhưng cuối cùng sẽ được chứng nhận bạch kim trong năm đầu tiên của họ. Mặc dù Sabbath kiên quyết vượt qua sự coi thường quan trọng, sự phổ biến ngày càng tăng của nó cũng sẽ cho phép các thành viên ban nhạc tiếp cận với tất cả các loại thuốc và rượu mà họ có thể tiêu thụ. Họ đã chạy với cơ hội, với mỗi phiên album khác nhau nhiều hơn so với lần trước. Các vết nứt bắt đầu cho thấy hai album cuối cùng của thập kỷ với Osbourne. Mặc dù tất cả đã đi khá xa tại thời điểm này, Osbourne đã trở thành người rối loạn sâu sắc nhất. Sự tan rã của ban nhạc đã được nhấn mạnh bởi một tour du lịch năm 1978, trong đó các màn trình diễn của nó và những màn trình diễn bị xáo trộn phần lớn được thể hiện bởi năng lượng của những người mở trẻ, Van Halen.

Ban nhạc đã sa thải Osbourne, người rơi sâu hơn vào những cơn nghiện của chính mình trước khi cuối cùng nổi lên thành công solo lớn. Sabbath tiếp tục điều hành bằng cách tuyển dụng một loạt các ca sĩ, đáng chú ý nhất là Ronnie James Dio (trước đây của Rainbow) và Ian Gillian (nổi tiếng của Deep Purple). Mặc dù Black Sabbath vẫn là một đơn vị lưu diễn và ghi âm thành công trong số những người đam mê kim loại, nhưng mọi thời đại kể từ khi Osbourne Lần khởi hành đầu tiên về cơ bản là một thời kỳ phi cổ điển.

Năm 1996, tận dụng sự nhợt nhạt của sự ảnh hưởng do ban nhạc của ông, Osbourne thành lập Ozzfest, một lễ hội lưu diễn hàng năm với các hành động hàng đầu của Day trong Metal, Thrash, Hardcore và tất cả các thế hệ con liên quan. Những lễ hội này không chỉ chứng minh rằng bóng tối của các tác phẩm gốc của Sabbath còn kéo dài đến mức nào, mà vụ kiện năm 1997 còn phục vụ như một diễn đàn cho cuộc hội ngộ chờ đợi từ lâu của Osbourne và các thành viên sáng lập của anh.

Hôm nay, Sabbath tiếp tục đi lưu diễn không liên tục như được cho phép bởi sức khỏe ốm yếu của các thành viên sống khó khăn trước đây. Sabbath không chỉ chịu trách nhiệm di chuyển 70 triệu hồ sơ trên toàn thế giới, mà The Rock and Roll Hall of Famers cuối cùng đã giành được sự đồng thuận quan trọng trong những năm kể từ khi kim loại bị sai lệch và bị hiểu lầm phần lớn của họ đã đi lên từ sâu của địa ngục.

Ảnh của: Warner Bros. Records - Billboard, trang 7, 18 tháng 7 năm 1970, phạm vi công cộng

11. Nữ hoàng

Rock and Roll đã khám phá những xung động rực rỡ nhất, dị thường và sân khấu trong những năm 1970. Có lẽ điểm nexus của những xung động này là Nữ hoàng, một nhóm bắt đầu vào cuối thập niên 60 với tư cách là một combo đại học đế quốc London có tên là Smile. Khi nhóm bass của nhóm rời đi, tay guitar Brian May và tay trống Roger Taylor đã tuyển dụng ca sĩ sinh ra ở Zanzibar Farrokh Bulsara (được biết đến với bạn là Freddie Mercury). Thêm tay bass John Deacon, Nữ hoàng đã thấy thành công ở Hoa Kỳ ngay từ đầu.

Hai kỷ lục đầu tiên của họ, được phát hành vào năm 1973 và 1974, đã nhận được những đánh giá hỗn hợp từ các nhà phê bình trong ngày về những gì nhiều người đặc trưng là một nỗ lực khó khăn và được sản xuất quá mức để hợp nhất âm nhạc cổ điển và kim loại nặng. Đó là kỷ lục thứ ba của họ, năm 1974, cơn đau tim tuyệt đối sẽ đưa Nữ hoàng đến thành công quốc tế trên một loạt các đoạn riff cứng và trại Vaudevillian.

Queen Queen Queen Kẻ giết người hoàn hảo của Nữ hoàng đã phản ánh Nữ hoàng Nữ hoàng không rõ khả năng không rõ cho nhà hát được đưa ra một cách trang nhã. Nó đạt #2 ở Anh và mang lại cho Nữ hoàng một cú đánh số 12 ở Hoa Kỳ.

Queen theo sau với một loạt các bản ghi khái niệm dài đầy đủ cổ điển, hoàn thiện nghịch lý độc đáo của nó về sự hài hước và guitar rock machico. Một đêm tại vở opera (1975), một ngày tại The Races (1976), và Tin tức về thế giới (1977), đã thành lập Nữ hoàng trong số thập kỷ, các ban nhạc du lịch phát thanh và sân vận động toàn diện nhất. Tình trạng của Mercury với tư cách là một thủ lĩnh chỉ huy độc thân phát triển khi ban nhạc vòng quanh thế giới.

Nếu WHO đã phát minh ra vở opera rock, thì đó là trong giai đoạn này, Nữ hoàng đã phát minh ra Opera Rock, một loại nhạc rock cứng, nhạc cụ tiến bộ, sắp xếp nhà hát âm nhạc, sự khởi sắc, nhạc thính phòng của Anh và các tài liệu tham khảo rõ ràng về các tác phẩm cổ điển mang tính bước ngoặt. Bohemian Bohemian Rhapsody, ngoài màn đêm tại vở opera, là sự tập trung đầy đủ nhất của các yếu tố này và sẽ trở thành thành phần quan trọng nhất của ban nhạc. Bị chế giễu bởi một số nhà phê bình cho vụ đánh bom của nó, khiến nó trở thành đĩa đơn được sản xuất nhiều nhất trong lịch sử cho đến ngày đó, Hồi Bohemian Rhapsody Hồi sẽ đạt #1 ở Hoa Kỳ và #9 ở Hoa Kỳ.

Theo cách tiếp cận của những năm cuối thập niên 70, Nữ hoàng đã giao dịch các khuynh hướng sân khấu hơn cho giá vé pop thẳng. Với những người khác bị lấy mẫu, một người khác đã cắn bụi, và điều đó là một điều điên rồ, một điều điên rồ gọi là tình yêu, Nữ hoàng và thủy ngân đã không thể làm được và không thể giữ được từ các bảng xếp hạng. Nó cũng lưu ý rằng thời đại này, chúng tôi là nhà vô địch/chúng tôi sẽ khuấy động bạn, có thể là bài hát được chơi thường xuyên nhất trong lịch sử sân vận động bóng đá.

Ở đỉnh cao của sự nổi tiếng của họ, Freddie Mercury đột nhiên rời khỏi ban nhạc để tạo ra một bản thu âm phần lớn không thành công. Nhưng ban nhạc đoàn tụ năm 1985 sẽ làm nên lịch sử. Nữ hoàng 21 phút được đặt tại sân vận động Wembley, như một phần của buổi hòa nhạc lớn của Live Aid được xem là một trong những màn trình diễn trực tiếp tuyệt vời nhất của bất kỳ ban nhạc rock nào, EVER. Trên thực tế, nó đã đứng đầu một cuộc thăm dò của ngành cho thấy nhiều như năm 2005. Sự hoan nghênh sau màn trình diễn này đã dẫn đến một tour du lịch kéo dài một năm chinh phục thế giới, lên đến đỉnh điểm trong một buổi biểu diễn đã bán hết tại Nhà Knebworth nổi tiếng ở Hertfordshire trước khi một đám đông khổng lồ của 120.000 người hâm mộ vào ngày 9 tháng 8 năm 1986. Đáng buồn thay, đây sẽ là màn trình diễn cuối cùng của Freddie.

Khi Freddie Mercury qua đời vì AIDS vào năm 1991, nó đã gây sốc cho thế giới. Ít ai thậm chí còn biết rằng thủ lĩnh bí mật đã bị bệnh. Như một minh chứng cho sự ảnh hưởng lâu dài của ban nhạc, Hồi Bohemian Rhapsody, đã trở lại số 1 trên các bảng xếp hạng của Anh tại thời điểm anh ấy qua đời. Nó đã đạt #2 một lần nữa trên các bảng xếp hạng của Mỹ vào năm sau sau khi được đặc trưng một cách đáng nhớ trong bộ phim Wayne World World.

Được giới thiệu vào Đại sảnh Danh vọng Rock and Roll năm 2001, Nữ hoàng đã di chuyển ở đâu đó trong khoảng từ 200 đến 300 triệu đơn vị trên toàn thế giới. Kể từ khi Mercury đi qua, các thành viên sống sót của ban nhạc đã đi du lịch sau ca sĩ công ty xấu Paul Rodgers và cựu Idol American Idol Adam Lambert.

Ảnh của: Carl Lender, CC By-SA 3.0

10. Velvet dưới lòng đất

Người ta đã từng nói một cách nổi tiếng về Velvet dưới lòng đất rằng chỉ có 30.000 người mua kỷ lục đầu tiên đang tan vỡ trái đất của họ nhưng mỗi người trong số họ đã ra ngoài và bắt đầu một ban nhạc vào ngày hôm sau. Tác động thương mại của Velvet Underground về cơ bản là không có trong sự tồn tại của nó nhưng di sản ban nhạc không thể vượt qua được.

