10 thể loại phim kinh dị hàng đầu năm 2022

Đừng tưởng phim kinh dị lúc nào cũng đáng sợ. Có rất nhiều bộ phim nghe tên có vẻ rất rùng rợn nhưng thực tế, đây là những bộ phim kinh dị hài hước, nhẹ nhàng, phù hợp với trẻ em.

Khi chọn phim cho bé, đa phần, các bậc phụ huynh thường ít nghĩ đến thể loại kinh dị bởi họ nghĩ rằng những bộ phim này có thể khiến trẻ cảm thấy sợ hãi. Thế nhưng, không phải bộ phim kinh dị nào cũng như vậy. Hello Bacsi đã sưu tầm một số bộ phim kinh dị hay dành cho thiếu nhi với những yếu tố hài hước, bắt mắt, vừa lồng ghép yếu tố nhân văn dễ hiểu vừa mang tính giáo dục, chắc chắn bé cưng nhà bạn sẽ thích mê đấy.

1. Công ty Quái vật (Monsters, Inc)

Ra đời từ năm 2001, cho đến nay Công ty Quái vật vẫn là một trong những tác phẩm xuất sắc nhất của hãng Pixar. Hài hước, vui nhộn, đồ họa chi tiết, yếu tố giáo dục nhẹ nhàng và không kém phần cảm động, bộ phim là một trong những lựa chọn hàng đầu của các bậc phụ huynh khi muốn chọn phim cho trẻ.

Bộ phim là câu chuyện xoay quanh hai con quái vật làm việc tại Công ty Quái vật là James P. “Sulley” Sullivan và người bạn một mắt – Mike Wazowsk. Nhiệm vụ của họ là hù dọa trẻ em để có được năng lượng sử dụng trong thành phố. Thế nhưng, trong một lần làm nhiệm vụ, cả hai vô tình để cô bé Bob lạc đến xử sở quái vật và cuộc náo loạn bắt đầu xảy ra. Với yếu tố hài hước, nhẹ nhàng, bộ phim hoạt hình kinh dị này chắc chắn sẽ khiến bé cưng nhà bạn cực yêu thích đấy.

2. Khách sạn huyền bí (Hotel Transylvania)

Khách sạn huyền bí là bộ phim hoạt hình hài hước pha chút kinh dị của Mỹ được sản xuất vào năm 2012. Từ khi ra mắt, bộ phim đã làm điên đảo các fan mê hoạt hình với câu chuyện tình vừa lạ vừa quái của cô ma cà rồng thèm ra nắng Mavis và chàng người thường lạc vào chốn quái vật Jonathan.

Với cốt truyện thú vị, nội dung hài hước, bộ phim không chỉ nhận được nhiều giải thưởng về chuyên môn mà còn tạo nên cơn sốt phòng vé khi thu về hơn 831 triệu đô la Mỹ trên toàn cầu. Bộ phim hiện có 3 phần với rất nhiều tình tiết hấp dẫn để bạn và gia đình có những giây phút thư giãn thoải mái.

3. Ngôi nhà ma quái (Monster House)

Ra đời vào năm 2006, Ngôi nhà ma quái là bộ phim kể về một lũ trẻ sống ở vùng ngoại ô tình cờ phát hiện ra căn nhà của người hàng xóm không phải là ngôi nhà bình thường mà là nơi ẩn náu của quỷ dữ. Không có một người lớn nào tin lời bọn trẻ. Chính vì vậy, đám nhóc phải tự ngăn chặn con quái vật ấy để cứu mọi người. Mặc dù đây là một bộ phim rất hấp dẫn nhưng một số cảnh trong phim có thể đáng sợ đối với trẻ, vì vậy khi cho trẻ xem phim này, bạn nên ngồi cạnh và xem chung với trẻ nhé.

4. Đêm kinh hoàng trước Giáng sinh (The Nightmare Before Christmas)

Đêm kinh hoàng trước Giáng sinh là bộ phim hoạt hình kinh điển của đạo diễn Henry Selick được thực hiện dựa trên kịch bản của Tim Burton.

Bộ phim kể về Jack Skellington, vị vua của thị trấn Halloween cảm thấy nhàm chán khi một năm chỉ được làm việc một lần. Tình cờ, ông đi lạc vào thị trấn Giáng sinh (Christmas Town) và hoàn toàn bị cuốn hút bởi sự trang hoàng lộng lẫy ở nơi đây.

Sau khi trở về, Jack đã quyết định tạo ra một lễ Giáng sinh tại thị trấn nơi ông ở. Và thế là tất cả mọi người đều chuẩn bị những món quà Giáng sinh theo phong cách Halloween. Bộ phim vừa rùng rợn vừa thú vị nhưng chắc chắn cũng sẽ khiến rất nhiều bạn nhỏ yêu thích.

5. Khu rừng thần bí (The Spiderwick Chronicles)

Khu rừng thần bí là bộ phim phiêu lưu kỳ ảo của Mỹ được sản xuất vào năm 2008 dựa trên loạt truyện bán chạy cùng tên. Mọi chuyện trong phim bắt đầu từ khi gia đình nhà Grace dọn đến ở tại biệt thự cũ kỹ nhưng rộng lớn của người chú Arthur Spiderwick.

Một ngày nọ, trong khi khám phá tòa biệt thự, cậu bé Jared tình cờ phát hiện một quyển sách cổ với lời khuyên hãy thận trọng khi đọc. Tuy nhiên, với bản tính tò mò, Jared đã mở quyển sách, để rồi từ đó, gia đình nhà Grace bắt đầu bị cuốn vào vùng đất thần tiên Spiderwick, nơi họ phải chiến đấu để bảo vệ quyển sách trước sự thèm khát của bọn yêu tinh hung hãn. Với cốt truyện hấp dẫn, hình ảnh lạ mắt và một kết thúc có hậu, bộ phim chắc chắn sẽ khiến lũ trẻ nhà bạn phải “dán mắt” vào màn hình cho đến cảnh phim cuối cùng.

6. Câu chuyện lúc nửa đêm (Goosebumps)

Nếu bé cưng nhà bạn là fan của thể loại phim kinh dị thì Câu chuyện lúc nửa đêm là một trong những bộ phim đầy thú vị hứa hẹn sẽ khiến bé không thể rời mắt khỏi màn hình. Được xây dựng dựa trên bộ truyện kinh dị nổi tiếng cùng tên của tác giả R.L. Stine, bộ phim bắt đầu từ khi chàng thiếu niên Zach chuyển tới một thị trấn nhỏ và mau chóng phải lòng cô bạn hàng xóm xinh đẹp Hannah. Cha của Hannah chính là nhà văn chuyên trị dòng kinh dị nổi tiếng R.L. Stine và những tác phẩm của ông chính là cách giam cầm các loài quái vật, khiến chúng không thể nào tác oai tác quái.

Tuy nhiên, khi Zach vô tình mở ra một cuốn sách cấm của R.L. Stine, những sinh vật khét tiếng như người sói, người tuyết, xác sống… có cơ hội trở lại trần gian. Lúc này cậu, Hannah và R.L. Stine lại phải tìm cách thu phục tất cả.

7. Con ma tốt bụng (Casper)

Casper là con ma đáng yêu và thân thiện nhất trong lịch sử phim kinh dị. Chính vì vậy, khi xem bộ phim này, chắc chắn trẻ sẽ vô cùng thích thú với tạo hình của con ma này đấy.

Giáo sư Harvey và cô con gái Kat được bà Carrigan Crittenden thuê đến trừ ma ở một ngôi biệt thự tối tăm. Thế nhưng, chẳng bao lâu sau, cô bé Kat đã gặp và kết thân với con ma thân thiện Casper. Xuyên suốt cả bộ phim là những tình tiết hấp dẫn hé lộ lý do dẫn đến cái chết của Casper. Mặc dù đôi lúc các cảnh phim có vẻ đáng sợ nhưng câu chuyện về tình bạn trong phim có thể trở thành một bài học cực hữu ích dành cho trẻ.

8. Mê cung (Labyrinth)

Bộ phim kể về cuộc phiêu lưu của Sarah Williams, một cô gái 15 tuổi thích đọc truyện cổ tích. Trong một lần trông coi em trai Toby, do không thể chịu được tiếng khóc của cậu bé, Sarah đã ước Toby biến mất cùng với lũ yêu tinh trong câu chuyện cổ tích Labyrinth.

Đúng lúc đó, ông vua của các loài yêu tinh trong câu chuyện đã xuất hiện và mang Toby đi đúng như thỉnh cầu của cô bé. Nếu muốn cứu em, Sarah phải giải mã được một mê cung rất phức tạp trong 13 giờ, nếu không Toby sẽ biến mất mãi mãi cùng với lũ yêu tinh.

Liệu Sarah có cứu được em trai của mình? Nếu bạn thắc mắc về điều đó, hãy tìm ngay bộ phim thú vị này và xem chung với các con nhé.

9. Scooby Doo 2: Quái vật hiện hình (Scooby Doo 2: Monsters Unleashed)

Chú chó Scooby đã trở thành một nhân vật hoạt hình quen thuộc với nhiều thế hệ trẻ em. Tuy nhiên, trong phần phim này, chú chó Scooby và nhóm bạn phải đối mặt với một tên độc ác vô danh đeo mặt nạ đang khống chế thành phố bằng những con quái vật như con ma khổng lồ, hiệp sỹ tàng hình, con ma điện…

10. Cô bé Coraline (Coraline)

Bộ phim xoay quanh câu chuyện về một cô bé Coraline, 11 tuổ rất thích phiêu lưu. Trong một lần tình cờ, cô bé tìm thấy một thế giới lý tưởng với những bí mật đen tối đằng sau một cánh cửa bí mật bên trong ngôi nhà mới của mình. Nếu bạn tò mò về những bí mật, hãy cùng trẻ ngồi xem ngay bộ phim thú vị này cuối tuần nhé.

Qua những chia sẻ trên, hy vọng bạn đã có thêm một số thông tin hữu ích về những bộ phim kinh dị thú vị dành cho trẻ nhỏ. Hãy chuẩn bị ngay một ít bỏng ngô để cùng bé thưởng thức những bộ phim hấp dẫn này vào dịp cuối tuần nhé.

Ngân Phạm/ HELLO BACSI

This list has been a long time coming for Paste. We are fortunate—some would say “cool enough”—to have quite a lot of genre expertise to call upon when it comes to horror in particular. Several Paste staff writers and editors are lifelong horror geeks, and there’s also a strong sentiment toward the macabre among several of our more prolific contributing writers. Case in point: We have so many writers focused on horror that we’ve produced huge lists of the best horror films on Netflix,Amazon Prime and Hulu that are all updated on a monthly basis. We’ve even given you the likes of the 50 best zombie movies of all time, the 50 best slasher movies of all time, and the 100 best vampire movies of all time, if you can believe that.

But we also clearly need a true “master list,” one that can include entries from any and all subgenres. And so, we give you the following: A practical, must-see guide through the history of the horror genre.

There are classic films on this list, of course. There are also likely a handful of independent features that will be unknown to all but the most dedicated horror hounds. There are foreign films from around the globe, entries that range from 1922 to 2021. In some cases, you will likely be shocked by films that are missing. In others, you’ll find yourself surprised to see us going to bat for films that don’t deserve the derision they’ve received.

One thing is for certain: With all the films that were nominated, we could easily have made this list 200 entries long. Horror cinema speaks toward the dark side in all of us, allowing us to confront the most frightening, primal forces we struggle with every day—death, and human malevolence—in a way that is actually constructive in strengthening the psyche. In the oddest of ways, horror movies help us overcome our own fears.

So let’s get started: The 100 best horror films of all time.

100. The Blair Witch Project, 1999

Directors: Eduardo Sánchez, Daniel Myrick

Where Scream reinvented a genre by pulling the shades back to reveal the inner workings of horror, The Blair Witch Project went the opposite route by crafting a new style of presentation and especially promotion. Sure, people had already been doing found footage movies; just look at The Last Broadcast a year earlier. But this was the first to get a wide, theatrical release, and distributor Artisan Entertainment masterfully capitalized on the lack of information available on the film to execute a mysterious online advertising campaign in the blossoming days of the Internet age. Otherwise reasonable human beings seriously went into The Blair Witch Project believing that what they were seeing might be real, and the grainy, home movie aesthetic captured an innate terror of reality and “real people” that had not been seen in the horror genre before. It was also proof positive that a well-executed micro-budget indie film could become a massive box office success. So in that sense, The Blair Witch Project reinvented two different genres at the same time. —Jim Vorel

99. Häxan, or Witchcraft Through the Ages, 1922

Director: Benjamin Christensen

A truly unique silent film, Häxan is presented as a historical documentary and warning against hysteria, but in function it plays much more like a true horror film, especially considering the timeframe when it arrived in Danish and Swedish cinemas. Director Christensen based his depictions of witch trials on the real-life horrors codified in the Malleus Maleficarum, the 15th century “hammer of witches” used by clergy and inquisitors to persecute women and people with mental illness. The dreamlike—make that nightmarish—dramatization of these torture sequences were almost unthinkably extreme for the time, leading to the film being banned in the U.S. But put simply: There’s iconography in Häxan that grabs hold of you. Puffy-cheeked devils with long tongues lolling lazily out of their mouths. Naked men and women crawling and cavorting in circles of demons, lining up to literally kiss demonic asses. Scenes of torture straight out of Albrecht Dürer woodcuts or Divine Comedy illustrations. The grainy silence of black and white only makes Häxan more otherworldly to watch today—it feels like some kind of bleak Satanic relic that humankind was never supposed to witness. This is one silent film you won’t want on with children in the room. —Jim Vorel

98. The Conjuring, 2013

Director: James Wan

Let it be known: James Wan is, in any fair estimation, an above average director of horror films at the very least. The progenitor of big money series such as Saw and Insidious has a knack for crafting populist horror that still carries a streak of his own artistic identity, a Spielbergian gift for what speaks to the multiplex audience without entirely sacrificing characterization. Several of his films sit just outside the top 100, if this list were ever to be expanded, but The Conjuring can’t be denied as the Wan representative because it is far and away the scariest of all his feature films. Reminding one of the experience of first seeing Paranormal Activity in a crowded multiplex, The Conjuring has a way of subverting when and where you expect the scares to arrive. Its haunted house/possession story is nothing you haven’t seen before, but few films in this oeuvre in recent years have had half the stylishness that Wan imparts on an old, creaking farmstead in Rhode Island. The film toys with audience’s expectations by throwing big scares at you without standard Hollywood Jump Scare build-ups, simultaneously evoking classic golden age ghost stories such as Robert Wise’s The Haunting. Its intensity, effects work and unrelenting nature set it several tiers above the PG-13 horror against which it was primarily competing. It’s interesting to note that The Conjuring actually did receive an “R” rating despite a lack of overt “violence,” gore or sexuality. It was simply too frightening to deny, and that is worthy of respect. —Jim Vorel

97. The Burning, 1981

Director: Tony Maylam

If Halloween codified many of the slasher conventions in 1978, then Friday the 13th opened the floodgates wide with its unexpected success and profitability in 1980. A slew of imitators and low-rent slashers poured into drive-ins and grindhouses in the decade that followed, but The Burning is one of the few to rise above the scrum. At first it seems just like one of the pale Friday the 13th imitators, aping the summer camp setting much in the same way as Sleepaway Camp would later do, but there’s an artistry and shocking quality to the violence and gore here that isn’t present in most of the copycats, which were more interested in titillation rather than genuine surprise. Drawing upon the New York urban legend/campfire story of “Cropsey,” which tells of a disfigured camp counselor returned from a presumed grave to seek vengeance on counselors, The Burning takes its time and lures the audience into a rather effective false sense of security through establishing a lighthearted tone and scenes of counselors scaring each other. That status quo is eventually shattered in one of the more amazing early-’80s scenes of slasher carnage, which occurs when Cropsey (Lou David) ambushes an entire raft full of counselors and campers and systematically dispatches them in the most grisly format imaginable. It must have had audience members excusing themselves to flee the theater at the time. —Jim Vorel

96. They Look Like People, 2015

Director: Perry Blackshear

I fully expect there to be someone reading this—one of the few people who has actually seen this film—arguing that it doesn’t belong on a “horror” list, but they would be mistaken. And it’s true, They Look Like People is genuinely far creepier than many other, more traditional horror films on this list that aim to entertain more than legitimately scare. What we have here is a very unusual, unflinching portrait of mental and emotional illnesses that spin wildly out of control. It would be really easy for the story to be more conventional—guy’s friend visits, turns out the friend is crazy—but They Look Like People messes with the audience’s expectations by giving both of the male leads (MacLeod Andrews and Evan Dumouchel) their own mental hurdles to overcome. They never react quite like we expect them to, because neither sees the world in a healthy way. It’s a film where the threat and implication of terrible violence, evoked via constantly on-edge atmosphere, becomes almost unbearable—whether or not it actually arrives. Thanks to some very, very strong performances, you always feel balanced on the edge of a knife. Deliberately paced but thankfully brisk (only 80 minutes), They Look Like People leaves much unanswered, but we still feel satisfied anyway. It’s one of the most brilliant and overlooked of modern horror films. —Jim Vorel

95. In Fabric, 2019

Director: Peter Strickland

Peter Strickland is a cinematic aesthete, an artist who is both beguiled by and displays a mastery over the slightest and most ephemeral elements of production design, visuals, texture and sound in his films. In 2012’s Berberian Sound Studio, he first applied this degree of hyper-attention toward the psychological horror genre, setting his story within the world of film industry foley itself to provoke audience reflection on sound and the nature of reality. In 2019’s In Fabric, meanwhile, he once again returns to core influences that range from Italian giallo to 1970s European erotic thrillers, but suffuses them with a gauzy style that is all his own. His films are sumptuous experiences that stimulate every sense one can use to appreciate cinema.

In Fabric is one of those films where the premise could just as easily be applied toward a five-minute horror short as it could a feature film. You can say it in a couple words: “A haunted dress ruins people’s lives.” That sounds like source material easy to envision within the context of a cheesy horror anthology, like something from England’s Amicus Productions in the 1970s, but in Strickland’s hands it becomes the basis for a phantasmagorical descent into a certain, lushly appointed style of madness. In Strickland’s world, you’d end up stark raving mad in a room with padded walls, but they’d feel amazing to the touch. In Fabric deserves far more attention that it received last year.

94. Sator, 2021

Director: Jordan Graham

There’s something in the forest. But at the same time, there’s nothing much at all. A man, a cabin and maybe—maybe—something more. Sator, a mumblecore horror somewhere between a modern-day The Witch, The Blair Witch Project and Lovecraft, is a striking second feature from Jordan Graham. It’s the kind of horror that trades jump scares for negative space, one that opens with imagery your typical A24 beast saves for its finale. Sator’s dedication to its own nuanced premise, location and tense pace makes it the rare horror that’s so aesthetically well-realized you feel like you could crawl inside and live there—if it wasn’t so goddamn scary. Sator is a name, an evocation, an entity. He’s first described, by Nani (the late June Peterson, excellent), as a guardian. Nani’s known Sator (whatever he may be) for a long time. The film represents shifts in time, and the physical transportation to places soaked in memories, with an aspect ratio change and a black-and-white palette. Nani’s lovely longhand script is practiced well from a lifetime of automatic writing, with the words—including some of the opening company credits, which is a great little joke—pouring from her pen and claiming a headwater not of this world. That same paranormal river flows to her grandson Adam (Gabriel Nicholson), that aforementioned man in the woods, whose relationship with the voices in his head is a bit less comfortable. It’s a stark, bold, even compassionate film—which offers imperfectly planted details of a battered and bruised family at its core—with plenty to comprehend (or at least theorize about) for those brave enough to venture back into the forest for a rewatch. As scary as it is, Sator is an experience with enough layers and craftsmanship that its alluring call will rattle in your head long after you’ve turned it off.—Jacob Oller

93. The Invitation, 2016

Director: Karyn Kusama

The less you know about Karyn Kusama’s The Invitation, the better. This is true of slow-burn cinema of any stripe, but Kusama slow-burns to perfection. In this case, that involves a tale of deep and intimate heartache, the kind that none of us hopes to ever have to endure in their own lives. The film taps into a nightmare vein of real-life dread, of loss so profound and pervasive that it fundamentally changes who you are as a human being. That’s where we begin: with an examination of grief. The film starts in earnest as Will (Logan Marshall-Green in top form) arrives at a dinner party his ex-wife, Eden (Tammy Blanchard), is throwing at what once was their house. He has brought his girlfriend, Kira (Emayatzy Corinealdi), along with him. But something is undeniably off at Eden’s place, and because Will is the lens through which Kusama’s audience engages with the film, we cannot tell what that something is. Still, it is, in point of fact, frequently hard to root for Will, or to level with his perspective. He skulks around the hallways of Eden’s home, rooting around through her nightstand drawers, looking for something, anything, to assure himself of, well, what exactly? That she’s just as torn up inside as he is over the tragedy that split them up years prior? That she hasn’t actually moved on from him, from the life they once shared together?