Cuộc hôn nhân táo bạo của họ về những dự đoán của Avant Garde và cấu trúc bài hát rock and roll đã tạo ra một số âm nhạc khiêu khích và đối đầu nhất trong một trong hai môi trường. Thật vậy, các chủ đề nghệ thuật, chủ đề Bohemian risqué, và sự gây hấn âm nhạc không có gì là cách mạng, cấu hình trước gần như mọi phép ngoại suy của nhạc punk, đại học radio, hardcore, indie và âm nhạc thay thế sau đó.

Velvet Underground bắt đầu với tư cách là người nguyên thủy, sự hợp tác giữa tay guitar New York Lou Reed và cầu thủ viola sinh ra ở xứ Wales John Cale, người sau này đã cắt răng của mình cùng với người cố vấn cổ điển La Monte Young. Thêm guitarist Sterling Morrison và Maureen Tucker (tay trống nữ duy nhất từ ​​những năm 60 mà tôi có thể nghĩ ra), và sau đó trở nên quen thuộc với nghệ sĩ nhạc pop và nhà làm phim Andy Warhol, nhóm trở thành Velvet dưới lòng đất vào năm 1965.

Đóng vai trò là người quản lý của nhóm, Warhol đã đóng một vai trò quan trọng trong việc giúp Velvets đạt được khả năng hiển thị, đầu tiên bằng cách coi họ là ban nhạc nhà cho các bữa tiệc của nhà máy ở New York, và sau đó bằng cách sử dụng chúng như một phần của nghệ thuật lưu diễn Cài đặt gọi là nhựa nổ không thể tránh khỏi. Chính trong bối cảnh này, nhóm đã phát triển tài liệu ban đầu, các rocker đầy máy bay không người lái và đám tang bộ lạc về Sadomasochism, sử dụng ma túy, ăn mặc chéo và hầu hết mọi thứ khác phát triển xung quanh họ trong bối cảnh Warhol.

Warhol cũng giới thiệu ban nhạc với người Đức Nico, người có giọng hát tách rời và băng giá đã chứng minh lá hoàn hảo cho việc giao hàng của Reed, trong năm 1967, Velvet Underground & Nico phát hành. Chủ yếu là vì nhãn jazz không biết phải làm gì với nó, họ đã trì hoãn việc phát hành trong hồ sơ trong gần một năm. Khi cuối cùng nó được phát hành, nó đã đăng ký nhẹ ở cuối bảng xếp hạng trước khi tranh chấp về việc sử dụng hình ảnh diễn viên trên bìa sau dẫn đến việc dừng phân phối tạm thời. Kỷ lục không bao giờ được phục hồi sau sự gián đoạn, mặc dù có vỏ chuối do Warhol bắt giữ và mang tính biểu tượng của nó.

Hôm nay, lần ra mắt này được coi là một trong những kỷ lục quan trọng nhất từng được sản xuất, một bộ sưu tập các bài hát đầy thách thức quan tâm từ rocker ma túy, tôi đang chờ đợi người đàn ông, đến buổi sáng Chủ nhật nhẹ nhàng, từ The Sustrifying Viola squall của heroin, đến năng lượng axit của con trai châu Âu. Vì vậy, chưa từng có là âm nhạc trong lần ra mắt này đến nỗi Verve không muốn phát hành nó, chỉ tin tưởng vào danh tiếng đã được thiết lập.

Bất cứ điều gì nhãn thiếu trong tầm nhìn, họ đã không sai từ quan điểm thương mại. Kỷ lục đầu tiên là một flop, cũng như tiếp theo của nó. Nhiệt trắng/trắng đi vào tầm với thấp nhất của các biểu đồ trước khi rơi ra khỏi đáy. Cách tiếp cận thậm chí còn mài mòn hơn, theo cách tiếp cận của những người mua kỷ lục xa lánh nhưng về cơ bản đã đặt ra kế hoạch chi tiết cho các anh hùng lo-fi trong tương lai như Sonic Youth. Thất vọng vì sự thiếu thành công của họ, Reed và Cale căng thẳng để di chuyển ban nhạc theo các hướng riêng biệt. Cái trước ủng hộ một cách tiếp cận dễ tiếp cận và thân thiện với pop hơn trong khi phương pháp sau này ủng hộ việc thăm dò sâu hơn về phía thử nghiệm của ban nhạc.

Vụ gãy xương đã dẫn đến việc bắn Cale vào năm 1968. Thay thế anh ta bằng Doug Yule, Reed đảm nhận sự lãnh đạo không bị cản trở của nhóm và chỉ đạo ban nhạc hai album cuối cùng theo hướng thông thường hơn nhưng không kém phần có ảnh hưởng. Velvet Underground (1969) được điều khiển bởi một cách tiếp cận tinh tế hơn trên dân gian phòng ngủ đáng yêu như Cand Candy nói và đôi mắt xanh nhạt. Loaded (1970), được ghi lại với sự hiểu biết rằng Sậy sẽ sớm khởi hành cho sự nghiệp solo, là một kỷ lục nhạc rock thẳng thắn.

Mặc dù chứa hai trong số các bài hát nổi tiếng nhất của ban nhạc trong bộ phim Sweet Sweet Jane, và Rock Rock and Roll, bộ phim được tải rất có thể nghe được đã bị tước bỏ hỗ trợ quảng cáo. Khi Reed rời đi, đội hình ban đầu của Velvet Underground đã tan rã, về cơ bản khiến cho tuyển dụng ngày sau Doug Yule cầm chiếc túi. Anh ấy đã tiếp tục trong một ba năm tương đối vô nghĩa trước khi gọi nó là một ngày.

Cả John Cale và Lou Reed, người sau đó đã qua đời vào năm 2013, tiếp tục tận hưởng sự nghiệp solo hấp dẫn và khiêu khích. Reed sẽ kiếm được hai mục vào Đại sảnh Danh vọng Rock and Roll cho công việc của chính mình và cho vai trò thay đổi thế giới của anh ấy là người lãnh đạo của Velvet Underground.

9. Ai

50 năm trước, Roger Daltrey nổi tiếng hát rằng anh hy vọng sẽ chết trước khi già đi. Chàng trai, anh ta sẽ sống để hối hận về tuyên bố đó, hay sao?

Vào những năm 70, Daltrey và lá nhạc âm nhạc của mình, Pete Townshend, tiếp tục thu âm và lưu diễn khi tâm trạng tấn công họ. Cùng với tay bass John Entwistle và tay trống Keith Moon, cả nhóm bắt đầu biểu diễn với tư cách là WHO vào năm 1964.

Họ nổi bật với những người đồng nghiệp bị ám ảnh bởi những người bị ám ảnh bởi những viên đá và những con ngựa bằng cách thay vào đó là thăm dò tâm hồn người Mỹ và R & B trong những bộ sớm nhất của họ. Kết hợp với sự hấp dẫn mod đặc biệt của họ, bộ tứ nạc và lớn cũng sẽ chứng minh một trong những combo đầy tham vọng và thành đạt nhất trong những thập kỷ tới.

Ngay từ đầu, WHO đã thu hút khán giả với sở thích về các màn trình diễn chấm dứt bằng cách đập vỡ thiết bị của mình thành bit. Với một thói quen hiệu suất đắt đỏ như thế nào, nó may mắn là người đã đạt được thành công tương đối nhanh chóng. Nó cũng giúp Townshend ngay lập tức chứng tỏ mình là một nhạc sĩ thông minh. Tôi có thể giải thích về việc này, tôi đã nhận được bản phát hành của nhóm một bản phát hành DECCA, cuối cùng trở nên phổ biến trên trạm cướp biển nổi tiếng của Anh, Radio Caroline.

Đó là bản phát hành của nhóm năm 1965, tôi thế hệ, điều đó làm cho WHO nổi tiếng. Đạt #2 trên các bảng xếp hạng của Vương quốc Anh, giọng hát được kích hoạt tốc độ, solo bass đe dọa và bài hát Tuyên bố bài hát ngay lập tức đưa người vào cuộc xâm lược dày đặc của Anh đã được tiến hành. Khi WHO chơi trên các giai đoạn ngày càng lớn hơn, họ viết bài hát trở nên tinh vi hơn bao giờ hết, chuyển từ các tác phẩm kinh điển của mod như những đứa trẻ không sao .

Đến năm 1967, WHO cũng đã thiết lập vững chắc danh tiếng cho các buổi biểu diễn trực tiếp phá hoại, hậu trường và sự thèm ăn hóa học, đặc biệt là của tay trống Nutbar Keith Moon. Đó là cùng năm mà người đã ra mắt Mỹ tại Lễ hội Pop Monterey. Mặc dù những trò hề bạo lực của họ không hoàn toàn theo bước với cuộc cách mạng Hippie đang hoành hành của Mỹ, nhưng bước đi tiếp theo của họ sẽ khiến họ yêu thích thế hệ tình yêu tự do. Tầm nhìn sáng tác bài hát của Pete Townshend đang phát triển trong phạm vi, một thực tế được thực hiện trên 1969, Tommy Tommy. Cái gọi là ‘rock opera, đã cung cấp cho người nghe một câu chuyện âm nhạc về một cậu bé điếc, câm và mù, người xuất sắc tại Pinball và tiếp tục trở thành một người theo đạo tôn giáo.

Ngoài các quan niệm mở rộng đáng kể về những gì có thể được thực hiện trong môi trường LP hoặc Rock Milieu, Tommy đã trở thành trung tâm của những người biểu diễn trong hai năm tới, bao gồm hợp đồng biểu diễn tại Woodstock và Lễ hội Isle of Wight 1970. Cả hai đều được coi là màn trình diễn mở rộng nghề nghiệp, và sẽ giúp Tommy cuối cùng bán được 20 triệu bản trong khi sinh ra vô số bộ phim chuyển thể ở Broadway và một bộ phim đầy trại nhưng ngôi sao nhạc rock 1975.

Trong thập kỷ tới, WHO sẽ đi sâu vào sự nổi tiếng của nó, cũng như vào những khuynh hướng đá mạnh hơn, to hơn ngày càng có thời trang. Khi nhạc rock chuyển từ các câu lạc bộ và thanh lặn vào các đấu trường và sân vận động, người đã chứng minh nhiều hơn bằng nhiệm vụ. Quá trình chuyển đổi này được hỗ trợ đáng kể bởi bản phát hành năm 1971 của Who Who, Next Next, một bản thu âm cổ điển xuất sắc. Cung cấp cho WHO với các trung tâm buổi hòa nhạc lâu năm trong nhóm Baba Baba O hèRiley, thì Won Won đã bị lừa một lần nữa, và Bargain, người tiếp theo sẽ tiếp tục nhận được chứng nhận Triple Platinum.

Trong suốt những năm 70, người nắm giữ vai trò là rocker sân vận động với những giai điệu lớn, ảm đạm như là ai là bạn và một mặt trận nổi bật. Nhưng hành vi của Keith Moon, ngày càng trở nên huyền thoại, và không phải là một cách tốt. Tay trống không bao giờ xuất hiện cũng suy giảm sâu hơn vào chứng nghiện rượu, một thói quen trở nên tồi tệ hơn khi anh ta vô tình chạy qua và giết chết tài xế của mình và người bạn thân nhất Neil Boland trong một cuộc hỗn chiến do người hâm mộ năm 1970. Năm 1978, trớ trêu thay sau khi hoàn thành việc phục hồi rượu, Moon Quá liều vào thuốc cai nghiện của mình.

Với cái chết của Moon, thời kỳ kinh điển của họ đã kết thúc. WHO đã thúc đẩy thêm vài năm nữa với tay trống nhỏ của Kenney Jones tại bộ dụng cụ. Ngoại trừ một tour du lịch đoàn tụ năm 1989, WHO phần lớn bị gián đoạn từ năm 1982 đến 1996. Trong thời gian can thiệp, họ đã được giới thiệu vào Hội trường Danh vọng Rock and Roll và ngay cả khi bất chấp cái chết của bassist John Entwistle vào năm 2002, thực sự Từ chối ngừng lưu diễn.

Ai có thể đổ lỗi cho họ, với hơn 100 triệu hồ sơ đã di chuyển, những người Septuagenari này vẫn bán hết các sân vận động? Không tệ cho một vài người đi kèm đã lên kế hoạch chết.

Ảnh của: Jim Summaria-Liên hệ với chúng tôi/gửi ảnh, CC BY-SA 3.0

8. Bob Marley & The Wailers

Không có thực thể nào làm nhiều hơn để sinh sôi cả nhạc Jamaica hơn Bob Marley & The Wailers. Do một nền tảng chìm đắm trong R & B và linh hồn của Mỹ, những người Wailers sẽ tạo ra thương hiệu reggae tinh thần, cảm động sâu sắc và dễ tiếp cận của riêng họ.

Âm thanh của họ, đến lượt nó, sẽ biến đổi thể loại reggae và thay đổi quá trình của âm nhạc phổ biến phương Tây, sau này hấp thụ nhịp điệu reggae, và các kỹ thuật sản xuất lồng tiếng vào truyền thống nồi nấu chảy của chính nó. Mặc dù những kẻ gây bệnh được biết đến nhiều nhất với thủ lĩnh lôi cuốn và thần thoại cao của họ, đội hình của họ chứa đầy những ngôi sao sáng reggae.

Thật vậy, rễ ban nhạc bắt đầu vào năm 1963, khi thanh thiếu niên Trenchtown Peter Tosh (bàn phím), Bunny Wailer (trống) và Bob Marley bắt đầu chơi với nhau như những người đi bộ. Cuối năm đó, nhóm đã ghi lại một lời biện hộ chống bạo lực có tên là Sim Simmer Down, được hỗ trợ bởi Skatalites. Kết quả là một cú đánh số 1 ở Jamaica.

Tuy nhiên, trong một thời gian ngắn vào giữa những năm60, sự nghiệp của Wailers, sẽ bị loại bỏ bởi cuộc hôn nhân của Bob Bob và di dời đến Wilmington, Del biết. Mặc dù Marley làm việc bất hạnh trên dây chuyền lắp ráp Chrysler, nhưng thời gian lưu trú ngắn sẽ không có giá trị. Marley, tiếp xúc trực tiếp hơn với âm nhạc tâm hồn Mỹ sẽ mãi mãi tô màu cho cách tiếp cận âm nhạc của anh ấy. Khi trở về Jamaica, Marley đã thêm vợ Rita về giọng hát dự phòng và tái lập với những người bạn cũ của mình.

Soul Rebels, được sản xuất bởi Studio Visionary Lee Hồi Scratch, Perry, sẽ là bản thu âm đầu tiên được phát hành bên ngoài Jamaica. Hồ sơ gia tăng của nhóm trên đảo cũng sẽ cho Marley cơ hội lưu diễn cùng với nhà sản xuất hit R & B của Mỹ Johnny Nash. Đó là trong chuyến thăm năm 1972 của họ tới Vương quốc Anh, Marley đã giúp đưa Reggae đến với khán giả rộng hơn nhiều so với trước đây. Khán giả chấp nhận Marley, do đó bảo vệ Wailers một sự tương phản với các hồ sơ đảo.

Thêm Barrett Brothers, Aston (Bass) và Carlton (trống), Wailers đã bước vào giai đoạn tiến bộ tuyệt vời, với Burnin, (1973) và bắt lửa (1973) nâng cao sự nổi bật và mở rộng của thể loại reggae. Những bài hát như Biến bê tông, và đứng dậy, đứng lên, đã giúp thiết lập Wailers, và đặc biệt là Marley, với tư cách là nhà lãnh đạo triết học và tinh thần của quốc gia họ. Marley, việc áp dụng lối sống Rastafarian đã góp phần vào một chủ nghĩa hòa bình tư tưởng rõ rệt, không đề cập đến xu hướng nổi tiếng của ông đối với cần sa bí tích.

In 1974, Bunny Wailer and Peter Tosh would depart for their respective solo careers, leading to an important change in direction. As Marley’s international star grew, his music turned toward the market. Changing their name to Bob Marley & the Wailers, the group released Natty Dread and with it, reached #92 on the American charts.

As Marley’s fame continued to grow, so too did his political involvement. Two days prior to a planned 1976 appearance at a unity rally designed to bring peace between two warring Jamaican factions, Marley and several of his bandmates were wounded in an attack by armed gunmen. Famously, the Wailers were not deterred from their performance, owing largely to Marley’s unshakable commitment to peace.

It did, however, lead to a two-and-a-half year self-imposed exile to the U.K., where the Wailers subsequently recorded Exodus (1977) and Kaya (1978). With singles “Jamming”, “Waiting in Vain”, and the omnipresent “One Love”, Bob Marley had become a superstar in Britain. Suddenly, every punk and new wave band in the land was working up its own take on Jamaican music (see The Police, The Clash, Madness, The Specials, etc. etc.)

Marley would eventually return to Jamaica, but he would do so with ailing health. Though he had been given a diagnosis of melanoma for a growth on one of his toes, his religious beliefs prevented him from allowing amputation. As a result, Marley’s cancer slowly gathered over three years while his fame grew to even greater heights. He had become a national hero in his home country and one of the world’s most electrifying live performers. He also worked tirelessly, often well past the point of physical exhaustion, aggressively touring the U.S. in support of Uprising (1980)—anchored by the aching “Redemption Song” and the #5 U.K. hit, “Could You Be Loved?”.

In May of 1981, Marley succumbed to his illness while flying between Germany and Jamaica. He was given a statesman’s burial, with Prime Minister Edward Seaga delivering his final eulogy. With 75 million records sold, Bob Marley & the Wailers are by far the most successful reggae group in history. Marley was inducted into the Rock and Roll Hall of Fame in 1994.

Photo By: Tankfield – Own work, CC BY-SA 3.0

7. Nirvana

Nirvana’s success so profoundly changed the course of popular music that it’s easy to forget just how brief the period of their fame was. Their debut album dropped in the summer of 1991. By the spring of 1994, we were mourning the band’s death.

But Nirvana’s colossal and unexpected success helped to make the world of popular music increasingly safe for the strange, wonderful, and wild sounds of the ’90s alternative boom. Typically lumped under the grunge sobriquet, Nirvana was actually a punk-pop band, centered around a frontman whose charisma was largely inextricable from his misery.

Nirvana began in 1987 when high school friends Kurt Cobain and Krist Novoselic began playing together in the area around their native Aberdeen, Washington. Influenced by hardcore punk icons like the Melvins and the Butthole Surfers, the two (along with a drummer named Chad Channing), recorded a 1989 debut called Bleach on the highly influential indie rock label, Sub Pop. The album made Nirvana an underground sensation, demonstrating an uncommon sense of melody for a hardcore band. Finding itself at the center of major label attention, Nirvana replaced Channing with the powerful Dave Grohl and recorded Nevermind for Geffen in 1991.

At the time of its release, the charts were dominated by a dayglo mix of hair metal bands (Poison et al) and faceless, spandex wearing club acts (C&C Music Factory et al). It’s understandable, therefore, that Geffen anticipated moving somewhere in the range of 250,000 copies, similar to the respectable showing it had enjoyed with Sonic Youth’s Goo the year before. So it was something of a surprise when it knocked Michael Jackson’s Dangerous off the top spot of the charts on its way to 30 million in worldwide sales.