We don’t know. Will probably doesn’t either. And that’s okay: Knowing isn’t part of what makes The Invitation so nerve-racking and pleasing as a sophisticated exercise in genre.
There is oh so much more to be said about The Invitation, especially its climax, where all is revealed and we see Will’s fears and Eden’s spiritual affirmations for what they are. Until then you’ll remain on tenterhooks, but to Kusama, jitters and thrills are sensations worth savoring. Where we end? The Invitation is remarkable neither for its ending nor for the direction we take to arrive at its ending. Instead, it is remarkable for its foundation, for all of the substantive storytelling infrastructure that Kusama builds the film upon in the first place. —Andy Crump

92. Paranormal Activity, 2007

Director: Oren Peli

Here’s a statement: Paranormal Activity is the most wrongly derided horror film of the last decade, especially by horror buffs. That’s what happens in the wake of massive overnight success, and immediately derivative, inferior sequels: The original gets dragged down by its progeny. The original Paranormal Activity is a masterful piece of budget filmmaking. For $15,000, Oren Peli made what is probably the most effective “for the price” horror movie ever released, surpassing The Blair Witch in terms of both tension and narrative while pulling off incredibly unnerving minimalist effects. Yes, there are some stupid, “I’m in a horror movie” choices by the characters, and yes, Micah Sloat’s “get out here so I can punch you, demon!” attitude is irritating, but it’s calculated to be that way. Sloat is a reflection of the toxic “man of the house” attitude, a guy who would rather be terrorized than accept outside help. Meanwhile, Katie Featherston’s realistic performance as a young woman slowly unraveling is a thing of beauty. But beyond performances, or effects, Paranormal Activity is a brilliant case study in slowly building tension, and in raising an audience’s blood pressure. I know: I saw this film in theaters when it was still in limited release, and I can honestly say I’ve never been in a movie theater audience that was more terrified. How can I tell? Because they were so loud in the moments of calm before each scare (the most dead giveaway of all: when a young man turns to his friends to assure them how not-nervous he is). This was just such an event—there were actually ushers standing at the entrance ramps throughout the entire film, just watching the audience watch the movie. I’ve yet to ever see that happen again. Deride all you want, but Paranormal Activity scared the hell out of us. —Jim Vorel

91. Creepshow, 1982

Director: George A. Romero

The anthology is a film structure that has always been native to horror—it captures the campfire “spooky stories” aesthetic and often allows promising young directors a platform on which they can shoot what are essentially short films to launch their careers. On the flip side, however, anthologies rarely end up in “best film” discussions because every contemporary appraisal of any given anthology is always quick to highlight the exact same point: They are uneven in quality by their very nature. Creepshow, however, has an advantage here: It maintains a thematic and visual consistency because Romero directed all of the segments himself. Working with Stephen King in his screenwriting (and unfortunately, acting) debut, Romero dives deep into a childhood obsession and love for EC Comics horror series such as Tales From the Crypt and Vault of Horror, using vibrant, phantasmagorical splashes of color in reaction shots in a way that almost parallels how Sam Raimi would eventually evoke comic book panels in Spiderman 2. The stories themselves are wonderful, pulpy fun, from the gothic, ghostly “Father’s Day” to the bloody, beastly conclusion of “The Box,” which features the death of a truly irritating Adrienne Barbeau. But the highlight is a murderous Leslie Nielsen, in the sort of pompous, villainous performance that fans of The Naked Gun or Airplane! have likely never seen before. You owe it to yourself to see Creepshow for him alone. —Jim Vorel

90. Giáng sinh đen, 1974

Giám đốc: Bob Clark Bob Clark

Sự thật thú vị, một năm trước khi anh ấy chỉ đạo Holiday Classic A Christmas Story, Bob Clark đã tạo ra bộ phim Slasher Slasher thực sự đầu tiên, không có sẵn trong Black Christmas. Đúng, cùng một người đã cho TBS thức ăn gia súc đêm Giáng sinh hàng năm cũng chịu trách nhiệm cho ứng dụng điện ảnh lớn đầu tiên của cụm từ Các cuộc gọi đến từ bên trong nhà! Black Christmas, được làm lại vô cùng vào năm 2006, có trước John Carpenter, Halloween trong bốn năm và có nhiều yếu tố giống nhau, đặc biệt là trực quan. Giống như Halloween, nó nán lại rất nhiều vào những phát súng của POV từ đôi mắt của kẻ giết người khi anh ta đi qua một ngôi nhà phù thủy mờ ảo và gián điệp cho các nạn nhân tương lai của anh ta. Như kẻ giết người loạn trí về tinh thần gọi ngôi nhà và tham gia vào các cuộc gọi điện thoại tục tĩ bóp nghẹt dây điện thoại. Black Christmas cũng là công cụ, và thực tế là nguyên mẫu, trong việc củng cố huyền thoại slasher của cái gọi là cô gái cuối cùng. Jessica Bradford (Olivia Hussey) thực sự là một trong những cô gái cuối cùng được thực hiện tốt hơn trong lịch sử thể loại này, một phụ nữ trẻ mạnh mẽ và tháo vát, có thể chăm sóc bản thân trong cả mối quan hệ và kịch bản chết người. Nó có thể nghi ngờ có bao nhiêu người chém tiếp theo đã có thể tạo ra các nhân vật chính là sự kết hợp đáng tin cậy của có khả năng và thực tế. Voijim Vorel

89. Những thứ, 1985

Giám đốc: Larry Cohen Larry Cohen

Một tác phẩm kinh điển chắc chắn, công cụ này là một trong những bài phê bình hay nhất của những năm 1980 về văn hóa tiêu dùng, tất cả được kết thúc dưới dạng một bộ phim kinh dị. Những người trục lợi tìm thấy một chất trắng, gooey rò rỉ ra khỏi trái đất, chứng tỏ cả ngon và gây nghiện mà họ khám phá bằng cách nếm thử những thứ này thấm lên từ mặt đất, trong một hành động chắc chắn là một hành động được bác sĩ đề nghị. Chẳng mấy chốc, được đóng gói lại như những thứ thành phần bí mật, những thứ khác, nó quét qua thế giới. Các quảng cáo giả mạo là tuyệt vời, đây là Abe Vigoda và nữ diễn viên Clara Peller, người chỉ mới một năm trước đó đã bắt đầu một trò chơi nổi tiếng ở đâu? Chiến dịch cho Wendy. Đó là nhận thức đa văn hóa. Các thứ cũng là một bộ phim kinh dị rất thú vị, rất thú vị với các hiệu ứng đặc biệt thô thiển, bởi vì khi bạn ăn nhiều thứ hơn, nó dần dần chiếm lấy cơ thể của bạn cho đến khi nó phát nổ thành một bản thân. Bộ phim này thực sự có thể phù hợp hơn ngày nay so với vào giữa những năm 1980, vì nhận thức về những gì mà thực sự trong thức ăn nhanh trở nên phổ biến hơn. Voijim Vorel

88. Hồ Mungo, 2008

Giám đốc: Joel Anderson Joel Anderson

Hồ Mungo hiếm khi có thể khác biệt hơn so với những thứ như những cuộc gặp gỡ nghiêm trọng, không có ma hay quỷ đuổi theo những người hét lên xuống sảnh, và nó chủ yếu là một câu chuyện về gia đình, cảm xúc và mong muốn của chúng tôi để tìm kiếm sự đóng cửa sau khi chết. Bạn có thể gọi nó là một thành viên của gia đình Mumble Mumblegore, mà không có Gore. Nó xoay quanh một gia đình đã bị phá vỡ bởi một cô con gái bị chết đuối, và gia đình, sự vướng mắc sau đó trong những gì có thể hoặc không phải là một ám ảnh, và người mẹ mong muốn xác định cuộc sống của con gái mình đã sống. Được hành động mạnh mẽ và được quay một cách tinh tế, đó là một bộ phim gia đình căng thẳng (nếu sần sùi) với những gợi ý về sự siêu nhiên trôi dạt xung quanh các cạnh tranh của sự tỉnh táo của họ. Nếu có một thứ như một bộ phim kinh dị, thì bộ phim theo phong cách phim tài liệu này xứng đáng với tiêu đề. Voijim Vorel

87. Goodnight Mommy, 2014

Giám đốc: Veronika Franz, Severin Fiala Veronika Franz, Severin Fiala

Wolf Man Larry Talbot (Lon Chaney Jr.), along with Frankenstein’s Monster, represents the more sympathetic side of the Universal Monster movie canon, although some viewers would doubtlessly use the word “whiny.” Regardless, poor Larry never asked to turn into a werewolf, and he spends most of the sequels trying to figure out a way not only to be cured, but to kill himself and end his long suffering in the process. The 1941 original remains the best and most earnest film in the series—a portrait of a man who has no power over the raging beast within. It’s the film that made Lon Chaney Jr. a household name, throwing him into the same career of filling genre films as his father during the silent film era. Famed for the groundbreaking FX of its iconic transformation scene, and aided by the same top-notch makeup that Jack Pierce employed in Frankenstein, it raised the bar for horror FX substantially. Like other Universal horror films from the classic era of monster horror, it’s heavy on the atmosphere and old-fashioned spooky settings—fog-wreathed graveyards, dark forests and gothic dwellings—while taking to heart some of the lessons learned by superior Frankenstein sequels such as Bride and Son of Frankenstein. Throw it on at your next Halloween party, and you’ll see that it holds up remarkably well. —Jim Vorel

85. Carnival of Souls, 1962

Director: Herk Harvey

Carnival of Souls is a film in the vein of Night of the Hunter: artistically ambitious, from a first-time director, but largely overlooked in its initial release until its rediscovery years later. Granted, it’s not the masterpiece of Night of the Hunter, but it’s a chilling, effective, impressive little story of ghouls, guilt and restless spirits. The story follows a woman (Candace Hilligoss) on the run from her past who is haunted by visions of a pale-faced man, beautifully shot (and played) by director Herk Harvey. As she seemingly begins to fade in and out of existence, the nature of her reality itself is questioned. Carnival of Souls is vintage psychological horror on a miniscule budget, and has since been cited as an influence in the fever dream visions of directors such as David Lynch. To me, it’s always felt something like a movie-length episode of The Twilight Zone, and I mean that in the most complimentary way I can. Rod Serling would no doubt have been a fan. —Jim Vorel

84. The Host, 2006

Director: Bong Joon-ho

Before he was breaking out internationally with a tight action film like Snowpiercer, and eventually winning a handful of Oscars for Parasite, this South Korean monster movie was Bong Joon-ho’s big work and calling card. Astoundingly successful at the box office in his home country, it straddles several genre lines between sci-fi, family drama and horror, but there’s plenty of scary stuff with the monster menacing little kids in particular. Props to the designers on one of the more unique movie monsters of the last few decades—the mutated creature in this film looks sort of like a giant tadpole with teeth and legs, which is way more awesome in practice than it sounds. The real heart of the film is a superb performance by Song Kang-ho (also in Snowpiercer and Parasite) as a seemingly slow-witted father trying to hold his family together during the disaster. That’s a pretty common role to be playing in a horror film, but the performances and family dynamic in general truly are the key factor that help elevate The Host far above most of its ilk. —Jim Vorel

83. A Dark Song, 2017

Director: Liam Gavin

In Liam Gavin’s black magic genre oddity, Sophia (Catherine Walker), a grief-stricken mother, and the schlubby, no-nonsense occultist (Steve Oram) she hires devote themselves to a long, meticulous, painstaking ritual in order to (they hope) communicate with her dead son. Gavin lays out the ritual specifically and physically—over the course of months of isolation, Sophia undergoes tests of endurance and humiliation, never quite sure if she’s participating in an elaborate hoax or if she can take her spiritual guide seriously when he promises her he’s succeeded in the past. Paced to near perfection, A Dark Song is ostensibly a horror film but operates as a dread-laden procedural, mounting tension while translating the process of bereavement as patient, excruciating manual labor. In the end, something definitely happens, but its implications are so steeped in the blurry lines between Christianity and the occult that I still wonder what kind of alternate realms of existence Gavin is getting at. But A Dark Song thrives in that uncertainty, feeding off of monotony. Sophia may hear phantasmagorical noise coming from beneath the floorboards, but then substantial spans of time pass without anything else happening, and we begin to question, as she does, whether it was something she did wrong (maybe, when tasked with not moving from inside a small chalk circle for days at a time, she screwed up that portion of the ritual by allowing her urine to dribble outside of the boundary) or whether her grief has blinded her to an expensive con. Regardless, that “not knowing” is the scary stuff of everyday life, and by portraying Sophia’s profound emotional journey as a humdrum trial of physical mettle, Gavin reveals just how much pointless, even terrifying work it can be anymore to not only live the most ordinary of days, but to make it to the next. —Dom Sinacola

82. The Bad Seed, 1956

Director: Mervyn LeRoy

The Bad Seed is one of the most disturbing American portraits of pure psychopathy or sociopathy, coming from the least suspected of all sources: an 8-year-old girl. The piercing eyes of little blonde, pigtailed Rhoda (Patty McCormack) are terrifying to behold, moreso once we begin to suspect what lays behind her facade. Rhoda’s ability to function and hide her true self with wily cunning presages the likes of Patrick Bateman or the already mentioned Henry in Henry: Portrait of a Serial Killer. There could be no We Need to Talk About Kevin without The Bad Seed there to ask the question: What is the nature of innate evil? The menace and sheer, unflinching look into human cruelty in The Bad Seed is truly unique for its time period, with young McCormack’s performance ranking among the all-time greats for children in a horror film. The Bad Seed is about the horrors of responsibility as a parent, when there’s something you know needs to be done but the act of carrying it out is something the world will never be able to understand. It’s a film that may turn you off of pigtails for life. —Jim Vorel

81. Society, 1989

Director: Brian Yuzna

Society is perhaps what you would have ended up with in the earlier ’80s if David Cronenberg had a more robust sense of humor. Rather, this bizarre deconstruction of Reagan-era yuppiehood came from Brian Yuzna, well-known to horror fans for his partnership with Stuart Gordon, which produced the likes of Re-Animator and From Beyond…and eventually Honey, I Shrunk the Kids, believe it or not. Society is a weird film on every level, a feverish descent into what may or may not be paranoia when a popular high school guy begins questioning whether his family (and indeed, the entire town) are involved in some sinister, sexual, exceedingly icky business. Plot takes a backseat to dark comedy and a creepily foreboding sense that we’re building to a revelatory conclusion, which absolutely does not disappoint. The effects work, suffice to say, produces some of the most batshit crazy visuals in the history of film—there are disgusting sights here that you won’t see anywhere else, outside of perhaps an early Peter Jackson movie, a la Dead Alive. But Society’s ambitions are considerably grander than that gross-out Peter Jackson classic—it takes aim at its own title and the tendency of insular communities to prey upon the outside world to create social satire of the highest (and grossest) order. —Jim Vorel

80. Friday the 13th, 1980

Director: Sean S. Cunningham

The one that started them all: Years after two summer camp counselors are offed while they’re getting it on, a new group with similar extracurricular activities arrives at Camp Crystal Lake. Hack, slice. A pre-Footloose Kevin Bacon (one of the series’ many casting gems) plays a guy who gets lucky and then immediately gets an arrowhead through the back of the throat. Bummer. Friday the 13th is a competent and formative slasher flick, though it barely resembles the series it spawned, in ways both positive and negative. Its impact, however, can’t be argued, and it’s the film most singularly responsible for properly kicking off the slasher boom of the ’80s. Jason makes only a brief, but extremely searing appearance, and the film’s ending reveal can be counted among the most shocking in horror history. —Jeffrey Bloomer

79. We Are Still Here, 2015

Director: Ted Geoghegan

We Are Still Here never wants for scares. It might actually be the single most terrifying movie of 2015, even next to David Robert Mitchell’s acclaimed and unsettling It Follows. But Geoghegan handles the transition smoothly, from the story of running away from tragedy We Are Still Here begins as to the bloodbath it becomes. There’s no sense of baiting or switching; the director flirts with danger confidently throughout. Plus, there’s that New England winter to add an extra layer of despair. The elements forebode and forbid in equal measure. The weather outside is frightful…and the carbonized wraiths in the basement even more so. In the end, this is one haunted house that won’t be denied. —Andy Crump

78. The Curse of Frankenstein, 1957

Director: Terence Fisher

The film that birthed the stylistic idea of “Hammer Horror” and brought back the greatest of the Universal Monsters to the mainstream: It’s Curse of Frankenstein. And it’s difficult to do justice to how important a moment this was for the future course of horror history, the effective launching point of a second Golden Age of serious monster movies. In the ’40s and ’50s, classical horror had been in decline, co-opted by comedies such as Abbott and Costello Meet Frankenstein or the burgeoning science fiction genre. It was Curse of Frankenstein and Hammer’s subsequent Dracula and Mummy follow-ups that convinced audiences the old monsters could once again be treated as the stuff of nightmares, and they did so by infusing the old black-and-white specters with opulence, cleavage and pulses of Technicolor blood that brought shock and titillation back to the genre. Unlike the Universal series, the Hammer Frankenstein films make no qualms about the identity of the true villain—it’s the Doctor himself, played with petulant verve by the great Peter Cushing. He morphs into something of an antihero throughout the sequels, but this imperious Frankenstein, who thinks he simply knows better than the foolish, close-minded villagers impeding his work, is the obvious spiritual forebear to Jeffrey Combs’ Herbert West in Re-Animator. Christopher Lee’s monster, on the other hand, is an afflicted creature without the soul or humanity of Karloff’s iconic creation. We fear him, and pity him, but this is Cushing’s time to shine and revel in his own crapulence. —Jim Vorel

77. Di truyền, 2018

Giám đốc: Ari Aster Ari Aster

Bộ phim đầu tay của Ari Aster, bắt đầu trong thu nhỏ. Sau đó, chúng ta biết về thương mại Annie (Toni Collette), chế độ mẫu hệ của gia đình bộ phim, Plies, thiết kế một cách vô lý các họa tiết có kích thước nhà búp bê của nhiều chấn thương trong nước mà cô ấy đã trải qua, và vẫn còn, trong suốt cuộc đời của cô Không gian, mặc dù trong thời điểm này, khi bắt đầu di truyền, hiệu ứng chỉ đơn giản là ám chỉ đến những mối bận tâm của tổ tiên của Aster. Từ một ngôi nhà trên cây, lùi lại qua cửa sổ xưởng của Annie, nhà quay phim Pawel Pogorzelski của máy ảnh đến một trò giải trí nhỏ của ngôi nhà mà chúng tôi hiện đang ở, sau đó đẩy vào phòng ngủ của học sinh trung học Peter Graham (Alex Wolff) Bản thân căn phòng, những quan điểm đã bị hủy hoại rất sớm trong phim. Cha Steve (Gabriel Byrne) bước vào để tặng đứa con trai quá cố của mình bộ đồ đen cần thiết để tham dự đài tưởng niệm bà cố quá cố của mình. Ý định của Aster, như trường hợp trong toàn bộ di truyền, vừa bị cùn vừa xiên: Thế giới tồn tại trong thế giới, bóng tối trong đó đưa chúng, hoặc ngược lại, thực tế đại diện như những chiếc nhẫn của một cái cây hoặc hình xoắn ốc của DNA giữ bí mật chưa được ghi nhận trong lõi của bất cứ ai chúng ta là. Điểm số của Colin Stetson, làm rung chuyển các cạnh của khung. Menace hiện ra hiện ra và đe dọa sớm mở ra, những bi kịch về những bi kịch. Gia đình Graham làm sáng tỏ trong quá trình di truyền, có được sức mạnh của nó từ việc kiểm tra các ràng buộc buộc các gia đình lại với nhau, trêu chọc sức mạnh của họ khi mỗi thành viên trong gia đình phải đối đầu, đá và la hét (hoặc trong trường hợp của Collette: làm cho tiếng ồn của linh hồn chạy qua Mỗi lỗ), làm thế nào hời hợt những ràng buộc đó có thể. Trong trường hợp không có lý do cho tất cả những điều này xảy ra, không thể tránh khỏi; Trong trường hợp không có độ phân giải chỉ có sự chấp nhận. SINHDOM Sinacola