It would also become one of the most important recordings of all time, powered by the single and MTV video “Smells Like Teen Spirit.” It came to be seen as an anthem for a disillusioned and cynical Generation X, making Cobain its reluctant and inarticulate spokesperson. Nevermind boasted a punk intensity but its glossy production and Cobain’s own fully-formed hooks helped to usher in a new wave of alternative stars, Pearl Jam, Green Day, and Radiohead tops among them.

Even as Nirvana rose to the top of the music industry, its increasingly famous lead singer bristled at his celebrity. Cobain seemed incapable of reconciling his stardom with his underground credibility, much less with his lifelong depressive tendencies. His growing heroin use only magnified his internal struggles. In a largely unsuccessful effort to shed some portion of their growing audience, Nirvana released the more abrasive and experimental In Utero in 1993. It too, would become a massive success with critics and listeners alike. Record labels continued their scramble to pin down the next alternative superstar, saturating MTV and radio playlists with an evermore diverse array of modern rock acts.

Đến tháng 4 năm 1994, với chứng nghiện Cobain, ngày càng trở nên tồi tệ hơn và Nirvana, thành công ở độ cao tương đương với những khẩu súng trong thập kỷ trước, ca sĩ chính đã tự kết liễu đời mình bằng một khẩu súng ngắn. Bản phát hành cuối cùng của ban nhạc là bản MTV sau khi được rút ra ở New York, như một bài hát thiên nga và thanh lịch như từng được ghi lại.

Ngay sau khi giải thể âm nhạc thay thế, ban nhạc quan trọng nhất, Dave Grohl đã thành lập Foo Fighters và đạt được sự nổi tiếng lâu dài với tư cách là một thủ lĩnh chứng tỏ khả năng thích nghi hơn nhiều với sự chú ý. Krist Novoselic trở nên tích cực trong chính trị và trong nhiều năm thậm chí còn phục vụ như một ủy ban được bầu cho Tiểu bang Washington. 20 năm sau khi tự tử Cobain, Nirvana được giới thiệu vào Hội trường Danh vọng trong năm đầu tiên đủ điều kiện.

Ảnh của: Julie Kramer-Công việc riêng, CC BY-SA 4.0

6. Pink Floyd

Pink Floyd là cái tên đầu tiên trong Psychedelia của Anh, tương đối của Vương quốc Anh, tương đương với The Grateful Dead, không phải là âm nhạc của họ có âm nhạc chung ngoài LSD. Thật vậy, người chết đã chứng minh rằng khi bạn liều lượng ở Bắc California, được bao quanh bởi những ngọn đồi xanh và gỗ đỏ cao, bạn có xu hướng hát về ánh nắng mặt trời và hoa. Pink Floyd đã chứng minh rằng khi bạn liều lượng ở London, được bao quanh bởi bồ hóng, sương mù và nhiều bằng chứng về sự đổ máu, bạn có xu hướng hát về việc mất trí tuệ. Người ta tự hỏi liệu có bất kỳ nghệ sĩ nào trong bất kỳ phương tiện nào từng khám phá sự điên rồ với cái nhìn sâu sắc mở rộng như Pink Floyd trong suốt mười lăm năm.

Bắt đầu với tư cách là một bộ tứ bao gồm Roger Waters (bass), Nick Mason (trống), Rick Wright (piano) và Syd Barrett (giọng hát), Pink Floyd là một trong nhiều nhóm tâm lý của Anh với sự cố định về chủ đề Wizardry của Wizardry và ma thuật. Tính cách trẻ con của Barrett, đã tô màu cho ban nhạc, công việc ban đầu, khi được giới thiệu trên đường ra mắt Piper tại Gates of Dawn (1967).

Kỷ lục trùng khớp với chuyến lưu diễn đầu tiên của ban nhạc Hoa Kỳ và được gặp phải những lời khen ngợi rất quan trọng vì sự khám phá táo bạo của lãnh thổ Sonic mới. Các giai điệu như thiên văn học của người Hồi giáo và người Hồi giáo đã vượt qua, các mặt hàng chủ lực của các bộ đầu lysergic của họ, đặt phần lớn lãnh thổ âm thanh đó ở xa không gian bên ngoài.

Vào thời điểm ghi âm bắt đầu bằng những bí mật, bây giờ với tay guitar David Gilmour trên tàu, ca sĩ chính Syd Barrett, các chuyến đi trên thiên thể thường xuyên đã bắt đầu gây thiệt hại. Đã có hiến pháp tinh thần đáng ngờ, LSD liên tục của Barrett đã kích hoạt một trạng thái tách rời tâm thần tồn tại trong suốt quãng đời còn lại. Các đồng nghiệp của ông miễn cưỡng đuổi Barrett khỏi ban nhạc trước khi phát hành nỗ lực năm thứ hai năm 1968 của họ. Tuy nhiên, kinh nghiệm theo dõi bạn bè và bạn cùng nhóm của họ rơi vào điên rồ sẽ có tác động vĩnh viễn đến tâm lý ban nhạc.

Roger Waters đảm nhận nhiệm vụ là nhà lãnh đạo nghệ thuật của ban nhạc, được hướng dẫn bởi mối bận tâm của anh ấy với bệnh tâm thần, với Barrett, và với sự khủng khiếp của nước Anh sau chiến tranh mà anh ấy và nhiều người đương thời đã được sinh ra. Những chủ đề này đã đưa ra nỗ lực âm nhạc sẽ đưa Pink Floyd vào lãnh thổ sáng tác ngày càng tinh vi vào đầu những năm 1970. Các tiếp tuyến ảo giác không bị hạn chế của nó hiện đang phát triển thành các bộ âm nhạc được thực hiện đầy đủ hơn, các album khái niệm thực sự có nghĩa là được nghe đầy đủ.

Năm 1973, mặt tối của mặt trăng không thể nghi ngờ là một trong những bản ghi quan trọng nhất của thế kỷ 20, một ghi chép khái niệm thiền định trực giác về cái chết, sự điên rồ và một loạt các chủ đề đen tối khác mà bạn sẽ nghĩ rằng có thể tạo ra 50 triệu người bán. Nhưng đó chính xác là những gì đã xảy ra. Dark Side trở nên ngay lập tức và liên tục là một trong những tác phẩm bán chạy nhất và được đánh giá cao nhất trong The Rock Canon. Sự chuyển đổi liền mạch của nó giữa các phong trào và sự kiềm chế kỷ luật của nó trong môi trường ảo giác sẽ đặt mặt tối trên nền tảng trí tuệ bình đẳng với âm nhạc cổ điển trong khi các bài hát như Tiền Money và Thời gian đã bị loại bỏ một cách không chính xác để phát ra đài phát thanh FM.

Trong những năm tới, Roger Waters sẽ theo đuổi một tham vọng ngày càng mở rộng, được thực hiện không chỉ trong một loạt các bản ghi khái niệm cổ điển như Wish You Are ở đây (1975) và Động vật (1977), mà còn trong những cảnh tượng giai đoạn uốn cong tâm trí mà đi cùng họ. Chẳng hạn, người khổng lồ, lơ lửng trên máy bay lợn được thêm vào trong chuyến lưu diễn động vật, đã trở thành một vật cố định vĩnh viễn của các chương trình Floyd trong tương lai.

Cả tham vọng âm nhạc của ban nhạc và chương trình sân khấu của nó đều đạt đến đỉnh cao với bức tường rộng gấp đôi những năm 1979, trong đó một bức tường gạch trắng khổng lồ thực sự được xây dựng và phá hủy trong suốt hai giờ. Chuyến lưu diễn đi kèm được nhớ đến trong lịch sử vì thường thổi bay tâm trí của những người tham dự nhưng cũng mất khoảng 400.000 bảng và áp đặt một căng thẳng không thể hòa giải được đối với các mối quan hệ trong ban nhạc. Mặc dù bức tường sẽ tiếp tục bán khoảng 23 triệu bản, nhưng đây sẽ là tuyên bố quan trọng cuối cùng từ Pink Floyd.

Cuộc đấu tranh quyền lực trong ban nhạc đã dẫn đến sự ra đi của Waters vào năm 1981. Mặc dù Pink Floyd sẽ thực hiện một số tour du lịch và tạo ra các bản hit biểu đồ mới trong những thập kỷ tiếp theo như một bộ ba Bằng cách tái tạo lại các tour du lịch tối và tường của năm qua.

Pink Floyd được lưu giữ trong cả The Rock and Roll và UK Music Hall of Fame và đã bán một bản thu âm điên rồ (không có ý định chơi chữ).

Ảnh của: Calonius, Erik, Nhiếp ảnh gia (NARA Record: 8464439) - Lưu trữ và Hồ sơ Quốc gia Hoa Kỳ

5. Người chết biết ơn

Đối với một ban nhạc đã xếp hạng một mục nhập 40 bảng quảng cáo top cô đơn trong suốt chuyến đi dài, kỳ lạ của mình, tác động của Grateful Dead, đối với âm nhạc, văn hóa và biểu diễn trực tiếp không thể được nói quá.

The Grateful Dead được sinh ra cùng lúc LSD đã tìm đường vào Vịnh San Francisco. Hầu như không phải là một sự trùng hợp ngẫu nhiên mà Bắc California nổi lên như một con số không cho cuộc cách mạng quyền lực hoa của thập kỷ.

Ken Kesey và những người chơi khăm vui vẻ của anh ấy bắt đầu tổ chức các bữa tiệc thử nghiệm axit nổi tiếng của họ vào năm 1965 và ban nhạc nhà thử nghiệm điên cuồng cho những sự kiện này là Grateful Dead. Các thành viên sáng lập của nó là Ron Hồi Pigpen Hồi McKernan (Keys), Phil Lesh (Bass), Bob Weir (guitar), Bill Kreutzman (trống) và Jerry Garcia (guitar). (Tay trống thứ hai Mickey Hart sẽ tham gia vào năm 1967.)

Hình thành từ đống tro tàn của một combo ban nhạc jug điện có tên là Mẹ McCree, Uptown Jug Champions và ra mắt dưới cái tên The Warlocks, buổi biểu diễn công khai đầu tiên của Grateful Dead đã được tổ chức tại một thử nghiệm axit tháng 12 năm 1965. Trong hai năm tiếp theo, ban nhạc đã trở thành trung tâm âm nhạc ấm áp của một cảnh cũng sinh ra Santana, dịch vụ của Quicksilver Messenger, và Big Brother và công ty cổ phần. Lối sống chung của họ và sự ngẫu hứng trực tiếp không bị cản trở đã giúp đưa phong trào ảo giác đến nhận thức và tầm nhìn lớn nhất của nó. Điều này được củng cố bởi màn trình diễn của họ tại Lễ hội các chuyến đi năm 1966, một tiền thân bị lãng quên cho Monterey và Woodstock.

Khi các bữa tiệc thử nghiệm axit nhường chỗ cho mùa hè của tình yêu, Grateful Dead trở thành những người đánh cờ hàng đầu cho cuộc thám hiểm âm thanh uốn cong tâm trí nhất thiết phải đi kèm với sự ăn uống nặng nề của các chất tâm thần và ảo giác. Nhưng lý do cho sự thành công duy nhất của họ trong thể loại này dựa trên rất nhiều so với việc họ sẵn sàng đi bao xa. Âm nhạc của họ được đặt nền tảng (hầu hết thời gian) bởi phả hệ âm nhạc đáng kể của những người đóng góp của nó, với sự đào tạo cổ điển và nhạc jazz của Phil Lesh, nền tảng của Pigpen trong The Blues và Jerry Garcia đọc sách về âm nhạc rễ, người chết truyền vào tài liệu của chính họ với một tài liệu của chính họ Lấy mẫu sâu sắc của người Mỹ và đáng ngạc nhiên là đất nước, bluegrass, phúc âm, R & B, và nhiều hơn nữa.

Với một số bản phát hành đầu tiên của họ về Warner Brothers, Grateful Dead (1967), Anthem of the Sun (1968), và Aoxomoxoa (1969), Grateful Dead đã cố gắng nắm bắt trong phòng thu, điều khiến họ trở nên siêu việt trong môi trường trực tiếp. Mặc dù họ đã làm như vậy với các mức độ thành công khác nhau, nhưng chính doanh nghiệp sống không bao giờ kết thúc của họ, thực sự giúp biến ban nhạc thành một tổ chức âm nhạc. Khi những người biểu diễn Woodstock quá liều, tách rời, hoặc đơn giản là bị ngã bên lề, Grateful Dead đã thực hiện nhiệm vụ âm nhạc du mục sẽ xác định họ trong nhiều thập kỷ.

Du lịch liên tục để hỗ trợ một gia đình ngày càng tăng của những người đi đường và các thành viên phi hành đoàn cũng như thói quen của chính họ, người chết ngay lập tức là biểu tượng của xu hướng khoái lạc của lối sống hippie và được thúc đẩy bởi một đạo đức làm việc tập thể to lớn. Ngay cả khi các buổi biểu diễn trực tiếp của họ ngày càng trở thành công cụ của huyền thoại, họ đã khởi động những năm 70 với một số công việc phòng thu hay nhất của họ.

Về người đẹp Mỹ và người lao động đã chết, cả hai được phát hành năm 1970, ban nhạc đã chuyển trọng tâm từ việc tái tạo trải nghiệm trực tiếp trong studio sang thực sự sáng tác và thu âm các bài hát xuất sắc. Một số phần quan trọng nhất của ban nhạc trực tiếp, tiết mục trực tiếp đã xuất hiện ở đây từ mối quan hệ đối tác sáng tác giữa Garcia và Bay Area Buddy Robert Hunter. Đáng kể nhất trong số này sẽ là những cố gắng đầy nắng như Sugar Sugar Magnolia, người bạn của Quỷ dữ, và Truck Truckin ', người cuối cùng phục vụ cả hai như một sự phản ánh tự truyện về chuyến lưu diễn không bao giờ kết thúc của ban nhạc và thậm chí đã đến Đăng ký bảng xếp hạng Billboard ở #64.

Tuy nhiên, không có gì để cạnh tranh với trải nghiệm trực tiếp. Khi những năm 70 của những năm 70 mặc, người chết Grateful đã phát triển thành một đại gia đình với xu hướng bộ lạc quyết định. Những người theo dõi của nó, Deadheads, được biết là theo dõi ban nhạc trong chuyến lưu diễn nhiều tháng một lần, một số thậm chí vẫn còn - sống từ lều và trao đổi burritos cho vé buổi hòa nhạc. Đối với nhiều người, văn hóa tích lũy xung quanh The Grateful Dead đại diện cho một bong bóng trong đó giấc mơ hippie về hòa bình, tình yêu và âm nhạc của thập niên 1960 vẫn còn phát triển mạnh.

Nó đã thành công trong việc phát triển mạnh, ngay cả sau cái chết của Pigpen, năm 1973 do xơ gan của gan. Sau đó, Grateful Dead đã phát triển một thói quen tap-esque đáng tiếc và cột sống khi sử dụng người chơi bàn phím của họ đến chết (ba người khác đã chết kể từ đó). Mặc dù vậy, trong mọi trường hợp, các thành viên của Dead đã nỗ lực để hít thở cuộc sống mới vào giấc mơ. Chuyến lưu diễn mang lại thành công liên tục cho ban nhạc nhưng họ hiếm khi đạt được bất kỳ loại tác động thương mại lâu dài nào trong ngành ghi âm. Họ đã thưởng thức một bản hit lớn với 1987, Touch Touch of Grey, thậm chí còn tạo ra một video MTV đáng nhớ trong phần đệm.

Sau đó, vào năm 1995, ban nhạc đã bị giáng một đòn đột ngột và tàn khốc khi Jerry Garcia chết vì một cơn đau tim. Jerry Garcia có râu và có râu đã từng là một nhà lãnh đạo tinh thần và người cha cho phong trào hippie và hàng ngàn người theo ban nhạc của ông đến tận cùng trái đất. Hầu hết sẽ đồng ý rằng Jerry Garcia, đã vượt qua một khoảng trống mà không cần khắc phục, nhưng các thành viên còn sống đã đi lưu diễn liên tục trong các hóa thân khác nhau có và không có nhau. Và một cách tự nhiên, người chết cũng là thành viên của Đại sảnh Danh vọng Rock and Roll.

Ngày nay, toàn bộ tôn giáo của ban nhạc jam lưu diễn, trong đó những người nghe trẻ tuổi tìm kiếm rằng Hippie Utopia khó nắm bắt, tôn thờ tại bàn thờ của Grateful Dead.

Ảnh của: Herb Greene - Billboard, trang 9, ngày 5 tháng 12 năm 1970, phạm vi công cộng

4. Led Zeppelin

Led Zeppelin thể hiện tốt nhất và tồi tệ nhất của rock and roll. Âm nhạc của họ rất sáng tạo, thử nghiệm, táo bạo và mạnh mẽ. Nó cũng được nuông chiều, kiêu ngạo, và bởi nhiều tài khoản, sản phẩm của sự không trung thực về trí tuệ đang diễn ra. Tuy nhiên, những kẻ này là những vị thần ban đầu của Thunder, chơi với một sự khổng lồ âm thanh về cơ bản là cấu hình trước tất cả các ban nhạc rock cứng khác.

Dù tốt hay xấu, Led Zeppelin là tên đầu tiên trong Hard Rock, Hair Metal, và nhiều, rất nhiều thể loại, trong đó cây đàn guitar phục vụ trong khả năng phallic nhất sau đó. Nhưng đằng sau The Bluster, Blues và Bravado, Led Zeppelin sẽ thực sự chứng tỏ mình là một ban nhạc có khả năng làm đẹp tuyệt vời, hòa âm nhẹ nhàng và sự pha trộn trực quan của những ảnh hưởng phương Đông, Celtic và Isles-Folk.

Led Zeppelin đã được nở khi tay guitar Jimmy Page, đồng nghiệp Yardbirds đã bay Coop vào năm 1968. Kiệt sức với chuyến lưu diễn liên tục, các Yardbirds ban đầu cho phép tuyển dụng ngày sau sử dụng tên ban nhạc để thực hiện một số nghĩa vụ hợp đồng trực tiếp. Do đó, trang đó đã thiết lập về việc tìm kiếm các thành viên cho nhóm siêu nhóm mới của mình. Mặc dù Jeff Beck, Steve Winwood, Steve Marriott và phần nhịp điệu của WHO đều được tiếp cận, những người Yardbird mới cuối cùng sẽ được sáng tác từ John Paul Jones (Bass) và Band of Joy Partners (giọng hát) và John Bonham (trống).