76. Cơn ác mộng, 2015

Giám đốc: Rodney Ascher Rodney Ascher

Nightmare rất có thể đặt ra yêu sách cho tiêu đề của bộ phim tài liệu hoàn toàn đáng sợ nhất từng được thực hiện. Vâng, đó là một bộ phim tài liệu, từ Rodney Asher, giám đốc của The Doc Room có ​​chủ đề kinh dị tương tự gặp gỡ trên cơ sở hàng đêm. Nó có những phần bằng nhau bi thảm và lạnh lùng khi nghe điều kiện đã biến giờ đêm của họ thành địa ngục sống, và đáng sợ một cách hợp pháp khi xem những cảnh đó được tái hiện. Mặt khác, bộ phim tài liệu đôi khi không gây khó chịu cho việc không hỏi hoặc trả lời những gì có vẻ như là những câu hỏi khá rõ ràng: liệu thuốc có hỗ trợ với các giai đoạn tê liệt giấc ngủ này không? Có bất kỳ chủ đề nào của bộ phim tài liệu đã từng được nghiên cứu trong một nghiên cứu ngủ qua đêm? Cá nhân, đây là một nỗi sợ hãi mà tôi đã luôn luôn trải qua trải nghiệm, vì vậy nếu bạn bất cứ điều gì như tôi, bạn sẽ đồng ý với chủ đề mô tả những trải nghiệm của anh ấy là loại kinh dị tồi tệ hơn phim ảnh. Điều đó nghe có vẻ đủ tệ, nhưng sau đó, anh chàng mô tả trải qua tình trạng tê liệt giấc ngủ ngay sau khi được nói về tình trạng tê liệt giấc ngủ, hoàn toàn theo gợi ý. Điều đó sẽ thực sự làm bạn hoảng sợ. Don lồng xem cơn ác mộng trước khi ngủ. Voijim Vorel

75. Cabin trong rừng, 2012

Giám đốc: Drew Goddard Drew Goddard

Khi soạn thảo danh sách 100 này, chúng tôi đã quyết định giữ những bộ phim hài kinh dị trong và lớn trong số đó là một danh sách các bộ phim kinh dị của Hồi giáo, tinh khiết và đơn giản. Không có chỗ cho những nhại lại yêu quý như Shaun of the Dead, nhưng cabin trong rừng là ngoại lệ chứng minh quy tắc, có khả năng trong một số khoảnh khắc đáng sợ trong khi chủ yếu hoạt động như một trong những người có meta được chế tạo tốt nhất mà các nhà Thể loại đã từng thấy. Nó gây sốc khi Drew Goddard đã chỉ đạo một bộ phim kể từ đó, mặc dù anh ấy đã bay cao trong khi viết những người như Martian. Nhưng kiến ​​thức sâu sắc của anh ấy và sự tận tâm rõ ràng đối với các vùng nhiệt đới của thể loại kinh dị đang được trưng bày trong cabin trong rừng, nơi gọn gàng phá vỡ các ban nhạc năm người đàn ông của những người chém theo phong cách trại trong khi đồng thời ồn ào và hài lòng. Một bộ phim khác ngồi trong địa ngục phát triển sau khi hoàn thành bởi vì các hãng phim không chắc chắn làm thế nào để tiếp thị nó, bộ phim có thể có thể cảm ơn sự lên ngôi Hollywood của Chris Hemsworth vì thực tế là cuối cùng nó đã được phát hành, nhưng các màn trình diễn của Powerhouse đến từ Kristen Connolly, Fran Kranz, và đặc biệt là Bradley Whitford và Richard Jenkins, người có bình luận gượng gạo vì những bậc thầy về con rối của câu chuyện kinh dị này là không thể thiếu và không bao giờ thiếu hòa tan. Cuối cùng, đó là những điều nhỏ nhặt mà cabin trong rừng làm như vậy, từ đó, từ những con cá cẩm carbinger, người đã cảnh báo những đứa trẻ về sự diệt vong sắp xảy ra của chúng, đến những trò đùa đang chạy xung quanh nàng tiên cá cuối cùng cũng thấy mình có một kết luận rất thỏa mãn. Mỗi chủ đề lỏng lẻo được tính đến trên đường đến một trận chung kết rock punk quyết định. Voijim Vorel

74. Rec (2007)

Giám đốc: Jaume Balagueró và Paco Plaza Jaume Balagueró and Paco Plaza

Năm 2007 là một năm đột phá đối với Phù thủy hậu Blair đã tìm thấy những đoạn phim kinh dị, bao gồm hoạt động huyền bí đầu tiên và Nhật ký của George Romero, nhưng chỉ có ở Hoa Kỳ, mọi người mới sử dụng kỹ thuật đó một cách hiệu quả. Phần hay nhất trong tất cả các bộ phim Zombie được tìm thấy vẫn có thể là Rec, một bộ phim khác trong danh sách này thể hiện sự vui tươi trong việc xác định lại chính xác những gì một Zombie Zombie là hoặc là một người khác. Bộ phim Tây Ban Nha theo sau một đội ngũ tin tức khi họ lẻn vào trong một tòa nhà bị cách ly trải qua sự đột phá của những gì dường như là một bệnh dịch zombie. Những người bị nhiễm bệnh nhanh giống với 28 ngày sau đó, sau đó được tiết lộ là bị chiếm hữu một cách quỷ quyệt theo cách di chuyển qua các vết cắn, trộn lẫn với truyền thuyết truyền thống truyền thống và chủ nghĩa huyền bí tôn giáo. REC là một bộ phim có khả năng, cảm giác chuyên nghiệp với ngân sách thấp, và có một số cảnh Zombie được biên đạo xuất sắc, cảm thấy tất cả những người ngột ngạt hơn khi được quay theo quan điểm của người đầu tiên. Zombie Horror dường như đi đôi với cách tiếp cận được tìm thấy một cách tự nhiên hơn một số thể loại kinh dị khác có lẽ đó là thực tế là trong thời đại kỹ thuật số, tất cả chúng ta đều buộc phải ghi lại bất kỳ sự bùng phát nào như vậy trên điện thoại của chúng ta hoặc thiết bị? Bất kể, Rec là gần như bị ép buộc như một số mục trong lĩnh vực kinh dị đặc biệt này, và mang lại cảm giác tuyệt vời về việc nó có thể như thế nào nếu bạn chỉ là một người bình thường bị nhốt trong một tòa nhà chung cư khổng lồ chứa đầy zombie. Voijim Vorel

73. Henry: Chân dung của một kẻ giết người hàng loạt, 1986

Giám đốc: John McNaughton John McNaughton

Bản thân Henry có sự tham gia của Merle, Michael Rooker, trong một bộ phim về cơ bản có nghĩa là kẻ giết người hàng loạt gần đúng Henry Lee Lucas, cùng với Otis Otis Toole (Tom Towles) bị mất trí nhớ. Bộ phim được quay và đặt ở Chicago với ngân sách chỉ 100.000 đô la, và là một hành trình đồi trụy vào sâu thẳm của bóng tối có khả năng lây nhiễm linh hồn con người. Điều đó có lẽ nghe có vẻ như hyperbole, nhưng Henry thực sự là một bộ phim xấu xí mà bạn cảm thấy bẩn khi xem nó, từ các đường phố đô thị bị bẩn thỉu đến những nhân vật cực kỳ không thể thích thú làm mồi cho gái mại dâm địa phương. Nó không phải là một chiếc đồng hồ dễ dàng, nhưng nếu tội phạm thực sự nghiệt ngã là thứ của bạn, thì đó là một điều không thể bỏ qua. Một số cảnh, chẳng hạn như video gia đình của người Hồi giáo được quay bởi Henry và Otis khi họ tra tấn cả một gia đình, đã mang đến cho bộ phim một danh tiếng khét tiếng, ngay cả trong số những người hâm mộ kinh dị, như một cái nhìn không ngừng về bản chất của sự xấu xa đáng lo ngại. Voijim Vorel

72. Opera, 1987

Giám đốc: Dario Argento Dario Argento

GIIALLO không phải là loại thể loại mà các giám đốc cuối cùng nhận được rất nhiều sự bất thường quan trọng với ngoại lệ thường xuyên của Dario Argento. Anh ta là tiền thân đẫm máu, Ý để làm phim như, một người nào đó như Clive Barker là nỗi kinh hoàng hơn về phía tây: một auteur sẵn sàng nắm lấy cơ hội, những tác phẩm hấp dẫn của họ đôi khi rất xuất sắc nhưng thường xuyên bị ngã. Tuy nhiên, Opera là một trong những bộ phim có thể xem hoàn toàn nhất của Argento, sau một nữ diễn viên trẻ (Cristina Marsillach), người dường như đã phát triển một người ngưỡng mộ khá giết người. Bất cứ ai cản trở sự nghiệp của cô đều có một cách hài hước để kết thúc, và những cơn ác mộng liên tục của cô gợi ý về một mối liên hệ bị cướp lâu với kẻ giết người. Về cơ bản, GIALLO tương đương với Phantom of the Opera, Canvas Opera Opera được tung ra với bảng màu đặc trưng của Argento, các tông màu sáng, rùng rợn và những cái chết quá đỉnh. Nếu bạn yêu thích một whodunnit tốt, và đặc biệt là nếu bạn có hứng thú với điện ảnh, Opera là một bản nhạc trong sự khéo léo kinh dị. Voijim Vorel

71. Raw, 2016

Giám đốc: Julia Ducournau Julia Ducournau

Julia Ducournau, RAW là một bộ phim sắp đến tuổi của người Hồi giáo, trong đó nhân vật chính của bộ phim, sinh viên đại học mới đến Justine (Garance Marillier), đến tuổi trong suốt thời gian chạy. Cô ấy tiệc tùng, cô ấy thoát ra khỏi vỏ bọc của mình, cô ấy biết về người mà cô ấy thực sự là một người trên bờ vực của tuổi trưởng thành. Nhưng hầu hết những đứa trẻ đến tuổi trong các bộ phim đều nhận ra rằng chúng đã dành cả cuộc đời của mình một cách vô tình để đàn áp một nhu cầu bẩm sinh, không đáng tin cậy để tiêu thụ thịt sống. Ngay lập tức, bạn có thể nghĩ rằng, đó là tên của bộ phim! Cho phép Ducournau của cô ấy. Hơn cả một cái nháy mắt và gật đầu với các chi tiết nội tạng của bức tranh, Raw là một sự nhượng bộ cởi mở với chất lượng bừa bộn của sự nở rộ của Justine. Nasty như bộ phim có được, và nó thực sự trở nên khó chịu, những cảm giác khắc nghiệt nhất mà Ducournau nói ở đây có xu hướng là những người chúng ta không thể phát hiện ra chỉ bằng cách nhìn: sợ tình dục nữ tính, di sản gia đình, chính trị phổ biến và sự không chắc chắn của việc tự chi phối sự kinh hoàng của RAW RAW Nhiều như da thịt tiếp xúc và đẫm máu. Nó có một Gorefest không cung cấp lời xin lỗi và nhiều hơn để nhai hơn là tác dụng của nó. Tiếng crump

70. Son of Frankenstein, 1939

Director: Rowland V. Lee

Deciding which of the classic Universal Monster movies should be featured on this list proved an incredibly difficult proposition. Notably absent is Tod Browning’s Dracula, a film with discrete, iconic moments but a lack of vitality in the nuts and bolts of its direction and cinematography—a sort of holdover from the silent era, rather than the more vivacious films in the Universal series that follow. But absent also is James Whale’s 1931 classic Frankenstein. Why? Well, despite what you may have heard, Frankenstein may very well be the third best film of its own series, surpassed not only by the well-recognized Bride of Frankenstein but also by the much less appreciated Son of Frankenstein as well. Director James Whale and original Dr. Colin Clive have moved on, the latter replaced by classic Sherlock Holmes portrayer Basil Rathbone as our new protagonist, Wolf Frankenstein, who returns to his father’s ancestral castle only to find that the legendary monster isn’t quite as dead as he’s been led to believe. Bela Lugosi, of all people, enters the series as the first Frankenstein character called “Igor” (although it’s actually “Ygor”), a ghoulish caretaker who claims to literally be undead—hanged by the villagers and sustaining a broken neck, but somehow not dying. His master plan: To use Wolf’s scientific knowledge to resurrect the monster (Boris Karloff, one final time) and then use the monster as a tool of vengeance to hunt down the men who hanged him. With cavernous, opulent sets in Frankenstein manor, Son of Frankenstein is a lush, prestigious-feeling production that boasts masterful performances from Rathbone, the one-armed inspector (parodied in Young Frankenstein) played by Lionel Atwill and especially from Lugosi, who is at his absolute best in a role that is far more nuanced than that of Dracula. With its gorgeous, gothic visuals and expanded run-time, Son of Frankenstein is the secret crown jewel of the entire Universal Monster series. —Jim Vorel

69. Zombi 2, 1979

Director: Lucio Fulci

In the ’70s and ’80s, it was hard to beat Italy in terms of fucked-up horror movie content, and given that market’s fondness for the “cannibal film,” is it any surprise they also came to love the zombie genre as well? Zombi 2 is the epitome of all the Italian zombie movies, cleverly implied as essentially a direct follow-up (thematically, not plot-wise) to Romero’s Dawn of the Dead, which had been released in Italy to great success under the title Zombi. Helmed by Italian giallo/supernatural horror maestro Lucio Fulci, Zombi 2 significantly upped the crazy factor and pushed gore to a new ceiling. The film’s effects and makeup are absolutely disgusting, and it’s filled with iconic moments that have transcended the horror genre. Scene of someone having an eye poked out? They’re always compared to the eye-poking scene in Zombi 2. Scene where a zombie fights a freaking SHARK? Well, nobody compares that, because nobody has the balls to try and one-up Zombi 2’s zombie shark-fighting scene. That’s one contribution that will stand the test of time. —Jim Vorel

68. Dead & Buried, 1981

Director: Gary Sherman

Dead & Buried is a thoroughly unusual horror film that revolves around the reanimated dead, but in a way all its own. In a small New England coastal town, a rash of murders breaks out among those visiting. Unknown to the town sheriff (James Farentino), those bodies never quite make it to their graves—though people who look just like the murdered visitors are walking the streets as permanent residents. The zombies here are different from most similar movies in the genre in their autonomy and ability to pass for human, although they do answer to a certain leader…but who is it? Dead & Buried is part murder mystery, part cult story and part zombie flick, featuring some absolutely revolting creature work and gore from the legendary Stan Winston. It’s got a feel all its own, and one notable for some unusual casting choices, including a pre-Nightmare on Elm Street Robert Englund as one of the possibly zombified town locals, and, in a major role, Jack Albertson (Grandpa Joe from Willy Wonka) as the eccentric, jazz-loving town coroner/mortician, who steals every scene he’s in. More people should seek out this weird little film. —Jim Vorel

67. It Follows, 2015

Director: David Robert Mitchell

The specter of Old Detroit haunts It Follows. In a dilapidating ice cream stand on 12 Mile, in the ’60s-style ranch homes of Ferndale or Berkley, in a game of Parcheesi played by pale teenagers with nasally, nothing accents—if you’ve never been, you’d never recognize the stale, gray nostalgia creeping into every corner of David Robert Mitchell’s terrifying film. But it’s there, and it feels like SE Michigan. The music, the muted but strangely sumptuous color palette, the incessant anachronism: In style alone, Mitchell is an auteur seemingly emerged fully formed from the unhealthy womb of Metro Detroit. Cycles and circles concentrically fill out It Follows, from the particularly insular rules of the film’s horror plot, to the youthful, fleshy roundness of the faces and bodies of this small group of main characters, never letting the audience forget that, in so many ways, these people are still children. In other words, Mitchell is clear about his story: This has happened before, and it will happen again. All of which wouldn’t work were Mitchell less concerned with creating a genuinely unnerving film, but every aesthetic flourish, every fully circular pan is in thrall to breathing morbid life into a single image: someone, anyone slowly separating from the background, from one’s nightmares, and walking toward you, as if Death itself were to appear unannounced next to you in public, ready to steal your breath with little to no aplomb.

Initially, Mitchell’s whole conceit—passing on a haunting through intercourse—seems to bury conservative sexual politics under typical horror movie tropes, proclaiming to be a progressive genre pic when it functionally does nothing to further our ideas of slasher fare. You fornicate, you find punishment for your flagrant, loveless sinning, right? (The film has more in common with a Judd Apatow joint than you’d expect.) Instead, Mitchell never once judges his characters for doing what practically every teenager wants to do; he simply lays bare, through a complex allegory, the realities of teenage sex. There is no principled implication behind Mitchell’s intent; the cold conclusion of sexual intercourse is that, in some manner, you are sharing a certain degree of your physicality with everyone with whom your partner has shared the same. That he accompanies this admission with genuine respect and empathy for the kinds of characters who, in any other horror movie, would be little more than visceral fodder for a sadistic spirit, elevates It Follows from the realm of disguised moral play into a sickly scary coming-of-age tale. Likewise, Mitchell inherently understands that there is practically nothing more eerie than the slightly off-kilter ordinary, trusting the film’s true horror to the tricks our minds play when we forget to check our periphery. It Follows is a film that thrives in the borders, not so much about the horror that leaps out in front of you, but the deeper anxiety that waits at the verge of consciousness—until, one day soon, it’s there, reminding you that your time is limited, and that you will never be safe. Forget the risks of teenage sex, It Follows is a penetrating metaphor for growing up. —Dom Sinacola

66. Near Dark, 1987

Director: Kathryn Bigelow

Kathryn Bigelow’s Near Dark was one of her first films with a decent budget, and she invested those funds wisely into making a moody, pulpy vampire Western with an excellent supporting cast, from the iconic Bill Paxton (whose character’s demise is beautiful) to horror staple Lance Henriksen in one of his higher-profile appearances outside Aliens. It’s a film that really drives home the light vs. shadow, day vs. night aspect of the vampire psyche and physiology. So much of the movie, in fact, involves the biker gang-like vampires laying low, hiding from both sunlight and the human police, their existence hardly “romanticized” at all. In fact, these vampires project more of a tragic streak than anything: They’re outlaws who have convinced themselves that they’re living a life of freedom and immortality when their existence is actually fragile and just a blast of UV light away from being cut short. Near Dark is like one of the many ’70s-era Hells Angels biker films—a Wild Rebels where the vampires are those doomed outsiders who live fast and die (relatively) young. —Jim Vorel

65. The Beyond, 1981

Director: Lucio Fulci

The Beyond may be the best of Lucio Fulci’s non-zombie movies. Which isn’t to say there aren’t any zombies in it, but it’s not a Romero-style zombie movie, like the former. The Beyond is the middle entry in Fulci’s “Gates of Hell” trilogy, and takes place in and around a crumbling old hotel that just happens to have one of those gates to Hell located in its cellar. When it opens, all Hell—of course—starts to break loose in the building, in a film that combines a haunted house aesthetic with demonic possession, the living dead and ghostly apparitions. As with so many of the other films in this mold, it’s not always entirely clear what’s going on—and honestly, the plot is more or less irrelevant. You’re watching it to see demons gouge people’s eyes out or watch heads being blown off, and there’s no shortage of either. Thinking back to Lucio Fulci movies after the fact, you won’t remember any of the story structure, you’ll just remember the ultra gory highlights, splattering across the screen in a way that continues to influence filmmakers to this day. —Jim Vorel

64. Cat People, 1942

Director: Jacques Tourneur

To this day, it doesn’t seem entirely fair that so much credit for Cat People is almost universally given to producer Val Lewton, rather than director Jacques Tourneur or writer DeWitt Bodeen, but it’s true of the entire run of low-budget horror films that Lewton produced at RKO. Regardless, Cat People was a populist hit in its day before being reevaluated decades later as a landmark of ’40s horror. In stark contrast to Universal’s monster movies of the same era, it leans on suspense and carefully constructed shots rather than Jack Pierce makeup to make an impression. The story of a young Russian immigrant (Simone Simon) with a dark family past, Cat People combines aspects of film noir and mystery movies with Hitchcockian suspense, while pioneering several staple tropes of horror cinema that have been used hundreds, if not thousands of times since. In particular, the scene with a young woman walking home on a dark night, stalked by an unseen presence, builds to an unexpected conclusion that must have made audiences in 1942 come jumping out of their seats. —Jim Vorel

63. Horror of Dracula, 1958

Director: Terence Fisher

Horror of Dracula is either the second or third most iconic “classic vampire” film ever made, trailing only the 1931 Bela Lugosi Dracula and possibly the original Nosferatu. But really, if you were going to put together the ultimate, time-spanning Dracula film, you’d choose this version of the vampire, as played by the regal, intimidating Christopher Lee at the height of his powers. Horror of Dracula is simply a gorgeous movie, with lush, gothic settings—crypts, foggy graveyards and stately manors—photographed with the Golden Age charm of Technicolor. It has the best version of Van Helsing ever put to film (the aquiline, gaunt-looking Peter Cushing), some of the best sets and an omnipresent feeling of refinement and grandeur. Dracula, as played by Lee, is a creature of dualities—preferring to use very few words and simply influence through his magnetic presence, but also just moments away from leaping into action with ferocious animality. Along with Curse of Frankenstein, Horror of Dracula is the film most responsible for the late ’50s to early ’70s revival of classic gothic horror via Hammer Film Productions in the UK, which would produce dozens of takes on Frankenstein, The Mummy, and no fewer than eight Dracula sequels. The first, however, is unquestionably the best—so effective that it typecast Christopher Lee as a horror icon for decades, exactly as Dracula did to Bela Lugosi. —Jim Vorel