Sau một chuyến lưu diễn Scandinavian với tư cách là Yardbirds mới, ban nhạc trở về nhà để nhấn tiết mục trực tiếp trong phòng thu. Ngay từ đầu, ý định của họ là sản xuất một loại nhạc blues điện nặng mới, bắt đầu với một bài hát của Muddy Waters và giai điệu sói của Howlin. Lấy cái tên Led Zeppelin và nhận được một thỏa thuận với Atlantic Tầm nhìn, họ đã phát hành lần ra mắt có tựa đề vào năm 1969. Những giai điệu như Dazed và bối rối và BEIBE, tôi sẽ rời khỏi bạn. Blues psychedelic và gây nhiễu mở rộng. Trang nhanh chóng, lỏng lẻo và thỏa mãn một mình, Plant xông Banshee Wail, nhịp điệu ổn định của Jones, và nhịp đập của Bonham, Jurassic đã giúp ban nhạc thành công ngay lập tức.

Vì vậy, liên tục lưu diễn và một đạo đức làm việc lái xe đã chứng kiến ​​ban nhạc crisscross Hoa Kỳ và Hoa Kỳ không dưới bốn lần mỗi năm trong năm đầu tiên. Họ đã kết thúc cùng năm đó bằng cách phát hành Led Zeppelin II, về sức mạnh của đĩa đơn toàn bộ Lotta Love, đã đạt số 1 ở cả hai thị trường. II sẽ bắt đầu củng cố một số khía cạnh của danh tiếng Led Zeppelin.

Đầu tiên và quan trọng nhất, sự nặng nề của cách tiếp cận ban nhạc đã khiến đây là một bản ghi âm này chỉ song song với sự ra mắt của Black Sabbath cho vai trò của nó trong việc nuôi dưỡng Heavy Metal. Thứ hai, các chuyến lưu diễn của Hoa Kỳ theo sau sẽ giới thiệu khán giả cho một ban nhạc có khả năng có tầm cao mới của sự đồi trụy hóa học, đồi trụy tình dục và hủy diệt tài sản bừa bãi. Về bản chất, chúng là hình mẫu cho mọi lời sáo rỗng về kim loại tóc trên đường chân trời. Cuối cùng, Led Zeppelin II đã củng cố xu hướng ít thích hợp hơn để Page và Plant tát vào dấu ấn quyền tác giả của họ trên các bài hát rõ ràng đã được ghi lại trước đây hoặc được thực hiện theo một cách nào đó bởi một nghệ sĩ khác.

Chẳng hạn, toàn bộ tình yêu Lotta, đã khiến ban nhạc khá giàu có nhưng chứa đựng nhiều hơn một lựa chọn tự do về lời bài hát và hợp âm từ Willie Dixon và Muddy Waters, năm 1962, bạn cần tình yêu. Cuối cùng, ban nhạc sẽ giải quyết với bất động sản và chia sẻ quyền tác giả nhưng nó đã nhấn mạnh một thói quen đã làm giảm danh tiếng của ban nhạc vì sự nổi tiếng liên tục của nó từ những người khác.

Đặt vấn đề này sang một bên, ban nhạc đã ghi lại sự xuất hiện đầu ra và buổi hòa nhạc, đặc biệt là ở Hoa Kỳ, nhanh chóng củng cố danh tiếng của họ là ban nhạc khó nhất, nặng nhất và nóng nhất trên thế giới. Việc phát hành album thứ tư chưa có tiêu đề của họ vào năm 1971 đã đưa ban nhạc lên một tầm cao lớn hơn, với trung tâm của nó là Stairway to Heaven, trở thành bài hát nổi tiếng và có ảnh hưởng nhất của kỷ nguyên rock cổ điển. Hình ảnh độc tấu, hình ảnh thời trung cổ và cấu trúc giống như bộ của nó sẽ thiết lập một khuôn mẫu mà những người chơi nhạc prog của Anh đã đến chuôi kiếm trong thập kỷ tới. Thường được gọi là Led Zeppelin IV, hồ sơ tiếp tục bán 37 triệu bản trên toàn thế giới. Đến nay, đây là album bán hàng cao thứ năm trong lịch sử Hoa Kỳ.

Ban nhạc tiếp theo hai bản thu âm, House of the Holy (1973) và Graffiti vật lý (1975) đã khám phá một loạt các ảnh hưởng rộng hơn, thêm các màu dân gian Ấn Độ, Ả Rập, Anh và Celtic vào bảng màu blues nặng của nó. Một đoạn văn mở rộng qua Phương Đông có tên là Kash Kashmir đã đánh dấu một cấp độ mới của kịch và sự tinh tế trong Hard Rock. Là ban nhạc lớn nhất thế giới vào thời điểm này, thường xuyên phá vỡ các hồ sơ tham dự sân vận động trước đây bởi The Beatles, Zeppelin đã đi vào lãnh thổ Pop thẳng thắn hơn trong các kỷ lục cuối cùng của nó.

Khi tay trống John Bonham, người khó tính nhất trong một nhóm những người Viking sống khét tiếng-đã bị nghẹn đến chết trong nôn mửa của chính mình vào năm 1980, Zeppelin gần gũi đã có căn cứ. Ngoài một trang được đón nhận rất tốt và đoàn tụ nhà máy vào giữa những năm 90 và một hội trường danh tiếng năm 1995, ba thành viên còn sống sót phần lớn tập trung vào sự nghiệp solo thành công. Robert Plant đặc biệt tiếp tục không chỉ để lưu diễn mà còn tập trung vào bluegrass, đất nước và dân gian của Mỹ, cũng tiếp tục khám phá nền tảng âm nhạc mới.

Zeppelin đã di chuyển bất cứ nơi nào trong khoảng từ 200 đến 300 triệu bản trong thời của nó, tạo ra một ảnh hưởng trong những năm 1970, mỗi lần được The Beatles diễn ra trong thập kỷ trước. Và giống như The Beatles, thời gian của họ đã hết khi thập kỷ của họ kết thúc.

Ảnh của: Jim Summaria, http://www.jimsummariato.com/-Liên hệ với chúng tôi/gửi ảnh, CC BY-SA 3.0 3.0

3. Các chàng trai bãi biển

Đây là những gì mùa hè nghe như thế. Móc kẹo, những âm thanh buồn vui lẫn lộn, các đoạn riff của Chuck Berry và một loạt các bài hát vô tận về xe hơi, cô gái và những bản blues tuổi teen. Các chàng trai Beach hình thành xung quanh The Wilson Brothers (Brian, Carl và Dennis), anh em họ của họ tình yêu và bạn thân của họ Al Jardine.

Tổ chức các phiên đầu tiên của họ trong phòng ngủ của Brian Wilson, vào năm 1960, nhóm đã tự đặt tên cho mình là Pendletones và kết hợp trước sự sắp xếp hòa hợp giọng hát của thời kỳ tiền rock với Paeans do R & B.

Họ đã thành công trong việc hạ cánh bản demo đầu tiên của họ, Surf Surfin với Candix Records. Mãi cho đến khi họ nhận được các bản sao tiên tiến của 45 đầu tiên của họ, họ thấy nhãn hiệu này đã tự do đổi tên họ các chàng trai bãi biển. Họ đã ghi được một hit khu vực khá lớn với bản phát hành, và với phần tiếp theo của nó, Surf Surfin Safari. Thành công đã mang lại cho họ một hợp đồng với Capitol Records và vào cuối năm 1962, họ đã có một album biểu đồ với Surfin xông Safari.

Trong một thời gian ngắn, các chàng trai Beach tự khẳng định mình là lực lượng hàng đầu của thế hệ nhạc rock và con lăn Mỹ tiếp theo. Những bản hòa âm đầy nắng, chặt chẽ của họ đã đưa ra một bản nhạc rock và cuộn ngay lập tức đồng cảm với văn hóa thanh thiếu niên và không đe dọa đến cha mẹ. Những bài hát như Little Little Deuce Coupe, và Fun Fun Fun Fun đã trở thành nhạc nền hoàn hảo cho trẻ em khám phá, lần đầu tiên, sự tự do được ngụ ý bởi bốn bánh xe và một giấy phép.

Ngay cả khi các chàng trai bãi biển thích đi lên, năm 1964 đã mang lại áp lực mới. Cuộc xâm lược của Anh đã buộc các chàng trai bãi biển phải vượt qua trò chơi của họ, một thử thách mà Brian Wilson Rose đầy tham vọng và mong manh hơn. Những phẩm chất bong bóng của công việc ban đầu của họ đã nhường chỗ cho một bộ sắp xếp ngày càng tinh vi, được phản ánh trong các bản hit ngay lập tức truyền nhiễm và lặng lẽ báo trước. Brian Wilson đang vật lộn với những con quỷ nội bộ của chính mình, bao gồm trầm cảm sâu sắc và sợ hãi sân khấu.

Khi các chàng trai Beach tiếp tục một chuỗi các bài hát tuổi teen bán hàng triệu người không bị gián đoạn, Wilson đã rút lui vào tâm lý của chính mình để tạo ra một trong những kiệt tác âm nhạc vĩ đại của thế kỷ 20. Trong PET SOUND (1966), The Beach Boys đã tốt nghiệp một làn sương mù âm thanh dày đặc, đã hợp nhất một cách thanh lịch nhạc cụ Baroque, tiếng vang tát và hòa âm giọng hát tươi tốt. Âm thanh thú cưng không phải là một thành công thương mại lớn ở Hoa Kỳ, mặc dù có những bản hit tuyệt đẹp như là Will Will, đó là một điều tốt đẹp và Chúa chỉ biết.

Sự tiếp nhận quan trọng của nó, tuy nhiên, sẽ ngày càng phổ biến. Và về chủ đề tác động của nó, người ta thường nói rằng Paul McCartney đã được truyền cảm hứng, hoặc có thể bị áp lực, bởi sự thành tựu của âm thanh PET, để tạo ra SGT. Pepper từ Lonely Hearts Club Band. Nó lưu ý rằng một tính năng của tạp chí Rolling Stone năm 2003 trên các album tuyệt vời nhất mọi thời đại, đã xếp hạng các album được đề cập ở trên lần lượt là #2 và #1.

Đáng buồn thay, những con quỷ làm cho thú cưng phát ra âm thanh rất xuất sắc cũng dẫn đến Brian Wilson, suy giảm sự bất ổn về tinh thần. Tác động thương mại khiêm tốn của nó, tiếp theo là kệ huyền thoại theo dõi của nó (Smile cuối cùng đã được phát hành vào năm 2011), và kết hợp với việc sử dụng thuốc ảo giác của Wilson, đã khiến ca sĩ bị suy sụp tinh thần trong phần sau của thập kỷ. Thật vậy, cuối thập niên 60 là một thời điểm tồi tệ đối với các chàng trai Beach, những người ngày càng được coi là Passé. Điều đó không giúp ích gì cho việc Dennis Wilson đã kết bạn với một nhạc sĩ đầy tham vọng nhưng rắc rối tên là Charles Manson.

Tất cả những điều này sang một bên, Beach Boys đã xoay sở để trải qua thập kỷ với tư cách là ban nhạc Mỹ bán chạy nhất. Mặc dù họ sẽ tiếp tục ghi lại một số hồ sơ được đánh giá cao vào đầu những năm 70, nhưng họ đã trở thành một hành động hoài cổ vào giữa thập kỷ này, với các chương trình sân khấu tập trung vào thời hoàng kim lướt sóng.

Mặc dù Dennis Wilson bị chết đuối khi lặn khỏi một chiếc thuyền ở Vịnh San Marino năm 1983, nhưng các thành viên còn lại, trong một số hóa thân hay một người khác, đã lưu diễn liên tục trong những thập kỷ tiếp theo, đôi khi bị chia thành các phiên bản cạnh tranh của ban nhạc gốc. Họ thậm chí đã hạ cánh trong Sách kỷ lục Guinness thế giới để chơi với đám đông một triệu người ở Philadelphia vào một buổi chiều năm 1985 và sau đó chơi thêm 750.000 ở Washington, D.C. vào tối hôm đó.

Ngày nay, The Rock and Roll Hall of Famers có thể tự hào không dưới 36 lần truy cập hàng đầu và 100 triệu bản được bán trên toàn thế giới. Và có lẽ quan trọng nhất, danh mục của họ vẫn còn gợi lên mùa hè như tiếng gầm của chính đại dương.

Ảnh của: Tác giả chưa biết - Ảnh chụp màn hình trailer, miền công cộng

2. Những viên đá lăn

Những viên đá lăn thường được gắn thẻ là ban nhạc rock and roll vĩ đại nhất thế giới.

Ngay cả khi tuyên bố này nghe có vẻ hơi hyperbolic, người ta sẽ khá khó khăn để đưa ra một cuộc tranh luận thuyết phục chống lại nó. Về sự sống còn và sự liên quan bướng bỉnh một mình, những viên đá lăn không có bằng nhạc rock.

Thực tế là họ vẫn là một trong những buổi hòa nhạc có doanh thu cao nhất tồn tại, ngay cả với các thành viên của họ bây giờ đã qua thời đại thu thập kiểm tra an sinh xã hội, là một minh chứng cho nhiều hơn là sức mạnh. Khi những viên đá lăn một ngày đi vào hoàng hôn, họ sẽ để lại một trong những bài hát và đĩa hát tuyệt vời do nền văn minh phương Tây sản xuất. Bên cạnh The Beatles, The Rolling Stones là một tòa tháp cả về lịch sử nhạc rock và âm nhạc của Anh nói chung.

The Stones đã bắt đầu cùng nhau khoảng 53 năm trước khi Mick Jagger (giọng hát) và Keith Richards (guitar) gia nhập Brian Jones (guitar) trong blues ông trùm Alexis Korner, Hòa thượng. Ban nhạc ủng hộ của Korner đã thêm nghệ sĩ piano Ian Stewart, tay bass Bill Wyman và tay trống Charlie Watts, chơi chương trình đầu tiên của họ với tư cách là Rollin 'Stones vào mùa hè năm 1962. Những điều đẹp đẽ tuyệt vời và bị đánh giá thấp).

Những viên đá được kết hợp bởi tình yêu chung của họ dành cho Chicago Blues do Chess và Atlantic Records sản xuất tại Hoa Kỳ, tình cảm của họ đặc biệt mạnh mẽ đối với Chuck Berry và Bo Diddley, người đã cung cấp nhiều tiết mục trực tiếp sớm của họ. Khi cả nhóm hạ cánh cư trú năm 1963 tại Câu lạc bộ Crawdaddy, họ đã nhanh chóng đưa ra một nỗi ám ảnh mới với The Blues giữa các nhạc sĩ trẻ và đói khát của Anh. Ký hợp đồng với người quản lý Andrew Loog Oldham, nhóm đã bắt đầu chỉ huy một khán giả trực tiếp trung thành.

Với sự giám sát của Oldham, họ đã thay thế dấu nháy đơn bằng một chiếc G G và trở thành những viên đá lăn. Họ cũng đã bỏ Stewart từ đội hình ban đầu bởi vì, theo báo cáo, vẻ ngoài của anh ấy không phù hợp với hình ảnh nạc và nguy hiểm của các bạn cùng nhóm của anh ấy. Stewart, cùng với Nicky Hopkins của Tập đoàn Jeff Beck, cả hai sẽ tiếp tục cung cấp chìa khóa cho vô số bản ghi Stones trong hai thập kỷ tới.

Vì danh tiếng trực tiếp ngày càng tăng của họ, Stones đã kiếm được một hợp đồng rất thuận lợi với Decca Records và, với sự giúp đỡ của Oldham, đã thể hiện một cách hiệu quả như một sự khó khăn hơn, bẩn hơn và đe dọa hơn đối với Beatles. Giống như các ban nhạc khác của Anh thời bấy giờ, The Stones bắt đầu bằng cách ghi lại các hồ sơ phần lớn bao gồm các bản cover, ghi được các bản hit đầu tiên của U.K. "Không biến mất."

Khi The Stones có được khán giả lớn hơn ở Hoa Kỳ, họ đã mạo hiểm đến Hoa Kỳ cho chuyến lưu diễn đầu tiên của họ. Mặc dù tour diễn bắt đầu một cách bất thường, việc phát hành kỷ lục năm 1965 của họ đã tạo ra bản hit Ten Top Ten đầu tiên của họ với thời gian là về phía tôi. Một tháng trong chuyến lưu diễn, The Stones đột nhiên là một hàng hóa đủ nóng để xuất hiện trong chương trình Ed Sullivan, nơi màn trình diễn mạnh mẽ của họ gây ra một sự nhiệt thành mà ông già Sullivan bị buộc phải kỷ luật bằng lời nói.

Dưới sự thúc giục của Oldham, những viên đá bắt đầu viết tài liệu của riêng họ, hóa ra khá tốt. Với năm 1965, (tôi có thể nhận được sự hài lòng), The Stones đã có cú đánh số 1 quốc tế đầu tiên của họ và với nó, họ có thể là tác giả của Riff tinh túy và bắt chước nhất trong lịch sử nhạc rock. Đối với kỷ lục tiếp theo của họ, 1966, hậu quả, Jagger và Richards đã phát triển thành một mối quan hệ đối tác sáng tác bài hát ngang tầm với McCartney và Lennon, kéo dài bảng màu blues của họ vào lãnh thổ mới quyết định trên bảng xếp hạng sitar trên bảng xếp hạng màu đen.

Những viên đá đã nhanh chóng trở thành một trong những ban nhạc lớn nhất thế giới. Họ cũng ngày càng trở nên khét tiếng với các vụ bắt giữ khó khăn và liên quan đến ma túy. Tuy nhiên, những người cuối thập niên 60 đã chứng kiến ​​sự phát hành của một số người chơi đầy đủ đầy đủ và đầy đủ nhất của ban nhạc, bao gồm Bữa tiệc Beggar (1968) và The Country Let It Bleed (1969). Với những giai điệu như sự đồng cảm với Quỷ dữ, đường nâu, và bạn có thể luôn luôn có được những gì bạn muốn, những viên đá đã thống trị danh sách phát FM trong khi nổi bật mạnh dạn vào lãnh thổ Sonic mới.

Bi kịch nổi lên khi tay guitar sáng lập Brian Jones, gần đây đã khởi động từ ban nhạc vì sự thái quá của anh ta, đã được tìm thấy bị chết đuối trong hồ bơi của anh ta vào mùa hè năm 1969. Được trích dẫn là 'cái chết bởi sự sai lầm', hoàn cảnh bí ẩn xung quanh cái chết của 27 tuổi vẫn là một chủ đề của Tranh luận và lý thuyết âm mưu.

Cựu Bluesbreaker Mick Taylor đã nhảy vào cuộc cạnh tranh và tham gia Stones cho giai đoạn tiếp theo của các kỷ lục cổ điển, bao gồm những ngón tay dính 1971 (với vỏ bọc dây kéo do Warhol nổi tiếng của Warhol) và đôi thuốc đôi ma túy năm 1972, lưu vong trên Phố chính. Cái sau trong số này thường được coi là những bản thu âm cổ điển tốt nhất của Stones. Năm 1975, Taylor rời đi, nhường chỗ cho khuôn mặt của Ron Ronie Wood, người đã là một hòn đá lăn kể từ đó.