62. The Omen, 1976

Director: Richard Donner

In the canon of “creepy kid” movies, the original 1976 incarnation of The Omen stands alone, untainted by the horrendous 2006 remake. It has a palpable sense of malice to it, largely because of the juxtaposition of restraint and moments of extremity. Damien (Harvey Spencer Stephens) isn’t this little devil boy running around stabbing people, he’s full of guile, deceit and, scariest of all, patience. He knows that he’s playing the long game—it will be years and years before he achieves his purpose on the Earth, which gives him the uncomfortable attitude of an adult (and a pure evil one) in a child’s body. The film is brooding, sullen, broken up by staccato moments of shocking violence. In particular are the infamous scene wherein a sheet of glass leads to a decapitation, or the fate of Damien’s nurse in the film’s opening. The Omen can genuinely can get under your skin, especially if you’re a parent. —Jim Vorel

61. Ginger Snaps, 2000

Director: John Fawcett

Ginger Snaps is a high school werewolf story, but before you go making any Twilight comparisons, let me state for the record: Where Twilight is maudlin, Ginger Snaps is vicious. A pair of death-obsessed, outsider sisters, Ginger and Brigitte, are faced with issues of maturation and sexual awakening when Ginger (Katharine Isabelle) is bitten by a werewolf. As she begins to become bolder and more animalistic in her desires, the second, meeker sister (Emily Perkins) searches for a way to reverse the damages before Ginger carves a path of destruction through their community. Reflecting the influence of Cronenberg-style body horror and especially John Landis’s American Werewolf in London, Ginger Snaps is a surprisingly effective horror movie and mix of drama/black comedy that brought the werewolf mythos into suburbia in the same sort of way Fright Night managed to do so with vampires. It also made a genre star of Isabelle, who has since appeared in several sequels and above average horror flicks such as American Mary. Even if the condition of lycanthropism is an obvious parallel to the struggles of adolescence and puberty, Ginger Snaps is the one film that has taken that rich vein of source material and imbued it with the same kind of punk spirit as Heathers. – —Jim Vorel

60. Les Diaboliques, 1955

Director: Henri-Georges Clouzot

Watching Henri-Georges Clouzot’s Les Diaboliques through the lens of the modern horror film, especially the slasher flick—replete with un-killable villain (check); ever-looming jump scares (check); and a “final girl” of sorts (check?)—one would not have to squint too hard to see a new genre coming into being. You could even make a case for Clouzot’s canonization in horror, but to take the film on only those terms would miss just how masterfully the iconic French director could wield tension. Nothing about Les Diaboliques dips into the scummy waters of cheap thrills: The tightly wound tale of two women, a fragile wife (Véra Clouzot) and severe mistress (Simone Signoret) to the same abusive man (Paul Meurisse), who conspire to kill him in order to both reel in the money rightfully owed the wife, and to rid the world of another asshole, Diaboliques may not end with a surprise outcome for those of us long inured to every modern thriller’s perfunctory twist, but it’s still a heart-squeezing two hours, a murder mystery executed flawlessly. That Clouzot preceded this film with The Wages of Fear and Le Corbeau seems as surprising as the film’s outcome: By the time he’d gotten to Les Diaboliques, the director’s grasp over pulpy crime stories and hard-nosed drama had become pretty much his brand. That the film ends with a warning to audiences to not give away the ending for others—perhaps Clouzot also helped invent the spoiler alert?—seems to make it clear that even the director knew he had something devilishly special on his hands. —Dom Sinacola

59. Đau khổ, 1990

Giám đốc: Rob Reiner Rob Reiner

Mặc dù hầu hết các nhà văn có nhiều khả năng trải nghiệm sự khốn khổ của người Hồi giáo về niềm tin dai dẳng rằng không ai quan tâm đến công việc của họ, nhưng cuốn tiểu thuyết của Rob Reiner, trong tiểu thuyết Stephen King, nhắc nhở chúng ta rằng đôi khi có một mặt trái với sự che khuất. James Caan đóng vai Paul Sheldon, tác giả của một loạt các bộ đồ lót Regency nổi tiếng với một nhân vật chính tên là Misery Chastain. Háo hức bắt đầu một giai đoạn nghiêm trọng hơn trong sự nghiệp của anh ấy và bỏ lại sự khốn khổ (như nó đã từng), anh ấy đã bất tỉnh trong một vụ tai nạn xe hơi tuyết và thức dậy trong ngôi nhà xa xôi của một y tá tên Annie Wilkes (Kathy Bates), người đã giải cứu anh ấy . Và bằng cách giải cứu, tôi có nghĩa là bắt cóc. Annie, không phải là một người phụ nữ tốt bụng, hóa ra, và bị mắc kẹt với đôi chân bị gãy ở nơi ẩn náu xa xôi của một kẻ theo dõi bạo lực có một số nhược điểm. Reiner được biết đến nhiều hơn như là một đạo diễn của phim hài, và ngay cả trong một bộ phim kinh dị, anh ấy không ngại lấy một tiếng cười rẻ tiền: đôi khi thật khó để nói rằng chúng tôi phải coi Bates như một con quái vật như thế nào, vì cô ấy quan tâm đến việc đánh sledgenhammer Wanded Psychopath to Liberace-Adoring, Um Um, Psychopath. Tuy nhiên, nhìn chung, nó là một trope mạnh mẽ, bất lực và thương xót một người có thể chộp lấy bất cứ thứ hai. Stephen King đã viết rất nhiều câu chuyện kinh dị, nhiều trong số đó đã trở thành những bộ phim thành công về mặt thương mại, nhưng điều này có thể là tác phẩm chuyển thể hay nhất của anh ấy, một phần do các màn trình diễn xuất sắc của Caan và Bates (người đã giành giải Oscar cho Nữ diễn viên xuất sắc nhất cho Nữ diễn viên xuất sắc nhất cho Chân dung của cô ấy về Annie vô song), nhưng nó cũng khá tuyệt vời như một cuộc thiêu khắc tổng hợp về bản chất của sự nổi tiếng, sự cô lập và ám ảnh, đặc biệt là nếu bạn là một nhà văn. Nó không phải là một bộ phim sâu sắc khủng khiếp, nhưng nó có một số sự táo bạo nghiêm trọng và một loại căng thẳng não và nội tạng đồng thời nhắc nhở chúng ta rằng đôi khi những nỗi kinh hoàng thực sự đã gây ra sự huyền bí đôi khi những con quái vật trần tục là những người thực sự đáng sợ. Glynn Glynn

58. Thủ thuật điều trị, 2007

Giám đốc: Michael Dougherty Michael Dougherty

Người ta có thể gọi Trick, R đối xử với loại tuyển tập hay nhất, một trong những câu chuyện khác biệt, thú vị, nhưng cũng gắn kết các câu chuyện của nó với nhau theo một cách uốn éo theo thời gian rõ rệt. Đạo diễn bộ phim đầu tay của đạo diễn Michael Dougherty, ngồi trên kệ sau khi bị trì hoãn trong nhiều năm, đó là một sự xấu hổ lớn, vì nó đã xa và xa cách tuyển tập kinh dị hay nhất kể từ những năm 2000. Một phần ít quan tâm đến những nỗi sợ hãi hoàn toàn, thay vào đó là một lễ kỷ niệm Halloween, ý tưởng về ngày lễ và sự sợ hãi của chính nó. Những câu chuyện và nhân vật xen kẽ trên cùng một thị trấn nhỏ trong suốt đêm Halloween, giao nhau theo cả hai cách cổ điển (những bóng ma của một bi kịch từ lâu) và hiện đại (một giao ước của người sói nữ, ngoài thị trấn). Hài kịch Sly và những màn trình diễn tuyệt vời từ một loạt các khuôn mặt quen thuộc (Brian Cox, Dylan Baker, Anna Paquin) tăng sức mạnh cho từng phân đoạn, và không ai trong số họ quá chào đón. Thật vậy, Trick xông R xử lý thực sự được yêu thích tốt nhất thông qua các lượt xem lặp lại, điều này cho thấy sự giao thoa giữa mỗi câu chuyện thậm chí còn tốt hơn. Ở giữa tất cả là Sam (Quinn Lord), tinh thần đáng lo ngại nhưng bằng cách nào đó đáng yêu của Halloween, người quan sát trong im lặng và trừng phạt những người chà đạp lên những quan sát truyền thống của kỳ nghỉ. Đó là một đêm Halloween Halloween Halloween, người nhìn thấy nhưng dễ tiếp cận, và vui vẻ theo tất cả các cách đúng đắn. Tại đây, hy vọng rằng phần tiếp theo được thảo luận từ lâu thực sự xuất hiện một trong những ngày này. Voijim Vorel

57. Chúng ta cần nói về Kevin, 2012

Giám đốc: Lynne Ramsay Lynne Ramsay

Chúng ta cần nói về Kevin liên quan đến trải nghiệm của một người mẹ đang vật lộn với hậu quả của một vụ thảm sát trường học do con trai thực hiện. Trong công trình tường thuật của nó, nó dựa trên hai vùng nhiệt đới chính: đó là bộ phim kinh dị của Why Whydunnit riêng biệt. Thật vậy, nỗi kinh hoàng thực sự không phải là một thiếu niên đã chọn sự phủ nhận hoàn toàn về sự cấm đoán của cuộc sống gia đình quy phạm, đó là điều này dường như là hai lựa chọn duy nhất có sẵn. Tilda Swinton rất xuất sắc trong vai trò là một người mẹ vật lộn với cảm giác tội lỗi về những gì con trai bà đã làm và phản ánh về thời thơ ấu của mình, tự hỏi điều gì, nếu có bất cứ điều gì, có thể đã được thực hiện khác nhau khi một người sinh ra một hạt giống xấu. Bản chất đau lòng của bộ phim được gói gọn một cách hoàn hảo bởi cảnh Kevin khi một đứa trẻ giảm bớt xu hướng xã hội học của mình trong khi bị bệnh, cho nhân vật của Swinton một cơ hội ngắn ngủi để cảm thấy như một người mẹ trân trọng, chỉ để cảm xúc với cô ngay khi anh ta ngay lập tức sức khỏe trở lại, làm cho cô hy vọng rằng một số loại đột phá đã được thực hiện. Quản đốc

56. Onibaba, 1964

Giám đốc: Kineto Shindo Kineto Shindo

Kaneto Shindo sườn Onibaba sẽ khiến bạn đổ mồ hôi và khiến bạn ớn lạnh cùng một lúc, với sức mạnh của nó được tìm thấy trong sự pha trộn của bầu không khí và sự khiêu dâm của Shindo. Nó là một bộ phim gợi cảm, và một bộ phim nguy hiểm, và trong những khoảnh khắc cuối cùng của nó là một bộ phim đáng sợ, đáng sợ, nơi đạo đức xuất hiện đầy đủ để trừng phạt các nhân vật chính của nó vì những kẻ lừa đảo và tội lỗi của họ. Có một chủ nghĩa cổ điển cho bộ phim truyền hình Onibaba, một cảm giác về sự xuất hiện vũ trụ: các nhân vật làm sai và có những sai trái của họ được truy cập vào họ bởi các cường quốc. . luôn luôn là chúng tôi. Có phải quỷ, hay thần tượng ma quỷ, đã gây ra cuộc nội chiến phục vụ như là bối cảnh của Onibaba? Có phải những linh hồn có thể phạm tội cho sự sống còn tàn nhẫn của bộ phim hai nhân vật chính? Không và không. Đặt một dấu kiểm bên cạnh nhân loại Hồi giáo trả lời cả hai câu hỏi, và sau đó ước rằng những con quỷ và linh hồn là có thật, bởi vì điều đó sẽ thích hợp hơn để thừa nhận thực tế. Quay trở lại một con người vào một góc, và họ sẽ ném bạn vào một con mương, để bạn chết và đánh cắp thứ rác rưởi của bạn, và điều gì đáng lo ngại hơn bạn tốt hơn bạn là một nguyên tắc hướng dẫn để sống? Tiếng crump

55. Eyes Starry, 2014

Giám đốc: Kevin Kölsch Kevin Kölsch

Starry Eyes là một trải nghiệm phim bừa bộn, một thử thách, giống như cách hành trình của nhân vật chính của nó là một sự biến đổi lớn. Lúc đầu, bạn nghĩ rằng bạn có một ý tưởng khá tốt về đôi mắt đầy sao ở cấp độ bề mặt đang cố gắng thực hiện; Bạn có được Hollywood Hollywood chống lại sự cay đắng và hoài nghi của Hollywood về sự nổi tiếng và ngành công nghiệp điện ảnh. Sau đó, mọi thứ trở nên tàn phá và lật đổ hơn rất nhiều. Sarah (Alex Essoe) là một nhân vật bi thảm, và đây là một bi kịch kinh dị của người Hồi -xác thực. Tham vọng của cô biến cô thành một con quái vật vì cô không có gì khác: cuộc sống của cô không có ý nghĩa đến mức không thể tưởng tượng được không có nhược điểm. Sau đó, là một sự tự hủy diệt khủng khiếp dẫn đến sự từ bỏ bản thân và một cuộc bạo lực thực sự kỳ cục, nhưng ở đó, không có niềm vui hay sự chuẩn độ nào theo bất kỳ cách nào mà nó mô tả. Không ai sẽ mô tả đôi mắt sao như ánh sáng nhìn, và không ai sẽ cười vào cái chết. Bạn không thể hiện điều này tại một bữa tiệc mà bạn tập trung vào nó trong đêm trong khi tự nhận mình với nỗi kinh hoàng của nó. Voijim Vorel

54. The Vanishing, 1988

Giám đốc: George Sluizer George Sluizer

Bạn đã bao giờ tự hỏi điều gì làm cho một kẻ chủ mưu như Stanley Kubrick lắc trong đôi giày của mình? Câu trả lời là sự biến mất, rõ ràng là bộ phim đáng sợ nhất mà anh ấy đã từng xem (và điều này, đến từ anh chàng đã tạo nên sự tỏa sáng). Trên thực tế, điều khiến bộ phim kinh dị này trở nên đáng sợ là nó đã nói với tất cả những người đàn ông Topsy: thay vì dành hai giờ cố gắng tìm ra danh tính của kẻ xấu, chúng tôi đã giới thiệu với anh ta ngay lập tức. Dựa trên cuốn sách của Tim Krabbé, The Golden Egg (Het Gouden EI), bộ phim kể câu chuyện về Raymond (Bernard-Pierre Donnadieu), một xã hội tự chẩn đoán đang cố gắng đưa mình vượt qua bài kiểm tra cuối cùng. Sau khi cứu một cô gái trẻ khỏi bị chết đuối, và được các cô con gái của anh ta tôn vinh, anh ta muốn tìm hiểu xem hành động tử tế của mình có thể được theo dõi bởi một hành động xấu xa ấn tượng tương tự hay không. Khi bộ phim cho phép Raymond, theo thời gian, điều tra ranh giới giữa bệnh xã hội và bệnh lý tâm thần, anh ta dành hàng giờ để lên kế hoạch tỉ mỉ để đi bắt cóc một người phụ nữ, thay vì giải cứu một người. Anh ta thử nghiệm với chloroform, mua một ngôi nhà bị cô lập và thực hành những cách khác nhau để khiến phụ nữ không biết vào xe của anh ta. Sluizer sau đó làm lại bộ phim của riêng mình cho khán giả Mỹ, với Jeff Bridges và Kiefer Sutherland, nhưng kết thúc của nó đã thay đổi mạnh mẽ. Trò chơi Sanctroxanne Sancto

53. Black Sabbath, 1963

Giám đốc: Mario Bava Mario Bava

Một lần đã có một lần trước khi Black Black Sabbath, chỉ gợi lên những hình ảnh của Ozzy Osbourne Caterwauling về một người đàn ông sắt sắt, người Hồi giáo Lợn Lợn hay hoang tưởng vì âm thanh của Tony Iommi băm nhỏ. Thật vậy, ban nhạc trong câu hỏi nổi tiếng đã lấy tên của họ từ bộ phim tuyển tập nổi tiếng này, trong đó quay ba câu chuyện về kinh dị do Mario Bava đạo diễn. Phần hay nhất là chương giữa, The The Wurdulak, biểu tượng kinh dị với sự tham gia của Boris Karloff trong vai một người đàn ông bắt đầu giết một sinh vật bất tử (tiêu chuẩn của Wurdalak). Nói thêm nữa sẽ là làm hỏng sự hấp dẫn và lật đổ này đối với câu chuyện ma cà rồng, một vật tổ thiết yếu tuyệt đối của thể loại kinh dị. —Cark Rozeman

52. Chúng tôi là những gì chúng tôi, 2013

Giám đốc: Jim Mickle Jim Mickle

Jim Mickle là giám đốc kinh dị trẻ hay nhất liên tục rời khỏi các cuộc thảo luận của các đạo diễn kinh dị trẻ hay nhất. Bản làm lại của ông về bộ phim cùng tên Mexico năm 2010 này là một sự pha trộn căng thẳng, căng thẳng của phim kinh dị và kinh dị, câu chuyện về một gia đình nông thôn dường như bình thường (nếu ngột ngạt) có một bí mật tối tăm của các quan sát tôn giáo dựa trên các hành vi ăn thịt người hàng năm. Khi một thành viên trong gia đình chết và truyền thống lâu đời bị đe dọa, các mối quan hệ bị nghi ngờ, mối quan hệ gia đình sụp đổ và thế hệ trẻ phải đối mặt với một quyết định cực kỳ khó khăn trong việc thoát khỏi phong tục đã ràng buộc gia đình với nhau trong nhiều thế hệ. Đó là một phần của câu chuyện tội phạm, một phần khủng khiếp, kinh dị táo bạo và có sự tham gia của Michael park trong một vai trò tốt hơn khoảng 100 lần so với những gì anh ta bị kết án trong Kevin Smith, Tusk Tusk. Cụ thể, kết luận và 20-30 phút cuối cùng của chúng ta là những gì chúng ta đang gây sốc trong cả sự tàn bạo và tác động cảm xúc của nó, một nghiên cứu trường hợp thân mật về rối loạn chức năng gia đình được thúc đẩy bởi thời gian thay đổi và tính không thực tế của các truyền thống cổ xưa duy trì chúng ta. Nhìn quá gần, và cuối cùng bạn sẽ đặt câu hỏi về thói quen gia đình của riêng bạn. Voijim Vorel

51. Scream, 1996

Giám đốc: Wes Craven Wes Craven

Trước khi bộ phim đáng sợ hoặc một ngôi nhà ma ám thậm chí còn là những ý tưởng xấu, Wes Craven đã tạo ra một số châm biếm kinh dị hay nhất hiện có. Và mặc dù một phần của sự quyến rũ của Scream, là ranh mãnh của nó, nhưng công bằng với thể loại này, nhưng điều đó đã khiến đạo diễn không mơ thấy một số cảnh dao trên con người tàn bạo nhất trong thập niên 90. Với sự ra đời của kẻ giết người Ghost Ghost Face, Craven đã đưa khán giả vào một cuộc hành trình thông qua fandom kinh dị, thực hiện các thủ thuật quá common của thương mại trở thành một yếu tố chính cho sự sống còn: tình dục bằng cái chết, không uống hoặc làm ma túy, Đừng bao giờ nói "Tôi sẽ trở lại ngay." Với một dàn diễn viên Crossover của Neve Campbell, Courteney Cox, David Arquette, Matthew Lillard, Rose McGowan và Drew Barrymore (OK, trong 10 phút), Scream đã đến với một thể loại mệt mỏi thông minh. Đó là bộ phim đầu tiên thuộc loại này, nhưng đây là bộ phim đầu tiên được một khán giả khổng lồ nhìn thấy, đã đi một chặng đường dài trong việc nâng cao thể loại IQ của người hâm mộ kinh dị trung bình. Cấmtyler Kane

50. Orphanage, 2007

Giám đốc: J.A. Bayona J.A. Bayona

Có vẻ an toàn khi nói rằng đạo diễn J.A. Bayona đã bị ảnh hưởng nhiều hơn một chút bởi Guillermo del Toro, The Devil, Backbone khi anh đặt ra trại trẻ mồ côi, nhưng bộ phim cũng truyền tải một thương hiệu kinh dị gothic, trang nghiêm hơn là chủ nghĩa hiện thực đầy bụi bặm, tồi tệ của câu chuyện ma chiến Tây Ban Nha. Ở đây, chúng ta có một cái gì đó với một chút vĩ đại hơn một chút, một biệt thự bên bờ biển đổ nát sẽ không còn vị trí nếu nó không có một con ma. Belén Rueda thật tuyệt vời khi Laura, một người phụ nữ chuyển đến trại trẻ mồ côi, nơi cô lớn lên cùng chồng và con trai nhỏ, trước khi bị lôi kéo vào lịch sử bí mật của cả ngôi nhà và những đứa trẻ mồ côi khác đã từng sống ở đó cùng với cô. Cảm xúc sâu sắc và mong muốn không thể bảo vệ những người thân yêu khỏi bộ phim không thể tránh khỏi, nhưng một khi những linh hồn không ngừng nghỉ của ngôi nhà trở nên hoạt động, nó cũng khá lạnh. Tomás (Oscar Casas), cậu bé bị bao tải trong bao tải mà bạn không nghi ngờ gì khi nhìn thấy trên bìa DVD của trại trẻ mồ côi, cắt một hình ảnh mang tính biểu tượng giữa những con ma trẻ em, nhưng nó lại không thấy những thứ khiến cho trại trẻ mồ côi lạnh lùng. Khung cảnh có sự tái hiện của trò chơi gõ cửa từng được chơi bởi những đứa trẻ mồ côi gần như không thể chịu đựng được. Voijim Vorel

49. Đôi mắt không có khuôn mặt, 1960

Giám đốc: Georges Franju Georges Franju

Tôi nhớ đã nhìn thấy màn trình diễn édith SCOB đầu tiên của tôi vào năm 2012, khi Leos Carax, Holy Holy Motors tìm đường đến bờ biển Hoa Kỳ và làm tan chảy não đậu của tôi bằng cách nói về bình luận siêu thực của nó. Tôi cũng nhớ Scob đã tặng một mặt nạ Seafoam, từng chút trống rỗng và thiếu thể hiện như Michael Myers, trong bộ phim kết thúc, và nghĩ cho bản thân tôi, Gee Gee, chơi như Gangbuster trong một bộ phim kinh dị.