Khi nhạc rock và blues được ưa chuộng bởi những viên đá rơi ra khỏi thời trang, ban nhạc tỏ ra có thể thích nghi đáng kể. Lượm lặt được từ sự quyến rũ và vũ trường xung quanh họ, những viên đá lại đánh vào năm 1979, một số cô gái có thể nhảy múa và theo dõi ngay lập tức, giải cứu tình cảm (1980).

Trong nhiều thập kỷ tiếp theo, sự liên quan của Stones Stones như một hành động ghi âm bắt đầu giảm dần, ngay cả khi ban nhạc kiên định tạo ra một kỷ lục mới cứ sau vài năm. Tuy nhiên, vào cuối thập kỷ và việc phát hành bánh xe thép 1989 1989, các album đã trở nên có liên quan thứ yếu. Thay vào đó, The Stones đã phát triển thành chương trình Rock and Roll lớn nhất, mạnh mẽ nhất và đáng tin cậy nhất trong doanh nghiệp. Ngay cả khi chúng tôi đã chế giễu họ vì sự kháng cự của họ đối với sự lão hóa duyên dáng, năng lực hiệu suất của họ chỉ đơn giản là không thể bị từ chối.

Kể từ khi được giới thiệu vào Hội trường danh vọng vào năm 1989, những viên đá lăn chịu trách nhiệm cho bốn trong số năm tour du lịch sinh lợi nhất từng được thực hiện. Và ngay cả khi họ vung tay vào thập niên 80, với 250 triệu album được bán và rất ít để chứng minh, The Stones vẫn tiếp tục khoanh tròn toàn cầu.

Ảnh của: Jim Pietryga-https://www.iorr.org/tour15/, cc by-SA 3.0

1. The Beatles

Bạn đang mong đợi một người khác?

Vài điều (chứ đừng nói đến các nhạc sĩ) đến gần Beatles vì ​​tác động của họ đối với văn hóa đại chúng hoặc cho hiệu ứng quan trọng mà họ có đối với thế giới trong thời gian của họ. Không có ban nhạc nào từng có hoặc có khả năng sẽ phổ biến, quan trọng, hoặc lan tỏa như Beatles trong thập kỷ mà họ định nghĩa. Ngay cả ngày nay, tại thời điểm bán album là thiếu máu và ngành công nghiệp âm nhạc không có khái niệm về cách tiếp thị các ban nhạc cũ, bất cứ điều gì mang dấu ấn của Beatles Stampinal sẽ bán. Họ định nghĩa lại thời trang, thái độ và văn hóa thanh niên, tác động đến chính trị, tôn giáo bị viêm và tìm kiếm sự giác ngộ tâm linh.

Các nhà sử học cũng có thể lập luận rằng những năm 1960 (như một thời kỳ văn hóa chứ không phải là một thập kỷ chính thức) thực sự bắt đầu khi cây lau nhà hạ cánh tại sân bay JFK của New York vào mùa đông năm 1964. Bản thân ban nhạc bắt đầu vào năm 1957, khi thanh thiếu niên John Lennon và Paul McCartney Làm quen tại một sự kiện hòa nhạc do nhà thờ tài trợ. Cả hai đều là những người đam mê một nhánh đá Mỹ của Mỹ có tên là Skiffle. Họ đã thành lập một combo, đến năm 1959, bao gồm George Harrison và biểu diễn như những người đàn ông mỏ đá. Năm sau, để tưởng nhớ người bạn thân đã qua đời gần đây và ban nhạc của anh ta, The Crickets, họ tự đặt tên cho mình là Beatals, sau đó là Bọ Bình, sau đó chỉ là The Beatles. Một cư dân ở Hamburg, Đức trong hai năm tiếp theo đã mang đến cho các chàng trai tăng sự chú ý và một tiết mục bài hát ngày càng phát triển.

Họ cũng thấy sự nổi tiếng của họ sưng lên ở nhà, với sự xuất hiện thường xuyên tại Câu lạc bộ Cavern Liverpool khiến họ trở thành một lực lượng hàng đầu trong phong trào Merseybeat đang phát triển. Đối với dịch thuật, Merseybeat là những gì chúng ta, với tư cách là đất nước xâm chiếm, thường gọi là cuộc xâm lược của Anh. Khi một chủ cửa hàng thu âm tên Brian Epstein đã chứng kiến ​​một màn trình diễn hang động như vậy, anh ta đã cung cấp dịch vụ của mình với tư cách là người quản lý. Sớm thay thế tay trống có phần không đáng tin cậy Pete Best bằng công nghiệp Ringo Starr (trước đây của Rory Storm và The Hurricanes), Foursome nổi tiếng đã ký một thỏa thuận với EMI và lần đầu tiên tham gia Abbey Road Studios ở London.

Trong các phiên đầu tiên năm 1962 của họ, The Beatles đã ghi lại tình yêu của tôi, và làm ơn làm ơn cho tôi, sau đó nhanh chóng trở thành ban nhạc đầu tiên số 1. Họ đã phát hành một kỷ lục chỉ đầu tiên của Vương quốc Anh vào cùng tên vào năm 1963, cũng được bắn lên đỉnh của các bảng xếp hạng, cũng như 17 đĩa đơn tiếp theo mà họ sẽ phát hành. Tạm dừng trên khắp Vương quốc Anh trong suốt năm tới, những chàng trai trẻ hài hước, nói chuyện nhanh, không thường xuyên đã chạm vào Beatlemania, một phong trào của fandom không có cảm xúc, dường như xuất hiện ở mọi nơi họ đến.

Thật vậy, The Beatles đã được chào đón bởi 3000 người ngưỡng mộ la hét khi họ hạ cánh tại JFK vào tháng 2 năm 1964. Từ những màn trình diễn tiếp theo của họ trong chương trình Ed Sullivan, được cho là đã thu hút khoảng 73 triệu người xem, đến cuộc chinh phạt của sân vận động Mỹ, The Beatles đã thay đổi mọi thứ. Về mặt âm nhạc và văn hóa, họ đại diện cho một sự thay đổi địa chấn trong những gì có thể được thực hiện.

Họ đã chạy với sự thay đổi đó trong những năm tiếp theo, phát hành một chuỗi các hồ sơ tiếp tục thắp sáng con đường phía trước cho những người đương thời và các acolytes. Bắt đầu với nhạc phim một đêm Hard Day, The Beatles hầu như đã phát minh ra khái niệm về người chơi dài (LP). Khi thế hệ các nghệ sĩ rock and roll đi trước họ sống với sức mạnh của 45, The Beatles trở nên thực sự bị sở hữu với sở thích sử dụng album để nói một điều gì đó có chiều dài và chất lớn hơn, cả về nội dung và trình bày trực quan của nó.

Những gì xảy ra sau đó có thể đồng thời là đầu ra thử nghiệm táo bạo nhất và không thể phủ nhận về mặt thương mại trong lịch sử được ghi lại, bao gồm cả trợ giúp! (1965), Soul Soul (1965), Revolver (1966), Sgt. Ban nhạc Pepper Lonely Hearts Club (1967), The Beatles (a.k.a. The White Album) (1967) và Abbey Road (1969).

Khi The Beatles tuyên bố chia tay vào năm 1970, nó đã gây sốc cho thế giới. Nhưng trong thực tế, các mối quan hệ giữa các thành viên cá nhân ngày càng căng thẳng bởi những căng thẳng trong phòng thu và mong muốn ngày càng tăng cho mỗi người đam mê cuộc sống cá nhân.

Tất cả bốn sự nghiệp solo tiến bộ đến sinh lợi và thành công, với cơ thể làm việc của McCartney thậm chí còn tiếp tục phát triển và đa dạng hóa cho đến ngày nay. Đáng buồn thay, John Lennon đã bị lạc chúng tôi dưới bàn tay của một người bắt bóng loạn trí trong tay súng bắn lúa mạch đen tên là Mark David Chapman vào tháng 12 năm 1980. George Harrison cũng đã truyền lại vào năm 2001. Hạnh phúc, vào thời điểm viết, cả Ringo và Paul tiếp tục lưu diễn.

The Beatles bỏ lại một di sản sẽ không bao giờ được cân bằng. Với hơn 183 triệu đơn vị đã di chuyển ở Hoa Kỳ một mình, họ là quốc gia này là nghệ sĩ bán chạy nhất mọi thời đại. Tương tự như vậy, họ giữ kỷ lục cho hầu hết các lượt truy cập số một trên cả hai bảng xếp hạng của Anh và Mỹ, đã bán nhiều đĩa đơn trên toàn thế giới hơn bất kỳ hành động nào khác của Anh, và, với tư cách là ban nhạc bán hàng lớn nhất thế giới, đã chuyển khoảng 600 triệu kỷ lục trên toàn cầu. Bản thân ban nhạc và cả bốn thành viên cá nhân là những người giới thiệu Hall of Fame và tác động của họ đối với quá trình âm nhạc phổ biến là không thể đo lường được và có mặt khắp nơi.

Họ, không có sự cạnh tranh, ban nhạc rock số 1 mọi thời đại.

Ảnh của: Bernard Gotfryd - Hình ảnh này có sẵn từ Thư viện Quốc hội Hoa Kỳ và PhotossUnder Digital ID GTFY.00502. Thẻ này không chỉ ra trạng thái bản quyền của tác phẩm đính kèm. Một thẻ bản quyền bình thường vẫn được yêu cầu. Xem Commons: Cấp phép để biết thêm thông tin., Miền công cộng

Ai là ban nhạc rock n roll vĩ đại nhất mọi thời đại?

10 album hàng đầu của Rolling Stones là gì?

Ai là ban nhạc số 1 mọi thời đại?

Album Rolling Stones số 1 mọi thời đại là gì?