Thật là một thằng ngốc: Vào thời điểm Holy Motors của tôi xem, SCOB đã xuất hiện trong bộ phim đó, đôi mắt của Georges Franju mà không có khuôn mặt, một bộ phim băng giá, thơ mộng và đáng yêu về một người phụ nữ và nhà khoa học/kẻ giết người hàng loạt của cô ấy Bố, người chỉ muốn bắt cóc những cô gái trẻ có chung đặc điểm trên khuôn mặt với hy vọng ghép làn da của họ lên chiếc cốc bị biến dạng của chính mình. . Đôi mắt không có khuôn mặt được chơi chỉ trong sổ đăng ký đúng đắn, đồi trụy và thân mật vì những câu chuyện kinh dị thô lỗ nhất có xu hướng; Nếu Franju nhận được hầu hết các khoản tín dụng cho điều đó, ít nhất là lưu một phần cho SCOB, có đôi mắt là hiệu ứng đặc biệt tốt nhất trong các tiết mục của bộ phim. Hers là một màn trình diễn bắt nguồn ngay từ linh hồn. Tiếng crump

48. Hậu duệ, 2005

Giám đốc: Neil Marshall Neil Marshall

Tình bạn thực sự hoặc các mối quan hệ phức tạp giữa các nhân vật nữ không phải là rất nhiều điều hiếm hoi trong rạp chiếu phim kinh dị vì nó không có chức năng, đó là một trong những điều vẫn khiến người đi xuống, về một nhóm phụ nữ chiến đấu với quái vật trong hang động, đứng Ra ra rất mạnh, 12 năm sau khi nó đến. Nhưng ah, làm thế nào những người gốc vượt qua bản tóm tắt một câu. Bộ phim nửa đầu được cố tình tạo ra để lấp đầy tính cách của phụ nữ, trong khi chậm chạp và gần như không thể nhận ra cảm giác sợ hãi và báo trước. Khi những người phụ nữ đi sâu hơn vào hang động, các lối đi trở nên chặt chẽ hơn và chính khán giả có thể cảm nhận được sự sợ hãi và ẩm ướt leo vào xương của họ và trước khi chúng ta thấy bất kỳ troglodytes nào. Kịch bản của Neill Marshall, sử dụng thành thạo đạo đức đáng ngờ, truyền tải các nhân vật chính của mình, đặc biệt là bộ đôi của Sarah (Shauna MacDonald) và Juno (Natalie Mendoza), với nhiều sắc thái màu xám. Không có nội dung chỉ đơn giản là vẽ một trong hai cái như thiếu sót và cái còn lại là tháo vát và cuối cùng được minh oan, anh ta sử dụng một loạt các hiểu lầm để minh họa cho con người thất bại ở mức độ sâu sắc và phổ quát hơn nhiều. Cuối cùng, dòng dõi là một nghiên cứu nhân vật vì nó là tính năng sinh vật dưới lòng đất đáng sợ, với một địa ngục của một kết thúc để khởi động. Voijim Vorel

47. Videodrom, 1985

Giám đốc: David Cronenberg David Cronenberg

Videodrom mặc nhiều skin: đó là một bộ phim kinh dị gần trong tương lai về ranh giới giữa người đàn ông và máy làm mờ, một ảo mộng buồn bã, một biên niên sử của một người đàn ông bi thảm trở nên điên rồ và thậm chí là một cuộc tranh luận chống lại mối quan hệ lạm dụng của xã hội với bạo lực sân khấu. Tuy nhiên, hơn bất kỳ lớp hạ bì nào mà nó tuyên bố là của riêng mình, videodrom là kinh dị cho đến xương của nó, một mảnh vỡ của hưng cảm phantasmagorical được sử dụng bởi thể loại bậc thầy não nhất. Tâm trí là nơi Cronenberg creeps, đưa trí tưởng tượng của mình đi lang thang đen tối nhất, bước vào trong biểu tượng và mảnh vụn tiềm thức của Hồi giáo đối với các thái cực. Điều tương tự cũng có thể nói đối với người bán hàng rong Max Renn (The luôn đổ mồ hôi James Woods), người quản lý một kênh truyền hình cáp dành cho việc tìm kiếm giải trí phá vỡ ranh giới mới, người vấp ngã tín hiệu phát sóng điện với sự tra tấn đồ họa và cái chết. Như những giấc mơ đen tối của Cronenberg có xu hướng thực hiện, thì Videodrom, bắt đầu làm cong vênh thực tế của Renn, như một tập phim giải thích cho anh ta, là màn hình truyền hình và các lực lượng xấu xa đằng sau Videodrom, thuyết phục anh ta đi trên một vụ giết người, Được trang bị bàn tay cyborg đột biến mới được phát triển của mình, có thể là ảo giác nhưng có lẽ không. Trong suốt, Cronenberg đã hiểu biết về những suy nghĩ thô thiển nhất của Renn, mở ra một lỗ âm đạo trong bụng (trong đó anh ta mặn được khẩu súng ngắn của mình) hoặc biến truyền hình của mình thành một cơ quan có động vật, thể hiện từng tầm nhìn khải huyền với thực tế xúc giác, ngay lập tức. Trong videodrom, có thể nổi bật hơn bất kỳ bộ phim nào khác của anh ấy, Cronenberg ép các thử thách của tâm trí ngủ gật như kem đánh răng từ ống vào ánh sáng kinh tởm trong ngày, không thể đẩy chúng trở lại. Không thể giữ chúng tôi lại với nhau. SINHDOM Sinacola

46. ​​Chủ nhật đen, 1960

Giám đốc: Mario Bava Mario Bava

Sau nhiều năm, dành cho tư cách là một nhà quay phim và (đôi khi không được công nhận) đồng đạo diễn trong một loại sản phẩm kinh dị và kinh phí từ trung bình đến thấp, Mario Bava đã nổ ra một cách lớn với Chủ nhật đen. Một cách lỏng lẻo (và ý tôi là một cách lỏng lẻo) dựa trên một câu chuyện ngắn của Nikolai Gogol, bộ phim tập trung vào sự phục sinh của một con ma cà rồng thế kỷ 17 (Barbara Steele) và Paramour (Arturo Dominici) của cô khi họ tìm cách trả thù con cháu của anh trai người đã xử tử cô ấy. Được thiết kế như một sự trở lại cho các bộ phim Monster Universal của những năm 1930, Black Sunday đã thu hút những tranh cãi quan trọng cho một số chuỗi khủng khiếp (bao gồm, nhưng không giới hạn, việc thực hiện mặt nạ tử thần gai nhọn và một khoảnh khắc mà một cây thánh giá bị đâm qua mắt). Đương nhiên, kiểu nổi tiếng này chỉ làm tăng sự nổi tiếng của bộ phim. Mặc dù thời gian đã giảm bớt tác động của các cảnh Gorier, bộ phim vẫn có một cú đấm lớn với bầu không khí ác mộng của nó, được nhấn mạnh hơn nữa bởi nhiếp ảnh đen trắng sống động và thiết kế sản xuất nổi bật. Một ảnh hưởng đến các nhà làm phim từ Tim Burton đến Francis Ford Coppola, Chủ nhật đen vẫn là một con thú cao chót vót trong lịch sử của thể loại kinh dị. —Cark Rozeman

45. Don’t Look Now, 1973

Director: Nicolas Roeg

Don’t Look Now is one of cinema’s great treatises on grief that falls within the realm of horror cinema, an emotionally devastating film that likewise functions as a masterclass on the use of visual and aural leitmotifs. After a married couple (Julie Christie and a typically unhinged Donald Sutherland) loses their sole daughter to a drowning accident, they travel abroad while trying unsuccessfully to cope with the loss, until the wife is contacted by a psychic who claims to be able to speak with their deceased daughter. What follows is a descent down a rabbit hole of faith, doubt and precognition, which tests the limits of Sutherland’s character’s sanity in particular. Highly atmospheric, and making spectacular use of the natural canals and bridges of Venice, Don’t Look Now winds through dark streets both visually and symbolically in search of answers to its burning questions. Famous in its time for a fairly explicit sex scene that has long since been surpassed by modern cinema, Don’t Look Now instead deserves to be remembered for its performance by Sutherland as the truth-seeking father, which slowly ramps up into a conclusion that will haunt your nightmares. If ever I have beseeched you to not spoil a film’s ending, it is now. —Jim Vorel

44. Repulsion, 1965

Director: Roman Polanski

Roman Polanski’s landmark psychological horror was the start of his so-called “apartment trilogy,” which also contained Rosemary’s Baby and The Tenant, but Repulsion is the most stark and intimate of the three. We spend much of the film with a single woman, Carole (Catherine Deneuve), cloistered in a cracking, crumbling apartment that represents the slow erosion of her sanity. Carole is disgusted—repulsed—by modern society, sexuality and the shallowness of interpersonal relationships, relying on her sister’s presence to get by and keep her grounded. But when her sister leaves on an extended trip to Italy, Carole’s fragile ties to reality quickly become unmoored. Repulsion’s minimal plot moves glacially, taking quite a long while to reach a conclusion that viewers will be aware from the beginning is headed their way. But at the same time, the dream sequences and hallucination scenes are the stuff of nightmares, a sort of evolution of the expressionist horror of The Cabinet of Dr. Caligari and others that deftly use both imagery and especially sound design to slowly ratchet up the intensity. It’s not a horror film for the multiplex crowd, but students of film will find something in Repulsion that sticks with them for a long time. —Jim Vorel

43. The Fly, 1958, 1986

Directors: Kurt Neumann (1958) and David Cronenberg (1986)

Between The Blob, The Thing and The Fly, the ’80s were a magical decade for remaking already iconic ’50s horror/sci-fi movies. The original Kurt Neumann/Vincent Price version of The Fly is sometimes waved away as nothing more than a “camp classic,” but it’s a substantial film that is often more mystery than it is horror—a tightly focused narrative hinging around the question of why a woman has confessed to messily crushing her husband to death in a hydraulic press. Vincent Price is as entertaining as the fly-crossed scientist as you would no doubt expect him to be. The Cronenberg version, like the remake of The Blob, takes that basic premise and dresses it in both gallows humor and body horror, as Jeff Goldblum’s researcher literally watches pieces of his body gelatinize and melt away in front of him. As “Brundle” he’s great, full of manic energy, ingenuity and eventually insectoid-enhanced physicality. Along with The Thing, the film is one of the last great hurrahs of the practical effects-driven horror era, featuring some of the more disgusting makeup and gore effects of all time. After seeing a man-sized Brundlefly vomiting acid, it’s difficult to ever look at a common housefly in the same way again. —Jim Vorel

42. Carrie, 1976

Director: Brian De Palma

The tropes and individually famous scenes of Carrie are so ingrained into our pop cultural consciousness that one might not even really need to see the original film to understand what makes it significant. But Carrie is much more than a precariously balanced bucket of pig’s blood: De Palma’s classic vacillates between darkly humorous and legitimately disturbing, mean-spirited and cruel, with a tone set immediately by what happens to poor Carrie White (Sissy Spacek) in her high school’s locker room. Rarely has abject terror and helplessness been so perfectly captured, Spacek desperately, pathetically clinging to her classmates in terror of her first menstruation, only to be derided and pelted with tampons as she lies in a screaming heap. There’s simply no coming back from the kinds of humiliations she suffers, and none of her peers care to find out that Carrie’s home life is even more abusive. Spacek was rightly rewarded with an Oscar nomination for her performance in this, the first film adaptation of a Stephen King work, as was Piper Laurie as her mother—this is back in the ’70s when not one but two actresses from a horror film could actually receive Academy Award nominations (my how things have changed). Carrie is a brisk film which thrives on those two strong, central performances, building to the gloriously cathartic orgy of revenge we all know is coming. Still, there’s joy in watching the irritating P.J. Soles get bumped off yet again. —Jim Vorel

41. Đằng sau mặt nạ: Sự trỗi dậy của Leslie Vernon, 2006

Giám đốc: Scott Glosserman Scott Glosserman

Trong những năm sau Scream, không thiếu những bộ phim đang cố gắng giải mã tương tự của thể loại kinh dị, nhưng ít người xứng đáng được nhắc đến trong cùng một hơi thở với sự hình sự phía sau mặt nạ. Diễn ra trong một thế giới nơi những kẻ giết người siêu nhiên như Jason Voorhees và Freddy Krueger thực sự tồn tại, người lừa đảo này đi theo một anh chàng tên Leslie Vernon (Nathan Baesel), người mơ ước trở thành kẻ giết người tâm lý vĩ đại tiếp theo. Khi làm như vậy, nó cung cấp câu trả lời và cái nhìn sâu sắc về hàng tá bộ phim kinh dị nhiệt đới và sáo rỗng, như: Làm thế nào để tàu sát thủ? Làm thế nào để anh ta chọn nạn nhân của mình? Làm thế nào anh ta có vẻ ở hai nơi cùng một lúc? Nó là một bức thư tình xuất sắc, xoắn cho thể loại này cũng phát triển một sự thay đổi phong cách bất ngờ ngay khi bạn nghĩ rằng bạn biết mọi thứ đang hướng đến đâu. Và, mặc dù thiếu sức mạnh ngôi sao, đằng sau chiếc mặt nạ tự hào với hàng tấn khách mời từ các ngôi sao kinh dị: Robert Englund, Kane Hodder, Zelda Rubinstein và thậm chí cả The Walking Dead Scott Scott Wilson. Mọi người, và ý tôi là mọi người hâm mộ kinh dị cần phải nhìn thấy phía sau mặt nạ. Đó là tội phạm mà Glosserman chưa bao giờ quản lý để cùng nhau theo dõi phần tiếp theo thích hợp, nhưng một loạt truyện tranh do người hâm mộ tài trợ đã nâng cao mục tiêu của mình trên Indiegogo vào tháng 5, vì vậy có lẽ nó vẫn có thể. Voijim Vorel

40. Evil Dead 2, 1987

Giám đốc: Sam Raimi Sam Raimi

Nhìn bề ngoài, Evil Dead 2 về cơ bản là một bản làm lại của Evil Dead đầu tiên năm 1981: Sam Raimi quay trở lại với một ý tưởng mà anh ấy rất thích với một ngân sách lớn hơn và nhiều kinh nghiệm hơn để có được nó ngay lập tức bằng cách tăng cường ante của bản gốc. Nhưng Raimi cũng cung cấp một số điều chỉnh làm thay đổi căn bản bản chất và giai điệu của bộ phim đầu tiên, thay đổi công thức từ kinh dị của Hồi với những khoảnh khắc hài hước của hài kịch đen thành một sự pha trộn hơn cả của cả hai điều đó vẫn không tiết kiệm được sự sợ hãi hay can đảm. Bruce Campbell khi Ash đi từ việc trở thành một cô gái cuối cùng thụ động của người Hồi giáo trong bộ phim đầu tiên đến một anh hùng khôn ngoan, có khả năng hơn nhiều Buổi biểu diễn, giúp biến Evil Dead 2 trở thành một trong những bộ phim kinh dị có nhịp độ chặt chẽ nhất từ ​​trước đến nay. Nó không lãng phí thời gian, đi thẳng vào bạo lực truyện tranh của nó trong vòng 10 phút đầu tiên và không bao giờ buông xuôi. Nó là một bộ phim cho thấy thái độ thay đổi đối với zombie, tại thời điểm này vào cuối thập niên 80, nó trở nên hiếm khi zombie được coi là đơn giản là đáng sợ. Ngày càng thường xuyên hơn, họ thay vào đó được kết hợp vào các bộ phim hài và phim hành động Madcap à la Evil Dead, và đây là một xu hướng tiếp tục qua những năm 90. Voijim Vorel

39. Babadook, 2014

Giám đốc: Jennifer Kent Jennifer Kent

Phân loại ra mắt tính năng của Jennifer Kent, The Babadook, là khó khăn. Rõ ràng đây là một bộ phim kinh dị, những thứ đáng sợ xảy ra ở quy mô leo thang, vì vậy, Kent Kent Tale về một người mẹ đơn thân Mối quan hệ với con trai nhỏ với các thẻ thể loại có vẻ như là một bước đi hoàn toàn hợp lý. Nhưng Babadook rất nhiều lớp, rất phức tạp và chỉ là một vị thần kịch tính để phân loại nó hoàn toàn cảm thấy bị thu hẹp đến mức xúc phạm. Có một sự phân chia lớn giữa những gì Kent đã làm ở đây và những gì hầu hết chúng ta coi là kinh dị. Bạn sẽ dành tuần đầu tiên sau khi trải nghiệm ngủ với đèn sáng. Bạn cũng sẽ trở nên phong phú và khiêu khích. Kent, nữ diễn viên đã trở thành nữ diễn viên người Úc đã làm một bộ phim về thời thơ ấu, về tuổi trưởng thành và về những nỗi sợ hãi dai dẳng khiến chúng ta phải săn lùng chúng ta từ thời kỳ này sang giai đoạn tiếp theo. Có một con quái vật trong tủ quần áo và dưới giường, và trong Armoire, và trong tầng hầm, nhưng bộ phim mối quan tâm của con người là tình cảm trong tự nhiên. Họ không được hỗ trợ bởi cái ác phù du ẩn nấp trong những nơi tối tăm của các nhân vật của nó, tất nhiên; Trải qua chấn thương cá nhân là đủ một việc vặt khi bạn không bị người đàn ông theo dõi. Tiếng crump

38. Quỷ, 1985

Giám đốc: Lamberto Bava Lamberto Bava

Sự nghiệp của Lamberto Bava, với tư cách là một Maestro kinh dị của Ý đã chọn ngay nơi những bộ phim GIALO ướt đẫm máu của cha mình, Mario Bava, đã rời đi. Demons, tác phẩm tốt nhất của anh ta, bắt được một số thể loại khác nhau ở một ngã tư thú vị. Ở một cấp độ nào đó, những con quỷ của nó nhắc nhở về Sam Raimi, người chết trong Evil Dead, cũng như khiếu hài hước bệnh hoạn của nó. Tuy nhiên, đồng thời, nó cũng mắc nợ bộ phim Zombie cổ điển, và sự phá hoại của quỷ được truyền tải theo cách tương tự. Cốt truyện liên quan đến một rạp chiếu phim bị quỷ bao vây trong buổi chiếu phim kinh dị, trong một cấu trúc bắt chước đêm của người chết sống. Cho rằng nó là một sản phẩm của Ý, người ta có thể mong đợi một số tác phẩm nghệ thuật của Lucio Fulci, nhưng quỷ cảm thấy như một tác phẩm phương Tây hơn, nhiều tác phẩm của Mỹ: điên cuồng, vui vẻ và giải trí không ngừng. Nó không phải là một bộ phim có khát vọng nghệ thuật, nhưng nó là một thời điểm tốt đẹp cho những người yêu thích sự dư thừa của những điều kinh dị của thập niên 80. Voijim Vorel

37. Halloween, 1978

Director: John Carpenter

For students of John Carpenter’s filmography, it is interesting to note that Halloween is actually a significantly less ambitious film than his previous Assault on Precinct 13 on almost every measurable level. It doesn’t have the sizable cast of extras, or the extensive FX and stunt work. It’s not filled with action sequences. But what it does give us is the first full distillation of the American slasher film, and a heaping helping of atmosphere. Carpenter built off earlier proto-slashers such as Bob Clark’s Black Christmas in penning the legend of Michael Myers, an unstoppable phantom who returns to his hometown on Halloween night to stalk high school girls (the original title was actually The Babysitter Murders, if you haven’t heard that particular bit of trivia before). Carpenter heavily employs tools that would become synonymous with slashers, such as the killer’s POV perspective, making Myers into something of a voyeur (he’s just called “The Shape” in the credits) who lurks silently in the darkness with inhuman patience before finally making his move. It’s a lean, mean movie with some absurd characterization in its first half (particularly from the ditzy P.J. Soles, who can’t stop saying “totally”) that then morphs into a claustrophobic crescendo of tension as Jamie Lee Curtis’ Laurie Strode first comes into contact with Myers. Utterly indispensable to the whole thing is the great Donald Pleasance as Dr. Loomis, the killer’s personal hype man/Ahab, whose sole purpose in the screenplay is to communicate to the audience with frothing hyperbole just what a monster this Michael Myers really is. It can’t be overstated how important Pleasance is to making this film into the cultural touchstone that would inspire the early ’80s slasher boom to follow. —Jim Vorel

36. The Witch, 2016

Director: Robert Eggers

From its first moments, The Witch strands us in a hostile land. We watch (because that’s all we can do, helplessly) as puritan patriarch William (Ralph Ineson) argues stubbornly with a small council, thereby causing his family’s banishment from their “New England” community. We watch, and writer-director Robert Eggers holds our gaze while a score of strings and assorted prickly detritus—much like the dialogue-less beginning to There Will be Blood —rise to a climax that never comes. It’s a long shot, breathing dread: The wagon lurches ever-on into the wilderness, piling the frontier of this New World upon the literal frontier of an unexplored forest. It’s 1620, and William claims, “We will conquer this wilderness.” Eggers’ “New England Folk Tale” is a horror film swollen with the allure of the unknown. To say that it’s reminiscent of the Salem Witch Trials, which take place 70 years after the events in the film, would be an understatement—the inevitable consequences of such historic mania looms heavily over The Witch. All of this Eggers frames with a subconscious knack for creating tension within each shot, rarely relying on jump scares or gore, instead mounting suspense through one masterful edit after another. The effect, then, is that of a building fever dream in which primeval forces—lust, defiance, hunger, greed—simmer at the edges of experience, avoided but never quite conquered. But what’s most convincing is the burden of puritanical spirituality which blankets the film’s every single moment, a pall through which every character—especially teenage Thomasin (Anya Taylor Joy)—struggles to be, simply, a regular person. There is no joy in their worship, there is only gravitas: prayers, fasting, penitence and fear. And it’s that fear which drives the film’s horror, which eventually makes even us viewers believe that, at the fringes of civilization, at the border of the unknown, God has surely abandoned these people. —Dom Sinacola

35. Night of the Living Dead, 1968

Director: George A. Romero

What more can be said of Night of the Living Dead? It’s pretty obviously the most important zombie film ever made, and hugely influential as an independent film as well. George Romero’s cheap but momentous flick was a quantum leap forward in what the word “zombie” meant in pop culture, despite the fact that the word “zombie” is never actually uttered in it. More importantly, it established all of the genre rules: Zombies are reanimated corpses; zombies are compelled to eat the flesh of the living; zombies are unthinking, tireless and impervious to injury; the only way to kill a zombie is to destroy the brain. Those rules essentially categorize every single zombie movie from here on out—either the film features “Romero-style zombies,” or it tweaks with the formula and is ultimately noted for how it differs from the Romero standard. Night of the Living Dead is essentially the horror equivalent of what Tolkien did for the idea of high fantasy “races.” After The Lord of the Rings, it became nearly impossible to write contrarian concepts of what elves, dwarves or orcs might be like. There hasn’t been a zombie movie made in the last 48 years that hasn’t been influenced by Romero in some way, and you can barely hold a conversation on anything zombie-related if you haven’t seen it—so go out and watch it, if you haven’t. The film still holds up well, especially in its moody cinematography and stark, black-and-white images of zombie arms reaching through the windows of a rural farmhouse. Oh, and by the way: NOTLD is public domain, so don’t get tricked into buying it on a shoddy DVD. —Jim Vorel

34. Nội các của Tiến sĩ Caligari, 1920

Giám đốc: Robert Wiene Robert Wiene

Tác phẩm tinh túy của chủ nghĩa biểu hiện Đức, theo toàn bộ phong cách điện ảnh, nội các của Tiến sĩ Caligari được Roger Ebert mô tả là bộ phim kinh dị thực sự đầu tiên của Hồi Tuy nhiên, trong cùng một tĩnh mạch với Nosferatu, bảng màu hình ảnh tuyệt vời của nó ngay lập tức là biểu tượng: các tòa nhà không thể trong các góc độ không thể và ánh sáng chơi những mánh khóe kỳ lạ là những cái bóng đó có thật, hoặc được vẽ trực tiếp lên bộ? Câu chuyện xoay quanh một nhà thôi miên điên rồ (Werner Krauss), người sử dụng một người ngủ mộng ngủ (Conrad Veidt) làm sát thủ cá nhân của anh ta, buộc anh ta phải tiêu diệt kẻ thù vào ban đêm. Bộ phim có thiết kế sáng tạo và suy nghĩ tự do đáng kinh ngạc đã có ảnh hưởng không thể xóa nhòa đối với mọi cảnh quan tưởng tượng được miêu tả trong gần 100 năm kể từ đó. Bạn chỉ đơn giản là có thể yêu cầu một sự đánh giá cao về nguồn gốc của điện ảnh mà không xem bộ phim. Voijim Vorel

33. Ý thức thứ sáu, 1999

Giám đốc: M. Night Shyamalan M. Night Shyamalan

Với những màn trình diễn tuyệt vời của Bruce Willis và Haley Joel Osment, cùng với một bầu không khí lạnh lùng hợp pháp, giác quan thứ sáu không có gì là một hiện tượng khi nó đạt được đa kênh vào năm 1999. bị khóa trong một hộp với một con ma lạm dụng đến những khoảnh khắc nhỏ (tôi luôn tìm thấy cảnh tất cả các tủ bếp và ngăn kéo mở cùng một lúc trong khi ngoài màn hình đặc biệt hiệu quả). Tuy nhiên, dù tốt hay xấu hơn, đây là bộ phim xác định về sự nghiệp của M. Night Shyamalan, và thành công của nó là một thanh kiếm hai lưỡi: nó ban cho nhãn hiệu đạo diễn trẻ rực rỡ trên anh ta, nhưng cũng có phong cách cá nhân của anh ta như một nhà văn Trong phạm vi mà năm tính năng tiếp theo của anh ta ít nhất đều được định hình lại bởi các dư chấn của giác quan thứ sáu. Hiếm khi có nguy cơ thành công được minh họa rõ ràng cho một nghệ sĩ, Shyamalan đã tạo ra một bộ phim đáng sợ vẫn còn cho đến ngày nay, và sau đó dành phần lớn thập kỷ tiếp theo để theo đuổi thành tích tương tự với lợi nhuận giảm nhanh mà chỉ được phục hồi gần đây với những người thích gần đây của sự chia rẽ. Voijim Vorel

32. Xương sống quỷ dữ, 2001

Giám đốc: Guillermo del Toro Guillermo Del Toro

Guillermo del Toro, Pan Pan Labyrinth đã được tổ chức rộng rãi như một trong những kiệt tác giả tưởng tiếng Tây Ban Nha, những bộ phim có bộ phim kinh dị trước đó của người Tây Ban Nha Trong bối cảnh tương tự của Nội chiến Tây Ban Nha, và một lần nữa được kể từ quan điểm của một đứa trẻ (Fernando Tielve), xương sống của Quỷ dữ ít hơn về việc thoát khỏi một thế giới kinh hoàng thông qua trí tưởng tượng hoặc sự tồn tại của một cõi Faerie, và nhiều hơn nữa về việc đối mặt với những nỗi kinh hoàng cá nhân đó trong sự khắc nghiệt của thực tế và với tất cả những hạn chế của việc gần như bất lực. Santi, con ma trẻ ám ảnh trại trẻ mồ côi Tây Ban Nha này, là một bí ẩn, một mật mã có ham muốn xa lạ với chúng tôi, lồn như nước ma quái liên tục khóc khỏi vết thương. Dần dần tăng cường sự căng thẳng khi một quả bom chưa nổ từ cuộc chiến vui vẻ đánh bại trong sân như một vật kỷ niệm còn sống của bạo lực xung quanh họ, xương sống của quỷ dữ kết hợp một số nỗi sợ hãi, ma quái của J.A. Bayona, trại trẻ mồ côi với cảm giác bí mật và hiệp ước thời thơ ấu mà Del Toro hiểu rất rõ (một vị vua LA Stephen). Nó vẫn là bộ phim kinh dị thuần khiết nhất của anh ấy. Voijim Vorel

31. A Nightmare on Elm Street, 1984

Giám đốc: Wes Craven Wes Craven

Trong số Big Three Slasher nhượng quyền thương mại, Halloween, Thứ Sáu ngày 13 và điều này, đó là cơn ác mộng trên đường Elm đã giới thiệu cho chúng tôi những phần lớn nhất và hoàn chỉnh nhất trong các phần gốc. Không còn nghi ngờ gì nữa, đây là yếu tố là người cuối cùng xuất hiện, vì Wes Craven đã có cơ hội xem và bị ảnh hưởng bởi người thợ mộc đang nghiền ngẫm và Cickyham không biết xấu hổ và khó tính hơn nhiều trong một số phần tiếp theo của F13. Những gì nổi lên từ những người có ảnh hưởng đó là một kẻ giết người đã chia sẻ sự không thể phá hủy của Myers hoặc Voorhees, nhưng với một bước ngoặt của sự hài hước bị mất trí nhớ của chính Craven. Điều đó không có nghĩa là Freddy Krueger (Robert Englund) là một diễn viên hài, ít nhất là không ở đây trong cơn ác mộng đầu tiên, nơi anh ta được trình bày như một mối đe dọa nghiêm trọng và là một mối đe dọa thực sự đáng sợ ở đó, thay vì sự tự nhại mà anh ta sẽ trở thành trong phần tiếp theo Chẳng hạn như cơn ác mộng cuối cùng, nhưng cách tiếp cận vui vẻ của anh ta đối với giết người và sự hài hước sau đó làm cho một giống kẻ giết người siêu nhiên rất khác, và một loại đã chứng minh cực kỳ có ảnh hưởng trong những kẻ chém sau đêm. Tiền đề đơn giản của bộ phim khai thác vào sự khủng khiếp của thực tế mơ ước và nghi vấn giống như một món quà từ các vị thần được trình bày trực tiếp cho các nghệ sĩ và thiết kế, được đưa thể loại đến điểm đó. Nó là một phantasmagoria của sự hài hước bệnh hoạn và những giấc mơ xấu. Voijim Vorel

30. Hellraiser, 1987

Giám đốc: Clive Barker Clive Barker

Nhân vật phản diện/anh hùng cuối cùng (có một số lượng lớn các phần tiếp theo của Hellraiser khủng khiếp) sau nhượng quyền thương mại Clive Barker, Hellraiser là Pinhead Cenobite, được gửi từ các hố của chiều địa ngục cá nhân của anh ta để kéo bạn xuống sâu với anh ta. Nơi anh ta tra tấn bạn. Cho Vĩnh cửu. Tất cả chỉ vì bạn đã mở một khối Rubik Fancy. Pinhead không hối hận, nhìn vào mắt bạn khi anh ấy thực hiện một lời hứa chết người để xé toạc tâm hồn bạn. Như trong tiểu thuyết của mình, những nỗi ám ảnh của Clive Barker, với sự đối ngẫu của nỗi đau và niềm vui được thể hiện đầy đủ trong phiên bản phim của Hellraiser, một câu chuyện khó hiểu về tình yêu và nỗi ám ảnh bệnh hoạn. Barker chưa bao giờ hoàn toàn xoay sở để đứng đầu hồi hộp nội tạng của người này, với Ashley Laurence mang đến một màn trình diễn của cô gái cuối cùng luôn luôn tháo vát nhất. Cấmrachel Haas

29. The Wicker Man, 1973

Giám đốc: Robin Hardy Robin Hardy

Người đàn ông wicker nguyên bản, một bộ phim người Anh được phát hành năm 1976, là một câu chuyện kinh dị mới độc đáo với điện ảnh ám ảnh và một bản nhạc đáng sợ sâu sắc. Bộ phim đã khám phá chính trị giới và tình dục theo cách mà chỉ những bộ phim kinh dị của thập niên 1970 thực sự có thể, kết hợp tình ái với bạo lực với người xem tiêu chuẩn và kinh hoàng. Diễn xuất là đỉnh cao, với nhân vật chính của Edward Woodward, Trung sĩ Howie và Christopher Lee, Lord Lord Summerisle ăn cắp màn hình. Woodward quản lý để miêu tả một nhân vật trinh nữ, công bình quá mức theo cách vừa thông cảm vừa kích thích tư duy. Và tất cả xây dựng đến một kết luận phải được coi là một trong những gây sốc nhất trong thời đại của nó. CấmDanielle Ryan

28. The Changeling, 1980

Giám đốc: Peter Medak Peter Medak

George C. Scott Tempers khả năng tự nhiên của anh ấy để đóng vai một nhà soạn nhạc u sầu đau buồn cho người vợ và con gái mới chết của anh ấy trong bộ phim Haunted House của Peter Medak, và Whodunit siêu nhiên. Được mệnh danh là một trong những bộ phim đáng sợ nhất mọi thời đại của Martin Scorsese, The Changeling đã giải quyết nỗi kinh hoàng trong các cuộc tấn công, với Medak chơi hết nỗi sợ hãi về những điều chưa biết với độ chính xác của một Maestro kinh dị. . che đậy, và quyền lực nắm giữ một cách quái dị nhân danh lợi ích tài chính. Sự thay đổi có thể là một chương trình giới thiệu cho một cựu chiến binh từ tính dễ dàng, nhưng nó cũng là một phim kinh dị bí ẩn thu hút khi nó sợ hãi. Những gì bắt đầu khi một câu chuyện nhà ma ám khác kết thúc như một bình luận về lịch sử của nước Mỹ: một quốc gia được xây dựng không chỉ về công việc khó khăn, mà còn về sự hy sinh máu và không phải là người anh hùng. Mạnhbrogan Morris

27. Suspiria, 1977

Giám đốc: Dario Argento Dario Argento

Dario Argento, 1977 Suspiria là bộ phim được đạo diễn nhất, nhưng nó cũng là tác phẩm không điển hình nhất của ông. Không giống như phần còn lại của bộ phim thời kỳ đỉnh cao của anh ấy (phần tiếp theo trực tiếp năm 1980 của nó ngoại trừ), nó không hoàn toàn là một Giallo, những người bí ẩn giết người khốn khổ của Ý đã xuất hiện vào giữa thế kỷ 20, nhưng thay vào đó là một sự trừu tượng của thể loại, loại bỏ Lớp tường thuật thủ tục để thay thế nó bằng kỳ quan thẩm mỹ thuần túy. Rất nhiều GIALLO, như Mario Bava, hình thành, máu và ren đen năm 1964, rất tuyệt vời, nhưng Suspiria nhuốm màu huyền bí làm cho sự tuyệt đẹp của nó là mối quan tâm hàng đầu. Theo nghĩa đó, theo tinh thần, nó gần với sự uể oải gothic của bậc thầy người Pháp Jean Rollin hơn bất kỳ người chơi khăm đương đại nào. Từ bộ phim khai mạc thôi miên, theo sau Suzy Banyon (Jessica Harper) khi cô đi xe taxi qua một khu rừng hoàn hảo, khán giả bị che khuất với Goblin. Anh và Argento đã sử dụng cổ phiếu phim Technic của Imbibition (bất thường ngay cả trong năm 1977) và các kỹ thuật chiếu sáng sáng tạo để đạt được các màu đỏ, màu vàng và xanh lá cây lấy cảm hứng từ Disney của bộ phim, một bộ phim có thể nhìn thấy biểu hiện của siêu nhiên. Nói một cách dễ hiểu, khi Suzy đối mặt với nhân vật phản diện của bộ phim, Witch Helena Markos, Markos là vô hình. Chỉ có tiếng thở rầm rộ, đau đớn của cô đánh dấu sự hiện diện thể chất của cô, nhưng ảnh hưởng quỷ quyệt của cô ở khắp mọi nơi, trong mọi khung hình, nhấn chìm thế giới xung quanh cô. Argento tương tự làm hỏng cấu trúc chính thức của bộ phim: Điểm số điểm số của Goblin giữa Diegetic và không chết, trong khi các cảnh giết người trở thành sự khởi đầu bắt buộc từ thực tế. Argento sẽ tiếp tục quay phim những bí ẩn sắc nét hơn, và đào sâu vào sự điên rồ tự phản xạ, nhưng Suspiria chịu đựng như một tuyên bố thẩm mỹ tinh khiết nhất, duy nhất của anh ta. Như vậy, nó rất cần thiết. Budgor Budgor

26. Cuộc xâm lược của những kẻ giật cơ thể, 1978

Giám đốc: Philip Kaufman Philip Kaufman

Không có nhu cầu thực sự cho phần giới thiệu giới hạn tín dụng của bộ phim, một chuỗi giống như tài liệu tự nhiên, trong đó các bào tử ngoài hành tinh sẽ sớm chiếm lấy tất cả trái đất qua vũ trụ và xuống Berg thứ ba ngu ngốc của chúng ta từ mặt trời vì thời điểm này Chúng tôi gặp Thanh tra Y tế Matthew Bennell (Donald Sutherland) và đồng nghiệp mà anh ta vô vọng, Elizabeth Driscoll (Brooke Adams), thế giới mà họ đi lang thang dường như nghi ngờ. Mặc dù Philip Kaufman, bản làm lại của Don Siegel, 1956 Cuộc xâm lược của những kẻ giật cơ thể bắt đầu như một bộ phim hài lãng mạn của các loại, ping những câu chuyện khô ráo giữa những người thành thị San Franciscan khi Danny Zeitlin. Các hoạt động kỳ quặc thực hiện các nền tảng của các bức ảnh theo dõi và xe tải rác chứa đầy lông bụi kỳ lạ (mà cuối cùng chúng ta học được lan truyền các bào tử) tồn tại ở rìa màn hình. Khán giả, tất nhiên, đặt các tác phẩm lại với nhau từ lâu trước khi các nhân vật làm những nhân vật của người Viking, những người bao gồm Jeff Goldblum tại Beanpole-Iiest và Leonard Nimoy của anh ta ít nhất Biết không còn bất cứ điều gì họ hiểu, sự lo lắng sôi sục như vậy cũng lấp đầy và sau đó chiếm đoạt bộ phim. Kaufman chồng chất lên hình ảnh ngày càng nổi loạn, đáng sợ hơn cho đến khi anh ta đưa ra một cảnh quay cuối cùng ảm đạm đến mức anh ta cũng có thể chấm dứt bộ phim của mình, và tầm nhìn của anh ta về cuộc sống hiện đại, với một trận chung kết, không thể tránh khỏi vào miệng địa ngục. SINHDOM Sinacola

25. Haunting, 1963

Giám đốc: Robert Wise Robert Wise

Đạo diễn Robert Wise cố tình hy vọng trải nghiệm những hiện tượng huyền bí trong quá trình quay bộ chuyển thể từ tiểu thuyết Shirley Jackson này, và đáng thất vọng không bao giờ làm. Tuy nhiên, anh ta để lại cho người xem với một trải nghiệm tưởng tượng khá lạnh lùng và rất phong cách. Giáo sư Nhân chủng học Tiến sĩ John Markway (Richard Johnson) điều tra các báo cáo về các hiện tượng tâm linh tại biệt thự New England ma quái được gọi là Hill House. Đội của ông bao gồm hai người phụ nữ có năng khiếu nhưng rất khác biệt, Eleanor và Theodora (Julie Harris và Claire Bloom, tương ứng), cũng như hoài nghi và người thừa kế Hill House Luke Sanderson (Russ Tamblyn). Johnson và Tamblyn đều mang đến những màn trình diễn tuyệt vời, nhưng trái tim của bộ phim là diễn xuất cao thế và có độ tương phản cao của Harris và Bloom, cả hai đều phản ứng với ngôi nhà khác nhau theo những cách rất khác nhau. Wise tạo ra một tấm thảm khó chịu và hồi hộp với phong cách đạo diễn gợi ý, gợi ý, để lại rất nhiều chỗ cho suy đoán về số lượng những gì chúng ta chứng kiến ​​là thực sự huyền bí và bao nhiêu được thúc đẩy bởi nhận thức bị bóp méo của các nhân vật gặp rắc rối. Đặc biệt là Eleanor của Harris, một người chăm sóc quẫn trí tuyệt vọng để thoát khỏi nanh vuốt của gia đình hống hách của cô. Wise, cùng với nhà quay phim Davis Boulton, sử dụng các ống kính góc rộng và nhiếp ảnh hồng ngoại, cũng như những bộ cực kỳ đáng sợ, để tạo ra cảm giác phi thực tế và biến dạng; Các góc bất ngờ phục vụ để giữ cho chúng ta mất đi. Đổi lại, sự ám ảnh là một nghiên cứu gây ra sự phân biệt trong sự tách rời khỏi thực tế và triển khai sự mơ hồ. Các hiện tượng ma quái có thể là có thật hoặc có thể nằm trong đầu các nhân vật, và cảm giác không chắc chắn là điều tạo ra sự khó chịu sâu sắc. Glynn Glynn

24. Peeping Tom, 1960

Giám đốc: Michael Powell Michael Powell

Ở một khía cạnh, Michael Powell, nhìn trộm Tom là một bộ phim tỉ mỉ, con người, chu đáo về cơ học và những xung động cảm xúc thúc đẩy quá trình làm phim. Trong một cách khác, nó là một kẻ đánh dấu sẹo về một kẻ giết người kiêm người giết người hàng loạt của Looney Tune, người giết người bằng máy ảnh máy ảnh máy ảnh của anh ta. . Trên thực tế, nó được coi là khá gây tranh cãi trong một thời gian, và tùy thuộc vào người bạn hỏi nó vẫn có thể. Hiểu lý do tại sao không có rất nhiều công việc nặng ký; Những bộ phim về phụ nữ trong tình trạng nguy hiểm có một cách gây căng thẳng cho khán giả của họ, và Peeping Tom đưa ý tưởng đó đến một mức độ cực đoan, khiến cho các nạn nhân sắp trở thành một căn phòng nhỏ để thở khi Mark Lewis (Carl Boehm) khép lại với họ, ghi lại Sự sợ hãi tăng theo cấp số nhân của họ từ thứ hai đến thứ hai khi họ đối mặt với sự hiểu biết về những cái chết sắp xảy ra của họ. Đây là một bộ phim khó khăn để ngồi qua, vì bất kỳ bộ phim nào về một kẻ xã hội có thói quen giết người tàn bạo sẽ là, nhưng nó cũng kỹ lưỡng, sâu sắc, được thực hiện hoàn hảo và được xem xét tuyệt vời. Cho dù bạn có phải là một người hâm mộ kinh dị hay không, nếu bạn tự gọi mình là Cinephile, thì nó cũng yêu cầu xem. Tiếng crump

23. Get Out, 2017

Director: Jordan Peele

Jordan Peele’s a natural behind the camera, but Get Out benefits most from its deceptively trim premise, a simplicity which belies rich thematic depth. Chris (Daniel Kaluuya) and Rose (Allison Williams) go to spend a weekend with her folks in their lavish upstate New York mansion, where they’re throwing the annual Armitage bash with all their friends in attendance. Chris immediately feels out of place; events escalate from there, taking the narrative in a ghastly direction that ultimately ties back to the unsettling sensation of being the "other" in a room full of people who aren’t like you—and never let you forget it. Put indelicately, Get Out is about being black and surrounded by whites who squeeze your biceps without asking, who fetishize you to your face, who analyze your blackness as if it’s a fashion trend. At best Chris’s ordeal is bizarre and dizzying, the kind of thing he might bitterly chuckle about in retrospect. At worst it’s a setup for such macabre developments as are found in the domain of horror. That’s the finest of lines Peele and Get Out walk without stumbling. The film doles out scariness in intervals, treating fright as a supplement to the inexplicable or the downright creepy. It’s an exercise in tension, where we can presume what’s happening in the Armitage household without necessarily being on the money, and that’s the fun of the film: It spaces its revelations carefully, building on each to undercut any hint of a twist, while still catching us off our guard. When we’re exposed to the whole truth of Get Out’s race dynamic, it feels like a gut punch instead of a bombshell. —Andy Crump

22. Day of the Dead, 1985

Director: George A. Romero

Although Dawn will probably always have more esteem, and is significantly more culturally important, Day of the Dead is my personal favorite of George Romero’s zombie films, and I don’t think it ever quite gets the respect it deserves. It comes along at a sort of sweet spot for the director—bigger budget, more ambitious ideas and Tom Savini at the zenith of his powers as a practical effects artist. The human characters this time are scientists and military living in an underground bunker, which for the first time in the series gives us a wider view of what’s been going on since the dead rose. This film reintroduces the science back into zombie flicks, finally making one of the main characters a scientist (Matthew “Frankenstein” Logan, played by Richard Liberty) who has had some time to study the zombies in the relative safety of a lab. As such, the movie redefines the attributes of the classic Romero ghoul—they’re dumb, but not entirely unintelligent, and some of them can even be trained to use tools and possibly remember certain aspects of their previous lives. That of course brings us to “Bub,” (Sherman Howard) maybe the single most iconic zombie in Romero’s oeuvre, who displays a unique level of personality and even humor. Day of the Dead ultimately takes a monster that audiences thought they knew pretty well at this point and suggests that perhaps they were only just scratching the surface of the subgenre’s potential. —Jim Vorel

21. Rosemary’s Baby, 1968

Director: Roman Polanski

The banality of evil isn’t a concept new to the horror genre—look to recent shock-plagued entries like The Eyes of My Mother, or, say, Mickey Keating’s interminable Psychopaths to watch bad things happen for no other reason than that they can—but in Roman Polanski’s troubled hands, that banality is an unadulterated expression of a deep-seated, institutionalized horror, one so ingrained in our society it becomes practically organic. With Rosemary’s Baby, the body of young Rosemary (Mia Farrow) is the institution through which Satan’s malice gestates, a body over which everyone but Rosemary herself seems to have any control. At the mercy of her overbearing neighbors (played by a pitch-perfect Ruth Gordon and Sidney Blackmer), her Ur-Dudebro husband, Guy (John Cassavetes), and the doctor (Ralph Bellamy) recommended by her high society cadre of new friends, Rosemary is treated as if she’s the last person who knows what’s best for her and her fetus—a position she accepts as a matter of fact. She’s only a woman, a homemaker at that, so such is her lot. Of course, the worse she feels and the more fraught her pregnancy becomes—as well as the recurring flashes of a ghastly dream she can’t quite shake—the clearer Rosemary begins to suspect she’s an unwilling pawn in something cosmically insidious. She is, is the absurd truth: She is the mother of Satan’s offspring, the victim of a coven’s will to worship their Dark Lord much more fruitfully. More than the director’s audacious Hollywood debut, not to mention the omen of what New Hollywood would be willing to do to tear down tradition, Rosemary’s Baby is a landmark horror film because of how ordinary, how easy, it is for everyone else in Rosemary’s life to crush a woman’s spirit and take her life. “It’s alive!” Rosemary screams, echoing Frankenstein with outsize aplomb, her declaration hardly one of triumph, but of disbelief that such a nightmare is the life she’s just going to have to accept. —Dom Sinacola

20. Re-Animator, 1985

Director: Stuart Gordon

Ironically, the most entertaining take on H.P. Lovecraft is the least “Lovecrafty.” Stuart Gordon established himself as cinema’s leading Lovecraft adaptor with a juicy take on the story “Herbert West, Re-Animator,” about a student who concocts a disturbingly flawed means of reviving the dead. Re-Animator more closely resembles a zombie film than Lovecraft’s signature brand of occult sci-fi, but it boasts masterful suspense scenes, great jokes and Barbara Crampton as a smart, totally hot love interest—i.e., it’s a near-perfect ’80s horror movie. Jeffrey Combs as West is brilliant, establishing himself as the Anthony Perkins of his generation, a hilariously insolent and reckless genius whom he played in two Re-Animator sequels. The actor even played Lovecraft in the anthology film Necronomicon. The film is a near-perfect crystallization of best aspects of ’80s horror, from its delight in perversion to its awesome practical effects. —Curt Holman

19. Nosferatu, 1922

Director: F.W. Murnau

What can you say about a film that not only serves as an essential architect of a young medium’s development but also remains terrifying more than 90 years after the fact? Indeed, F.W. Murnau’s Nosferatu didn’t just help birth the cinematic horror movie, it revolutionized the ways one could tell a story through film. And to think this version only exists because Bram Stoker’s widow refused to grant permission for the studio’s planned adaptation of Dracula, thus forcing Murnau to reconceive Dracula as the more monstrous Count Orlok. Delivering one of the most memorable turns in cinema history, actor Max Schreck, with his grotesque makeup job and reptilian body movements, thoroughly embodies one of the most nightmarish images ever to grace the screen. There’s nothing romantic, sensual or charming about his Orlok; rather, the character connotes simple, unadulterated horror. Moreover, when film was still considered little more than a gimmick, it was productions like Nosferatu that would help elevate the rough new medium to the status of a genuine art form. So long as people continue to document history, the image of Schreck’s Orlok rising from his coffin will undoubtedly be among the first definitive images in the story of film. Watching Murnau’s masterpiece today, one can still be frightened by its set pieces, awed by its technical wizardry and become emotionally invested in a cast of long-deceased actors flailing about in fright. Nosferatu, in many ways, represents the beauty of cinema in its purest form. —Mark Rozeman

18. Poltergeist, 1982

Director: Tobe Hooper

They’re heeeeeeeeeere… Steven Spielberg’s first big success in the producer’s chair (and notionally directed by Tobe Hooper) was released concurrently with ET: The Extraterrestrial and could arguably be seen as the dark side of a dyad about alienation in suburbia. Nonetheless, it retains the Spielberg Feel Good Stamp even as a horror film. The Freelings are a “typical” unassuming middle class family living in a peaceful suburb that becomes not-so-peaceful as the house is caught in the grip of supernatural disturbances. The pet canary dies. There are bizarre weather events. Youngest-kid Carol Ann (Heather O’Rourke) stands entranced in front of the TV in one of the most iconic moments in horror film history, lit by a mysterious beam of green light while the room begins to shake. As Carol Ann is repeatedly drawn to the television, where she begins to talk to “the TV people,” and eventually gets sucked into a dimensional vortex in the closet, father Steve (Craig T. Nelson) consults parapsychologist Dr. Lesh (Beatrice Straight). Lesh finds she’s in over her head and calls for an exorcist. The anatomization of the “happy family” is lavishly paced, making the ensuing horror all the more vivid. Not the deepest movie ever made, certainly, but an enduring classic of the genre, a highly detailed take on the “unassuming regular-Joe family savaged by invisible menace” trope, and still pretty damn creepy. —Amy Glynn

17. Return of the Living Dead, 1985

Director: Dan O’Bannon

John Russo is a huge unknown in terms of important figures in zombie cinema, at least among those who aren’t big horror geeks. Russo is the man who created the original story for Night of the Living Dead alongside George Romero, and thus is essentially one half of the driving force for the most famous zombie film of all time. After the two parted ways post-NOTLD, their settlement dictated that Russo would retain the rights to any future films with the phrase “living dead” in the title. Thus, Romero’s “of the dead” monikers in future films. Russo, meanwhile, wrote his sequel as a novel, which was then finally adapted as a film 17 years after the original NOTLD with extensive rewrites by director Dan O’Bannon. The result is one of the all-time zombie classics, a film that is equal parts gory and hilarious while making a concerted effort to capture the youth movement, art aesthetic and, especially, music of the mid-’80s. It’s influential in so many different ways: the comedic tone; the youth focus; the scapegoating of an American military experiment gone wrong as the genesis of the zombies. The zombies too have been completely redesigned with all-new capabilities—they’re intelligent, they can speak, they can move fast and, for the first time ever, they’re specifically targeting human brains. That last point was so influential and so ubiquitous in the genre after 1985 that it’s incorrectly been assumed by many people for decades that the Romero zombies are brain-eaters. For these reasons, ROTLD is undoubtedly one of the most significant zombie films ever. And by the way—with ROTLD, Day of the Dead, Demons and Re-Animator all being released in 1985, is it safe to say this was the greatest year in the history of zombie cinema? —Jim Vorel

16. Eraserhead, 1977

Giám đốc: David Lynch David Lynch

Đó có thể là một trải nghiệm đau đớn khi xem một bộ phim và không biết nó nói về điều gì về việc có bộ phim có nghĩa là cằn nhằn ở cốt lõi của bạn, luôn nằm ngoài tầm với. Tuy nhiên, đó chính xác là nhiên liệu nóng chảy, dưới lòng đất đẩy tầm nhìn của David Lynch về phía trước, và với sự ra mắt của anh ấy, Eraser đau khổ và đáng sợ, đạo diễn không mang lại sự an ủi cho cảm giác lấn chiếm rằng với anh ta sẽ không bao giờ tìm thấy bất kỳ loại mo Giữ tâm lý của chúng tôi an toàn. Một câu chuyện đơn giản về một công nhân có mái tóc hài hước (Jack Nance) lo lắng thông qua một cảnh quan công nghiệp Phantasmagoric, trong quá trình làm cha một đứa bé trông giống rùa đột biến, người mà anh ta đã bỏ đi sau khi người vợ mới của anh ta từ bỏ gia đình của cô ta Hành động chôn cất thử nghiệm điện ảnh có đầu óc độc lập trong ý thức phổ biến. Bạn có thể không biết nhiều về Eraserhead, nhưng bạn có thể biết nó là gì. Và dù đó có phải là một sự thiền định về sự khủng khiếp của việc làm cha hay một cái nhìn thoáng qua về sự phá hủy kỳ lạ của sự thân mật thể chất trong một hệ sinh thái đang hấp hối, hoặc một công việc đột phá của thiết kế âm thanh DIY, hoặc bất cứ điều gì mà eraser eraserhead là một lỗ hổng đen ảnh hưởng. Nó rất thô thiển, nó khuấy động tâm hồn, nó là một cơn ác mộng nội tạng, và cho đến ngày nay, nó không giống bất cứ điều gì tôi đã từng thấy trước đây. Mà có thể hoặc không thể là một lời khen. Tôi có thể chắc chắn. SINHDOM Sinacola

15. 28 ngày sau, 2002

Giám đốc: Daniel Boyle Danny Boyle

Bộ phim Zombie cổ điển đã chết một cách hiệu quả vào thời điểm 28 ngày sau đó xuất hiện vào năm 2002 và hoàn toàn đánh giá lại khái niệm này. . Ở đây, họ sống thay vì chết, những linh hồn tội nghiệp bị nhiễm virus Rage, khiến họ trở nên điên cuồng, xé nát bất kỳ sinh vật sống nào mà họ nhìn thấy. Nó có một sự hiện đại hóa của những nỗi sợ hãi tương tự đã cung cấp cho Romero, Ghouls, không suy nghĩ về những kẻ tấn công, những người sẽ không dừng lại ở mức nào và bây giờ nguy hiểm hơn bao giờ hết vì chúng di chuyển tại một cuộc đua nước rút đầy đủ. Thật khó để nói quá mức một bước nhảy vọt của một thể loại zombie lớn như thế nào đối với thể loại zombie, những cảnh ban đầu 28 ngày sau đó, nơi Jim (Cillian Murphy) cố gắng điều hướng một London vắng vẻ trong các bệnh viện, bị đuổi theo bởi những thây ma nhanh chóng, đã làm điều này Thể loại những gì Scream đã làm cho sự hồi sinh của Slasher, nói về sự hài hước. Thật vậy, 28 ngày sau là một bộ phim kinh dị nghiêm trọng, đánh dấu sự trở lại khi xem những loại sinh vật này là một mối đe dọa hợp pháp, đáng sợ. Nó chỉ ra một xu hướng khác của những năm 2000, đó là tái hiện các quy tắc cổ điển của điện ảnh zombie để phù hợp với nhu cầu của bộ phim. Zack Snyder Dawn of the Dead Remake đã sao chép rất nhiều bộ phim DNA DNA này khi nó được phát hành hai năm sau đó, mặc dù nó kết hôn với khái niệm với Romero Ghoul truyền thống hơn. Cùng nhau, hai bộ phim đó đã sinh ra khái niệm về bộ phim Zombie nghiêm túc thế kỷ 21. Voijim Vorel

14. Kwaidan, 1964

Giám đốc: Masaki Kobayashi Masaki Kobayashi

Những câu chuyện ma don don nhận được tuyệt đẹp hơn nhiều so với bốn người trong Masaki Kobayashi, Kwaidan ngổn ngang. Giữa hai sử thi Samurai chính trị và chính trị rộng rãi, Hara-Kiri (1962) và Samurai Rebellion (1967), Kobayashi đã dẫn đầu sản xuất điện ảnh đắt nhất của Nhật Bản Những câu chuyện và xu hướng trực quan của Kobayashi cho những bộ siêu thực, tươi tốt. Trong phần tóc đen, một Ronin ích kỷ, nghèo khó Ronin (Rentaro Mikuni) từ bỏ vợ mình để kết hôn với sự giàu có, chỉ để nhận ra rằng anh ta đã mắc một sai lầm thảm khốc, khiến anh ta rơi vào một cơn ác mộng gothic của sự suy đồi và hối tiếc. Người phụ nữ của Snow Snow theo sau một thợ thủ công (người luôn chào đón Tatsuya Nakadai) đã cam chịu mọi thứ anh ta yêu thích bị đánh cắp từ anh ta bởi một bóng ma quan liêu bệnh nhân. Bản thân bộ phim, Hồi Hoichi the Earless, anh ấy đã đánh bại nhạc sĩ Monk Blind (Katsua Nakamura) chống lại một gia đình ma, buộc người đàn ông phải đọc thuộc lòng trong những đoạn văn của họ . Những hình ảnh không thể xóa nhòa (có lẽ, nổi tiếng nhất là làn da của Hoichi hoàn toàn được bao phủ trong kịch bản của Kinh điển trái tim để tránh khỏi ảnh hưởng của ma), Sự thừa nhận của Kobayashi rằng chỉ có lực lượng nằm ngoài tầm kiểm soát của chúng tôi giữ chìa khóa cho số phận của chúng tôi. Người thứ tư, và cho đến nay là người kỳ lạ nhất, trong một tách trà, là một câu chuyện trong một câu chuyện, cố tình chưa hoàn thành bởi vì nhà văn (Osamu Takizawa) đang viết về một samurai (Noboru Nakaya) (Kei Sato) Trong tách trà của anh ta lần lượt bị tấn công bởi những linh hồn độc hại mà anh ta gợi lên. Từ những câu chuyện cổ tích khác biệt này, rất nhiều thức ăn gia súc cho lửa trại, Kobayashi tạo ra một huyền thoại cho đất nước của mình, quá khứ bị ám ảnh: chúng ta chẳng là gì nếu không phải là con tốt của tất cả những người đến trước. SINHDOM Sinacola

13. Bride of Frankenstein, 1935

Director: James Whale

I’ve already gone to bat for Son of Frankenstein in this list, but thankfully that’s not so necessary with Bride, which is already widely regarded as superior to Whale’s own 1931 original. Colin Clive returns as the Doctor in this first sequel, now haunted by the destruction his creation has wrought. He would happily wash his hands of the incident, but for the interjection of an old colleague, Dr. Pretorius (Ernest Thesiger), who seduces Frankenstein back into additional morbid business by revealing to him his own macabre discoveries. The monster, meanwhile, has survived its near immolation in the conclusion of the first film, and experiences unexpected character development—first bonding with an old hermit in the woods, before being unfortunately discovered by the ambitious Pretorius, who teaches him to speak and turns him against his idealistic (but deluded) creator. It’s Boris Karloff’s finest hour, as he imbues the tragic monster with not only sorrow but righteous anger and a deep yearning for acceptance and anonymity that he believes he can find in the titular “Bride.” The film is a gothic masterpiece of old-school, lightly campy spooks, swinging ably from broad humor to impressionistic fright, to the Poe-esque crypts where Pretorius sets up shop. Ernest Thesiger, utterly steals the show by truly bringing the “mad” into “mad scientist.” His initial meeting and salutation to the Monster, sitting comfortably among the skulls of a mass grave without a hint of fear, may be the most iconic horror scene of the ’30s. —Jim Vorel

12. The Texas Chainsaw Massacre, 1974

Director: Tobe Hooper

One of the most brutal mainstream horror films ever released, The Texas Chainsaw Massacre, based on notorious Wisconsin serial killer Ed Gein, resembles art-house verité built on the grainy physicality of its flat Texas setting. Plus, it introduced the superlatively sinister Leatherface, the iconic chainsaw-wielding giant of a man who wears a mask made of human skin, whose freakish sadism is upstaged only by the introduction of his cannibalistic family with whom he resides in a dilapidated house in the middle of the Texas wilderness, together chowing on the meat Leatherface and his brothers harvest, while Grandpa drinks blood and fashions furniture from victims’ bones. Still, The Texas Chainsaw Massacre might not be the goriest horror film ever made, but as an imaginal excavation of the subterranean anxieties of a post-Vietnam rural American populace, it’s pretty much unparalleled. Twisted, dark and beautiful all at once, it careens through a wide variety of tones and techniques without ever losing its singular intensity. (And there are few scenes in this era of horror with more disturbing sound design than the bit where Leatherface ambushes a guy with a single dull hammer strike to the head before slamming the metal door shut behind him.) —Rachel Hass and Brent Ables

11. The Silence of the Lambs, 1991

Director: Jonathan Demme

In the face of grotesque sequels, lesser prequels and numerous parodies, The Silence of the Lambs still stands as a cinematic work of art among crime dramas and serial killer movies, winning the five gold rings of Oscar-dom (Best Picture, Director, Actor, Actress and Screenplay). Anthony Hopkins’ portrayal of the murderous Hannibal Lecter especially proves the worth of surrounding one of cinema’s greatest thespians with a stellar supporting team, though director Jonathan Demme deftly wields the brush of that talent to bring audiences into the dark, sadistic world of Dr. Lecter while leaving them gasping at the twists and turns of novelist Thomas Harris’ gruesomely wonderful story. As happens with all great films, second and third viewings fail to diminish the ride, but instead reveal even more subtleties of characterization. And Demme’s own style behind the camera makes the close-up world of Silence of the Lambs an unforgettable visual parlor of grotesqueries. —Tim Basham

10. An American Werewolf in London, 1981

Director: John Landis

Few directors have ever displayed such an innate tact for combining dark humor and horror the way John Landis does. At the height of his powers in the early ’80s, one year removed from The Blues Brothers, Landis opted for a much grittier, scarier story that stands as what is still the best werewolf movie of all time. When two travelers backpacking across the English moors are attacked by a werewolf, one is killed and the other, David (David Naughton), infected with the wolf’s curse. Haunted by the simultaneously unnerving and hilarious visions of his dead friend, David must decide how to come to terms with the monster he has become, even as he strikes up a relationship with a beautiful nurse played by Jenny Agutter. The film lulls you into comfort with its witticism before springing shocking, gory dream sequences on the viewer, which repeatedly arrive unannounced. The key moment is the protagonist’s incredibly painful, traumatic full transformation, set to the crooning of Sam Cooke doing “Blue Moon,” which is still unsurpassed in the history of the genre. Legendary FX and monster makeup artist Rick Baker took home the first-ever Academy Award for Best Makeup and Hairstyling for creating a scene that has given the wolf-averse nightmares ever since. —Jim Vorel

9. Những người vô tội, 1961

Giám đốc: Jack Clayton Jack Clayton

Có một vài điểm tham quan trong kinh dị gothic ngay lập tức mang tính biểu tượng hơn so với nhân vật nữ, mặc một chiếc áo ngủ trôi chảy, lang thang trong hội trường của một biệt thự đồng quê Victoria đen tối lúc nửa đêm, bắn nến trong tay nguồn gốc của một âm thanh bí ẩn. Đó là Deborah Kerr trong những người vô tội, một trong những người làm lạnh gothic vĩ đại nhất. Dựa trên bước ngoặt của Henry James, điều đó liên quan đến tình yêu trẻ với tình yêu dành cho trẻ em khi cô thấy mình ở một địa điểm mới đầy thách thức, chăm sóc hai đứa trẻ mồ côi có người chú giàu có không có chỗ trong trái tim anh cho các thành viên gia đình. Từ những khoảnh khắc mở đầu, sự hiện diện ma quái của quá khứ có thể sờ thấy được, và sân khấu được đặt ra theo chủ đề bởi mô típ âm nhạc lặp đi lặp lại của Hồi O Willow Waly, đó là sự lạnh lùng khi nghe ngay cả khi không có bối cảnh của bộ phim. Có một bí ẩn để được làm sáng tỏ ở đây, nhưng những người vô tội là một bữa tiệc điện ảnh ngay cả khi bạn đang xem trên câm, với nhà quay phim Freddie Francis, với sự tập trung sâu sắc và những bức ảnh yêu thương của biệt thự đất nước che giấu một quá khứ bí mật. Trong khi đó, các diễn viên nhí không có gì là phi thường, đó có thể là màn trình diễn tốt nhất của một vài đứa trẻ trong toàn bộ lịch sử của thể loại này. Martin Stephens nói riêng, với tư cách là một cậu bé trẻ trung và kỳ quặc, đang đánh vần, buộc Kerr xông Miss Giddens phải đặt câu hỏi về khả năng ảnh hưởng siêu nhiên từ bên ngoài ngôi mộ. Nó là một câu chuyện ma đẹp mắt được xem đẹp nhất bởi ánh nến. Voijim Vorel

8. Dawn of the Dead, 1978

Giám đốc: George A. Romero George A. Romero

Trường hợp Night of the Living Dead là thô bạo, mờ nhạt và có vẻ ngoài rẻ tiền, Dawn of the Dead tạo ra một bước tiến khổng lồ về mặt trình bày, tính chuyên nghiệp, sự phức tạp theo chủ đề và các hiệu ứng đặc biệt đột phá. Phải mất 10 năm Romero để đưa phần tiếp theo đầu tiên của mình lên khỏi mặt đất, nhưng anh ấy đã nâng cao ante theo mọi cách có thể. Cốt truyện hấp dẫn và châm biếm thông minh hơn, với các chủ đề chống tiêu dùng trở nên rõ ràng khi một nhóm người sống sót xâm nhập vào một trung tâm thương mại bị tràn ngập bởi The Walking Dead. Các thây ma tràn ngập, không đặc biệt để đuổi theo những người sống sót mà chỉ đơn giản là đi lang thang, vì các nhân vật suy đoán rằng một cái gì đó đã buộc họ phải trở về một địa điểm quan trọng đối với họ trong cuộc sống. Phù thủy hiệu ứng đặc biệt Tom Savini biến trong cuộc phiêu lưu thực sự tuyệt vời đầu tiên của mình trong thử nghiệm đẫm máu, nâng tầm cho những người khác muốn phát nổ một cái đầu zombie trên màn hình trong những năm tới. Dawn thường được trích dẫn là bộ phim zombie vĩ đại nhất mọi thời đại, và mặc dù tôi có thể đưa ra một cuộc tranh luận cho một vài người khác trong top 10, nhưng bất kỳ ai trong số họ khó có thể cạnh tranh với nó về hình ảnh mang tính biểu tượng tuyệt đối. Bạo lực khá vui vẻ, nhưng thực tế nghiêm túc về sự sụp đổ của nền văn minh chứa một chuỗi hư vô phổ biến đối với các bộ phim khải huyền của zombie, và tạo ra sự cân bằng. Thậm chí còn hơn cả Notld, bộ phim này đặt ra một giai điệu cụ thể mà các bộ phim Zombie trong tương lai đã cố gắng trùng lặp hoặc lật đổ. Khi các bộ phim Zombie từ năm 1968 đến 1978 đã cố gắng ghi lại thẩm mỹ của Notld, gần như mọi bộ phim zombie kể từ năm 1978 đã thực hiện một số nỗ lực trong việc truyền tải Dawn. Voijim Vorel

7. Hàm, 1975

Giám đốc: Steven Spielberg Steven Spielberg

Bởi vì ai đó chắc chắn sẽ hỏi: Jaws có phải là một bộ phim kinh dị không? Đối với những người lo lắng rằng nó không an toàn để trở lại trong nước, thì chắc chắn đó là điều chắc chắn. Nhưng bất kể bạn phân loại nó như thế nào, không thể phủ nhận rằng hàm là bất cứ điều gì ngoài tuyệt vời, một trong những chiến thắng dân túy vĩ đại của Spielberg, bên cạnh những người như Jurassic Park và E.T. sự ưu ái của nó. Đã được thực hiện trong những năm qua làm thế nào một bộ phim thực sự được hưởng lợi từ các vấn đề kỹ thuật làm hỏng nó, câu chuyện ban đầu được gọi là nhiều cảnh có cá mập cơ học, Bruce Bruce, nhưng sự cố liên tục bị trục trặc buộc đạo diễn phải cắt giảm , cuối cùng đã tối đa hóa tác động của mỗi lần xuất hiện. Lần đầu tiên Martin Brody (Roy Scheider) nhìn thấy những con quái vật theo nghĩa đen của con thú trong khi lơ đãng ném Chum xuống nước là một trong những khoảnh khắc tuyệt vời, gây ra tiếng la hét trong lịch sử điện ảnh, và đó là một cú sốc chưa bao giờ phù hợp Trong bất kỳ bộ phim cá mập nào khác kể từ đó. Tương tự như vậy với cái chết của Quint (Robert Shaw), người đã tranh giành điên cuồng để tránh những chiếc răng gặm nhấm đó là loại điều tạo ra những cơn ác mộng trẻ em rất riêng của nó. Cuối cùng, JAWS được biến thành một bộ phim tuyệt vời thông qua các nhân vật đáng nhớ, nhưng nó đã biến thành một bộ phim đáng sợ bằng cách thực hiện mới lạ và hoàn hảo. Voijim Vorel

6. Hãy để một bên trong, 2008

Giám đốc: Tomas Alfredson Tomas Alfredson

Một số bộ phim ma cà rồng là đáng sợ. Một số là đẫm máu. Một số là trực quan nổi bật. Một số là não. Một số được cộng hưởng về mặt cảm xúc. Một vài người chọn hiện thân hai hoặc ba trong số những phẩm chất này. Đặt đúng một trong là gói đầy đủ. Thật đáng sợ như nó thật chân thành, John Ajvide Lindqvist, bản chuyển thể của câu chuyện sắp đến với ma cà rồng của chính mình cảm thấy như thể nó sẽ đầy rẫy những mâu thuẫn và thay đổi âm điệu. Thay vào đó, nó là một bộ phim ghi lại một cách chuyên nghiệp cả sự cô lập của thời thơ ấu và đỏ mặt của tình yêu đầu tiên. Theo dõi mối quan hệ giữa một cậu bé cô đơn (Kåre Hedebrant) và cô gái ma cà rồng trẻ bí ẩn (Lina Leandersson), người mà anh ta trở nên say mê, bộ phim có những gì, trong tay ít hơn, có thể dễ dàng là một sự lật đổ đồi trụy của tình yêu chó con và bùng nổ Nó thành một thứ gì đó trung thực và phổ quát về mặt cảm xúc như bất kỳ bộ phim nào tạo ra giai đoạn Oscar. Mặc dù đạo diễn/đồng biên tập Tomas Alfredson nhấn mạnh sự ảm đạm, màu sắc lạnh lẽo của vùng ngoại ô Stockholm, anh ta sẽ chú ý đến sự u sầu này bằng cách chỉ đạo một số tương tác ấm áp nhất, chân thực nhất giữa trẻ em từng bị bắt trên màn hình. Và nếu tất cả những lời ca ngợi này làm cho câu chuyện có vẻ giống như một bộ phim truyền hình arty, hãy yên tâm rằng Alfredson vẫn mất thời gian để bao gồm tất cả các hành động của Gore và Badass Vampire. Hầu hết các bộ phim ma cà rồng đều rất vui khi vượt qua bẫy kinh dị của họ và trở thành thứ mà khán giả truyền thống có thể đánh giá cao như một chuyến đi hồi hộp thỏa mãn. Hãy để một bên phải vượt qua những kỳ vọng như vậy. Vâng, nó là một bộ phim kinh dị tuyệt vời, nhưng, nhiều hơn thế, nó là một kiệt tác điện ảnh thẳng thắn. —Cark Rozeman

5. The Thing, 1982

Giám đốc: John Carpenter John Carpenter

Không có sự thiếu tôn trọng đối với phiên bản The Thing Christian Nyby/Howard Hawks cổ điển từ một thế giới khác từ năm 1951, nhưng John Carpenter, 1982 đã tái hiện câu chuyện đó thành một điều là một trong những hành động hiện đại hóa vĩ đại nhất của điện ảnh. Theo một cách bắt chước sáu năm sau đó bởi bản làm lại của Blob, thợ mộc đã có một câu chuyện ngụ ngôn Chiến tranh Lạnh mỏng manh và che giấu nó theo phong cách khí quyển của anh ta Thần thoại và khả năng của quái vật chính. Mỗi khung hình là một câu đố trực quan, khi máy ảnh Carpenter xông lên trên các hành lang trống rỗng, khung cửa mở và hình vẽ trong không khí Bắc Cực. Ai là điều, và gây tranh cãi hơn, khi nào và làm thế nào họ trở thành điều? Các lý thuyết xoắn ốc vô tận vào các góc tối của internet, khi các manh mối trực quan của Carpenter và kịch bản Bill Lancaster, dường như cung cấp cho khán giả hầu hết các trò chơi nhưng không bao giờ hoàn toàn là tất cả thông tin mà họ cần chắc chắn. Rob Bottin cung cấp những gì có thể là đỉnh cao của các hiệu ứng thực tế trong lịch sử điện ảnh kinh dị trong một số cảnh biến đổi của sự vật, và đặc biệt là trong chuỗi gây ra tâm trí có đầu của Norris (Charles Hallahan) mọc lên để trở thành một con cua- Giống như sinh vật, mà cố gắng tìm đi. Vấn đề đã trở thành một cổ vật của sự tinh khiết kinh phí của ngân sách lớn thập niên 80: Hiệu ứng đặc biệt cấp độ tiếp theo, một bí ẩn mở rộng tâm trí, hướng đi bậc thầy và sự tuyệt vời đó là Kurt Russell/R.J. MacReady là anh đào trên đầu. Voijim Vorel

4. Tâm lý, 1960

Giám đốc: Alfred Hitchcock Alfred Hitchcock

Cái lớn. Một trong những lớn nhất, có lẽ, mặc dù nếu không, nó vẫn còn khá lớn. 57 năm sau khi Alfred Hitchcock tung ra tâm lý về một nền văn hóa điện ảnh không nghi ngờ, tìm thấy những điều mới để nói về nó cảm thấy như một kẻ ngốc, nhưng hey: chúng tôi đã ngu ngốc. Năm thập kỷ và thay đổi là một thời gian dài để ảnh hưởng của một bộ phim tiếp tục vang dội khắp văn hóa đại chúng, nhưng ở đây, chúng ta đang xem các nhân vật chính mất đầu trong Game of Thrones , trong các bộ phim như Alien, The Alien Rip-Off Life, và có lẽ quan trọng nhất là hét lên, bộ phim là kinh dị đương đại những gì tâm lý dành cho các bộ phim thể loại (và tổng cộng cho các bộ phim) trong thời đại của nó. Đó là khá nhiều định nghĩa từ điển về tác động ngay tại đó (và tất cả mà không có một đề cập nào về A & E xông Bates Motel).

Nhưng bây giờ, chúng tôi nói về Psycho như một curio chứ không phải là một bộ phim, và sự thật là tác động của Psycho, là hậu quả trực tiếp của sự thành thạo của Hitchcock, với tư cách là một nhà làm phim và là một người kể chuyện. Nói một cách khác, đó là một bộ phim tuyệt vời, một bộ phim có hiệu quả như ngày nay nó có thẩm quyền: bạn chưa bao giờ gặp một người chém (proto-slasher, thực sự) như Norman Bates (Anthony Perkins), và cho dù phim có cố gắng bao nhiêu lần Để tái tạo tính cách của anh ấy trên màn hình, họ sẽ không bao giờ hiểu đúng. Anh ta, giống như chính tâm lý, một trong những loại. Tiếng crump

3. Người ngoài hành tinh, 1979

Giám đốc: Ridley Scott Ridley Scott

Các ống dẫn, kênh rạch và Cloaca, Ridley Scott, Ode đến ngột ngạt để lại một căn phòng nhỏ để thở, nhồi nhét các nguyên mẫu cổ áo màu xanh của nó qua các không gian quá nhỏ để duy trì bất kỳ sự tỉnh táo nào, và quá không thể sống sót để tồn tại. Người ngoài hành tinh đó cũng có thể tạo ra không gian trên mặt bản thân của S S S S S S S S S S S S S S S S S S S S S S S S S S S S S S S S S S S S S S S S S S S S S S S S S S S S S S S S S S S S S S S S S S S S S S S S S S S S S S S. Bộ phim gần như hoàn hảo đầu tiên), cũng như sự thuần khiết của kinh dị như một thể loại điện ảnh. Alien, sau tất cả, là căng thẳng như câu chuyện, vi phạm như một vấn đề thực tế: khi phi hành đoàn của tàu vũ trụ khai thác được đánh thức sớm từ giấc ngủ đông lạnh để tham gia vào một cuộc gọi đau khổ từ một hành tinh dường như vô hồn, không có nghi ngờ gì của tầng lớp lao động càu nhàu và nhân viên khoa học posh của họ Ash (Ian Holm) sẽ không phát hiện ra gì ngoài việc gắn kết, thế giới khác. Rõ ràng mọi thứ, về mặt biểu tượng, đã đi sai từ đó, và khi phi hành đoàn hiểu cả những gì họ đã mang lên tàu của họ và những gì các thành viên phi hành đoàn của họ được tạo ra từ một trường hợp, theo nghĩa đen là một anh hùng xuất hiện từ thảm họa: Ellen Ripley ( Sigourney Weaver), lý tưởng Platonic của cô gái cuối cùng phải chiến đấu với một kỳ cục nhớt, kỳ cục (chăm sóc của Master of the Frotesque, H.R. Giger) và một thành viên phi hành đoàn về cơ bản là một tàu đi bộ với lượng dịch chất gây khó chịu. Khi Ripley bò qua các cơ quan thép của con tàu, giữa những giấc mơ, bộ phim bắt đầu bằng việc phi hành đoàn thức dậy, và kết thúc bằng sự trở lại với giấc ngủ, Alien phát triển thành một cơn ác mộng tâm lý, một bản cáo trạng của hành động thuộc địa nam tính vốn có và một chuyên luận biểu tượng trên Chấn thương tấn công. Trong không gian, không ai có thể nghe thấy bạn hét lên vì không ai nghe. SINHDOM Sinacola

2. The Shining, 1980

Giám đốc: Stanley Kubrick Stanley Kubrick

Stephen King nổi tiếng ghét bộ phim chuyển thể từ cuốn tiểu thuyết The Shining của ông, rất khó hiểu cho đến khi bạn thực sự đọc cuốn sách gốc của King, trong đó mọi thứ trở nên rõ ràng hơn nhiều. Kubrick, từng là thiên tài điên rồ, phần lớn đã từ chối cốt lõi tình cảm của câu chuyện King, vì anh ta nhìn thấy trong xương của một cơ hội cho một hành trình vào trung tâm của nỗi kinh hoàng truyền cảm hứng trực quan và âm thanh mà một vài bộ phim đã đến gần để tái tạo. Không giống như trong tiểu thuyết của King, Jack (Jack Nicholson) không bao giờ được đối xử với bất kỳ loại cảm thông hay mầm bệnh nào trong mắt khán giả, anh ấy là một người leo núi ngay từ giây phút đầu tiên chúng tôi gặp anh ấy trong cuộc phỏng vấn xin việc của anh ấy, và anh ấy chỉ trở nên tồi tệ hơn từ đó , với mối đe dọa ngụ ý về bạo lực thể xác của anh ta đối với Daniel (Daniel Lloyd) và Wendy (Shelley Duvall) treo trên mọi cảnh như thanh kiếm của Damocles. Sự điên rồ của anh ta được ám chỉ một cách thành thạo thông qua một số hình ảnh mang tính biểu tượng nhất và đặc biệt là chỉnh sửa âm thanh trong lịch sử điện ảnh, các bộ phim kinh dị, hoặc bất kỳ bộ phim nào nói chung, đã từng sử dụng âm thanh đáng kinh ngạc như The Shining. Đi xem Phù thủy, và so sánh âm thanh là rõ ràng. Bộ phim này, giống như The Exorcist, thấm vào xương của bạn, lây nhiễm mọi quan điểm bạn có về thể loại kinh dị trong phần còn lại của cuộc đời. Nó là một bộ phim hoành tráng. Voijim Vorel

1. The Exorcist, 1973

Giám đốc: William Friedkin William Friedkin

Exorcist là một lựa chọn an toàn, nhưng sau đó bạn vật lộn với việc bất kỳ bộ phim nào khác trong danh sách này có đáng lo ngại hơn, có ảnh hưởng hơn hay chỉ đơn giản là đáng sợ hơn bộ phim này, và chỉ đơn giản là không có một. Bộ phim tỏa ra hào quang của sự sợ hãi, nó cảm thấy bằng cách nào đó ô uế và nghiêng, ngay cả trước khi tất cả các cảnh sở hữu bắt đầu. Các phân đoạn như Flash Face Demon Face trên màn hình cho một phần tám của một giây, làm mất phương hướng của người xem và cho bạn cảm giác rằng bạn không bao giờ có thể để bạn cảnh giác. Nó giun theo cách của nó dưới da của bạn và sau đó ở đó mãi mãi. Bộ phim liên tục làm suy yếu mọi cảm giác hy vọng rằng cả khán giả và các nhân vật có thể có, khiến bạn cảm thấy như thể không có cách nào mà linh mục này (Jason Miller), không đặc biệt mạnh mẽ trong đức tin của mình, sẽ có thể cứu Cô bé sở hữu (Linda Blair). Ngay cả cuối cùng, Victory Victory cũng là một điều rất rỗng tuếch, như sau này được khám phá bởi tác giả William Peter Blatty trong The Exorcist III. Xem nó là một thử thách, ngay cả sau khi nhìn thấy nó nhiều lần trước đây. The Exorcist là một bộ phim tuyệt vời theo bất kỳ định nghĩa. Voijim Vorel

10 bộ phim kinh dị hàng đầu là gì?

Bộ phim kinh dị số 1 trên thế giới là gì?

10 yếu tố của kinh dị là gì?

Bốn loại phong cách kinh dị là gì?